Experiencia estética en el arte moderno, perdida del tiempo del arte

PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL ECUADOR

FACULTAD DE CIENCIAS HUMANAS

ESCUELA DE HISTORIA

NOMBRE Méndez Tafur Silvia Daniela

FECHA: Quito, 08 de febrero de 2017

TEMA: Experiencia estética en el arte moderno, perdida del tiempo del arte

Desarrollar un trabajo tipo ensayo para reflexionar sobre la condición contemporánea del arte bajo la línea trazada por Groys en torno al time based art (arte que trabaja con el tiempo*).

Según Boris Groys, el escribir sobre arte cada día es más complicado, pues la dificultad se encuentra al querer hablar del arte sin caer en los parámetros tradicionales de la estética; los mismos que fueron establecidos por Kant; por esto Groys intenta desarrollar sus textos manteniéndose lejos de las ideas de la estética, lo que lo hace caminar hacia una especie de poética, lo que quiere decir que tampoco es que se proponga realizar una anti- estética, pues esto para él es como hacer otra forma de estética, aún más especifica que la normal; Groys le huye a la idea de la estética, porque él no desea ser únicamente un espectador, uno de aquellos que observa la obra de arte y desea que esta misma le transmita una experiencia.

Lo que se puede entender a partir del texto de Boris Groys es que las personas están acostumbradas a colocarse frente al arte y recibir de este mismo una experiencia estética tanto puede ser afirmativa como negativa, en el rango de lo afirmativo tenemos lo bello, lo sublime e incluso lo sensual, que nos lleva a considerar que podemos vivir en un mundo mejor, alejado de lo negativo, mientras que lo anti estético, nos revela a un mundo de opresión y de restricciones. Es importante considerar que la experiencia estética está basada en la forma en que ha sido educada la persona, es decir que ideas se le ha dado a las personas sobre el arte, también se puede entender que todo está enlazado en un contexto social.

En la antigüedad el arte estaba sumamente condicionado a lo que la iglesia o los grandes jefes políticos exigían, pues esta es la que decidía que es lo que se debía exponer en el arte, y a través de esta idea se generaba lo que Groys define como el amo y el esclavo, el amo es aquel espectador que recibe la experiencia estética, y el esclavo es aquel que está en la obligación de producirla para el amor.

Poco a poco esto ha ido cambiando y se le ha ido pidiendo a los artistas que empiecen a tomar temas de interés público, situaciones a las que nos enfrentamos las personas en la vida diaria y común; y también le acerca los temas políticos, pero en un principio se buscaba este acercamiento para dar una salida a la estética, y después se fueron combinando ambas ideas para dar como resultado y ahora se encuentra una arte cotidiano que habla de temas políticos y que al mismo tiempo es bello.

 En el momento en que los artistas pueden deslindarse y liberarse de las ideas que reprimen su contexto, es mucho más sencillo que se generen espacios para que desarrollen obras que busquen una reacción en sus espectadores.

En el texto de Groys titulado volverse público, realiza una reflexión que cautivó mi interés; pues dice que según los pensadores como lo fue Kant,  habla sobre qué es lo que realmente tiene esa experiencia estética, y llega a la conclusión de que es la naturaleza la que está completamente llena de estas experiencias y que ninguna obra de arte es capaz de igualar esta experiencia.  Según Kant, el arte es posible que llegue a completar esta tan buscada experiencia estética, pero solo en el momento en que es realizada por un maestro, y es cuando alcanza la pureza necesaria para ser contemplada.

En qué momento es que aparece la estética como punto de partida para juzgar y definir que arte es el que nos provoca una experiencia estética, pues según Boris Groys, esto se da a partir de los siglos XVIII y XIX; en los cuales los artistas eran una minoría que debía someterse a la voluntad de sus espectadores.

Groys realiza  una pregunta dentro de su texto, que me llevó a reflexionar profundamente sobre la utilidad del arte, y aun ahora mientras escribo el documento la pregunta sigue pendiente, pues no se ha logrado formular una respuesta; pues según el mismo Groys, los artistas realizan arte, porque necesitan un medio de subsistencia, pero cuál es la necesidad de contemplar el arte. Para el autor esta respuesta es sencilla, pues se lo usaba para que las personas desarrollaran su sensibilidad a través de la explotación máxima de sus sentidos. En ese sentido para el siglo XIX (finales) los roles estaban muy bien establecidos, se conocía perfectamente que el lugar del artista era el de productor y el del espectador, el papel de juez y de crítico y valorador del arte. La aparición de los ciertos medios de comunicación tecnológicos hicieron que esta línea entre el artista y su observador fuera más corta y confusa, ya que se había conseguido poder de esta manera estar más cerca de las obras de arte y de sus productores.

A través de la facilidad de obtener cámaras y elementos tecnológicos que nos permiten hacer que las imágenes perduren más tiempo, esta estética y esta idea tan sensible sobre el arte se ha ido perdiendo, pues es impresionante que al momento de enfrentarnos a una obra de arte, ya no nos dedicamos a contemplarla, la obra de arte ya no es aquello que cautiva la atención del espectador, en el caso extremo, la obra ya no importa, ahora solo se valora lo que va quedando de esa misma obra, como un rezago de un algo que existió en algún momento.

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