Renacimiento

La principal innovación de la pintura renacentista es la perspectiva. Aunque ya se prefigura en el gótico, la consecución definitiva de una perspectiva matemática que integra todos los elementos del cuadro es una de las señas de identidad del periodo. Es patente cómo en todos los cuadros los personajes dejan de ser representaciones sobre un fondo plano, y pasan a representarse a diferente distancia dentro de espacios arquitectónicos. Hay sensación de profundidad. La perspectiva es un ordenamiento geométrico, es decir, que se matematiza el espacio pictórico, creándose, en consecuencia, un espacio a priori, es decir racional.

El color comienza a mostrar matices y gradaciones en el gótico y alcanza su máxima precisión (retocada, al milímetro) en el Renacimiento, lo que confiere a las figuras una apariencia típicamente escultórica.

La composición (es decir, la ordenación de los elementos dentro del cuadro) es elaborada. Si el románico y el gótico presentaban una composición yuxtapuesta, de elementos emplazados unos al lado de otros, en el Renacimiento deviene más compleja, ayudada por la perspectiva. Las figuras aparecen frecuentemente estáticas. Imágenes religiosas La composición se organiza de acuerdo con esquemas geométricos elementales. Se prefiere la simetría y la compensación de grupos

La presencia del sujeto se advierte no solo en el retrato como tema y en la perspectiva, que, después de todo, es el punto de vista de un hombre, sino también en la imposición de un estilo personal (aparece el artista como concepto).

Los artistas del Renacimiento italiano se inspiraron en la historia griega y romana para crear otras obras de arte, incluso para sus mecenas cristianos. El Papa Julio II pidió a Rafael que pintara las habitaciones del Palacio del Vaticano, pero el pintor también incluyó representaciones de las musas griegas y del dios griego Apolo. El "Nacimiento de Venus" de Sandro Boticelli también fue un ejemplo icónico. Pintado en 1486, mostraba a la diosa romana del amor emergiendo del mar.

Los artistas del Renacimiento italiano utilizaban la perspectiva y la geometría para dar profundidad y realismo a sus pinturas. Los artistas se centraban en la perspectiva de un punto, puntos de fuga y en las agrupaciones geométricas de figuras. Leonardo da Vinci fue uno de los artistas que a menudo representaban la Virgen María y el niño Jesús en forma de triángulo. "La última cena" fue también geométricamente planeada con Cristo como el punto focal, formando un triángulo con sus brazos.

El claroscuro es una técnica en la cual los artistas utilizan colores claros y oscuros para crear profundidad y realismo. La palabra viene de un término italiano que designa luz y oscuridad. Leonardo da Vinci y Rafael utilizaron la técnica del claroscuro en gran parte de su trabajo, pero fue Tommaso Masaccio quien introdujo la técnica en el Renacimiento italiano. "Expulsión del jardín del Edén" de Masaccio fue una de las primeras obras del Renacimiento que contiene figuras realistas, profundidad y sombreado.

Es frecuente la idealización de los temas. Esto contrastará radicalmente con el realismo y el naturalismo tan expresivos de la pintura barroca.

La forma de expresión es figurativa, naturalista e idealizada, concediendo gran importancia a la figura humana bella y proporcionada. Se desarrolla el desnudo lo que permite al artista hacer alarde de sus conocimientos en la representación de la anatomía.

Las técnicas son variadas, pues se hace tanto pintura mural al fresco como pintura de caballete, en principio sobre tabla y después sobre lienzo, con temple hasta la segunda mitad del siglo que por influencia flamenca se introduce el óleo.

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