CREACION DEL OBJETO ARTISTISTICO

CREACION DEL OBJETO ARTISTISTICO

Primero tenemos que empezar hablando de lo que significa en concepto de arte. El arte tiene diversos conceptos, por eso vamos a ver qué significa en las técnicas.

El arte se entiende como lo creado, pero también lo producido. Lo creado seria llamado obra y lo producido seria los oficios artísticos.

En cuanto al objeto artístico, cualquier objeto puede convertirse en obra de arte. El objeto es una obra de arte. Se considera obra de arte todo aquello que es perceptible por los sentidos y que además produce algo en el espectador. Por tanto, la obra de arte es siempre producto de una técnica manual o mecánica.

El objeto puede ser único o múltiple. Si es múltiple, pierde originalidad ya que deja de ser único. Esto ocurre con el nacimiento de la imprenta, que hace que se multipliquen las obras. Pero ¿cuando sabemos que una obra es múltiple? Pues cuando pierde originalidad y sentido único. Estas obras al ser múltiples se convierten en objetos de consumo, y con la aparición de tantísimas obras se devalúan las demás.

El objeto artístico es un documento histórico, ¿pero cuando pasa a serlo?, esto ocurre cuando se exhiben en museos y colecciones en galerías.

En cuanto a los oficios artísticos, han sido utilizados como base para el aprendizaje y designar estudios como la Facultad de Bellas Artes u otros oficios. Pero esto con el paso del tiempo ha ido cambiando. En el Renacimiento se hace la división entre artes mayores: pintura, escultura y arquitectura; y artes menores: orfebrería, carpintería… Y esto tuvo como consecuencia que el artistita se considerara un ser supremo, lo que importaba era la actividad intelectual y no la de creación.

Con la Ilustración el concepto de arte cambia. Al artista se le sigue considerando ese intelectual y eso le lleva a ser superior a los oficios. Aquí es cuando el arte empieza a ocupar un hueco en la sociedad y aparecen academias privadas, salones para exhibir las obras (privados y públicos), las primeras críticas de arte y todo esto está vinculado a un público especializado, minoritario y culto; y sobre todo tenemos la desaparición de los gremios. Estos oficios eran la orfebrería, carpintería… lo que no significaba que no fueran obras de arte.

CLASIFICACION DE LOS PROCESOS ARTISTICOS

[Fotocopia de la tabla]

TEORIA DE LA CONSERVACION DE BIENES ARTISTICOS

Evolución de las técnicas de restauración y conservación

Las primeras teorías que surgen en el siglo XIX se dan en:

Francia con Viollet- le Duc

Inglaterra con Jonh Ruskin

Italia con Camilo Baito

El siglo XIX se caracteriza por el auge de los nacionalismos que buscan sus orígenes. En el arte, por tanto, también buscan sus orígenes; esto es que en cada país al buscar sus orígenes dan lugar al Historicismo(es la búsqueda de las raíces de un país).

Viollet – le Duc creador de la primera teoría de la restauración. Decía que los orígenes de Francia estaban en la Edad Media, con el estilo gótico. En el siglo XIX en Francia se está dando el estilo Neogótico, pero esto sucede porque Francia está plagada de catedrales de estilo gótico. En la 1ª Edad Media, Francia es PRISTINA, es decir, antigua y original con una base científica. En Francia el elemento principal era la catedral, que representa lo nacional.

Esta escuela de Viollet va mas allá del gótico, indaga en sus orígenes bizantino y oriental. La consecuencia de esto es que el gótico es visto como algo IDEAL. Las teorías se Viollet están recogidas en unas obras: ‘’Diccionario razonado de la arquitectura francesa’’ y ‘’Deliberaciones sobre arquitectura’’.

Las ideas de esta escuela y el apoyo de Próspero Mérimée (director general de los monumentos franceses durante el 2º imperio de Napoleón) permitieron a Viollet restaurar estos monumentos.

Próspero Mérimée es igual que Viollet creía que los orígenes de Francia se encontraban en la Edad Media y esto lo hace para apartarse del 1º imperio de Napoleón, el cual apoyaba el Grecorromano.

El gótico, significaba nación y monarquía con Napoleón III.

Las ideas de la escuela de Viollet- le Duc:

1. Coherencia matemática entre la forma y el comportamiento de la materia. Con esto quiere decir que todos los edificios medievales tenían que estar llenos de racionalidad.

2. Eliminación de todos los motivos decorativos que no fueran góticos.

Cuando hablamos de lo IDEAL con Viollet – le Duc, él era un arquitecto e ingeniero que con las restauraciones que realiza introduce elementos que no pertenecían al gótico, si no al siglo XIX y por eso no era tan IDEAL y científico. Esta introducción de elementos lleva a la destrucción de edificios porque exagero con las restauraciones que llevo a cabo.

Por ejemplo, en la ciudad del Carcason. Exagero los elementos del siglo XIX introduciendo hierro, metales, materiales de esa época. Y lo mismo sucedió con Notre Damme.

Posteriormente, la escuela de Viollet será duramente criticada por:

La falta de base científica y arqueológica. Además de que hace un reinvento de la antigüedad y se le considera un FALSO HISTORICO.

La sociedad de finales del siglo XIX ya no veía sentido al estilo historicista.

Jonh Rusky es el creador de la segunda teoría de conservación. Era escritor, crítico de arte y procedía de una familia adinerada y culta. Como a Viollet, considero el gótico como el estilo nacional. Fue un gran humanista con un gran sentido de lo REAL. Su obra es ‘’ 7 lámparas de la arquitectura’’.

Su escuela de conservación se dictaba por el ‘’NO RESTAURARÁS’’. Se pone en relación con la época del Romanticismo, el valor de la ruina.

Lo que se pone en común entre Rusky y Viollet es que ven sus orígenes en el gótico y que tienen el apoyo del mundo moral de la edad media. Se diferencian en que Rusky, ve la arquitectura como valor histórico de continuidad y representa a una sociedad por encima de la arquitectura. Mientras que Viollet le interesa la arquitectura por la arquitectura.

La sociedad en la que vive Rusky tiene valores morales, artesanales y es aquí donde surge el ‘’ arts and crafts’’

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