La Organicidad En El Teatro

INTRODUCCIÓN

Hay dos modos de control del trabajo del actor por sí mismo: uno es desde dentro de la situación dramática (mirada del submarino) y el actor tiene en cuenta sólo los objetivos contra los que lucha y contra los que dirige su energía. No puede mirarse a sí mismo.

El otro modo, la otra mirada, es la exterior, que pareciera observarse desde la platea o desde el director, y además abarca la totalidad de lo que ocurre en la escena. Con la mirada del submarino, el actor se sumerge en el mundo imaginario que trata de crear; con la otra mirada, limpia, ordena lo que va logrando. Ambas son herramientas imprescindibles pero deben utilizarse en diferentes momentos y con distinta finalidad.

La organicidad es la capacidad del actor para situarse en una estructura imaginada, que se va tornando real gracias a su accionar y en la que es capaz de actuar conjuntamente desde su intelecto, su afectividad y su físico. Con la organicidad, todo lo que hace el actor en escena lo hace de modo comprometido, con verdad escénica. Esta verdad escénica nunca será como la verdad real. Podrá ser metafórica, exagerada, irónica o absurda, con la organicidad, las emociones sobre la escena existen, pero son distintas de las de la vida. No surgen de ninguna evocación personal sino que son el producto de ACCIONAR sobre la escena y en una situación imaginaria que el actor torna real. La emoción sobre la escena es real, en cuanto ocurre verdaderamente, es decir, la emoción existe, pero el actor no evoca sino que imagina, crea, construye y se involucra en situaciones. No evoca algo que jamás ocurrió (como la muerte, acostarse con la madre o enamorarse de las parteneres) sino que imagina y se involucra (cuerpo y psiquismo) en esa situación creada por el autor. Así, la actuación es extrovertida, abierta y activa en donde no es la memoria la que aporta sino el juego comprometido, enfrentan-do los conflictos propios de la improvisación como modelo más cercano.

Cuando Stanislavski habla de vida en escena, no se refiere a la vida cotidiana. El buscó siempre lo que llamó la “verdad escénica” . Proponiendo una acción escénica que se halle en el movedizo límite que separa lo convencional de la realidad. Y la tarea del sujeto escénico es partir de las herramientas de este sujeto que serían las acciones físicas, y debe utilizar como herramienta, su propio cuerpo. El instrumento del actor.

QUÉ ES ACTUAR PARA SERRANO

Actuar significa vincular elementos. Vincular objetos reales, personas y palabras escritas que deben ser pronunciadas y emparentadas a lo que el actor hace. Si el actor las vincula bien, podrá establecer lo que se llaman “relaciones necesarias”.

Es mediante este trabajo que las diversas partes se estructuran, es decir, forman un todo. Este trabajo exige que no sea pensado solamente, sino que sean las conductas escénicas de los actores-personajes las que les den forma y sentido. Este intrincado proceso no puede ser primero pensado, decidido alrededor de una mesa, y luego puesto en práctica, sino que exige la interacción.

La actuación propuesta por Serrano no transcurre sólo en el terreno del conocimiento verbal, sino en el de la conducta y de la interacción que no pueden ser detectadas previamente a la realización sobre la escena. Este tipo de actuación exige “improvisaciones” que intentan descubrir la “sutileza” de la realidad. La forma artística sólo puede ser descubierta durante los trabajos, esbozos, improvisaciones, ensayos, etc. Al utilizar el propio cuerpo, la propia personalidad en la improvisación, lo vincula con los otros elementos de la estructura.

En opinión de Serrano, hay que desterrar definitivamente el “trabajo de mesa” en el que se establecía todo lo que posteriormente debía hacerse en la escena a partir del conocimiento exclusivo del diálogo. No es a partir de lo que se dice que puede conocerse la conducta. Lo que se dice es tan sólo la superficie de lo que se quiere y se hace.

Durante muchos siglos se partió desde un texto para construir la acción que se presentaba a los espectadores. La misma historia nos demuestra que no es la única dramaturgia posible. Stanislavski mismo quería poder iniciar el trabajo para la escena desde otro lugar que no fuera el texto escrito, porque la acción es sinónimo de conducta, comportamiento a la vez psíquico y físico. En el accionar del actor es en el que se da el carácter del personaje. El carácter humano en el teatro se da en la acción y por ella. Las acciones, la conducta más concreta y visible, son las que están en la base del teatro.

Luis Agustoni (actor,director y dramaturgo argentino) dice que En sus inicios, la actriz y el actor deben luchar contra la sensación, generalmente fundada, de que su actuación es insuficiente. Han aprendido a comprender la situación y el personaje, se concentran en sus acciones y se desempeñan con fe y sentido de verdad; y sin embargo, su trabajo es simplemente natural, y da la impresión de carecer de peso. No está totalmente en el escenario; la inseguridad, el nerviosismo, las dudas acerca de sí, todavía retienen gran parte de su energía y grandes zonas de su ser. La persona que actúa está contenida, reservada, y sostiene sus palabras y acciones a través de un gran esfuerzo; al mismo tiempo, se observa a sí misma constantemente y teme cometer errores. Entonces su actuación no contiene uno de los encantos más notables del trabajo actoral: la presencia escénica, esa sorprendente cualidad de la persona que se actúa ante otras, hecha de confianza en sí mismo, desparpajo, impudicia, expresividad, apertura emocional, desfachatez y desprejuicio, y que llevan al espectador a admirarlo, envidiarlo, y considerarlo una persona más audaz, más valiente, más abierta, más sensible y sin los temores y trabas de la gente corriente.

Sin presencia escénica el texto se dice, pero la palabra no llega; el gesto se hace, pero la acción no atrae, la emoción se siente, pero ese sentimiento no conmueve. Porque no se está del todo allí. Siempre falta algo; el humor, la intención, el sentimiento, la fuerza, los pequeños detalles. La naturalidad y el sentido de verdad requieren el peso de la presencia escénica, que da verosimilitud y credibilidad, interés y expresividad a las palabras, los gestos, los movimientos y las acciones simplemente porque las impregna toda la persona. Actrices y actores con presencia escénica salen de su mundo real para entregarse con toda su energía al mundo de ficción, y vivir en él.

Stanislavski parte de la premisa de que el actor nunca debe dejar de ser el mismo en escena "Nunca se pierdan a si mismos en escena. Actúen siempre dentro de su personalidad propia, como artistas. No pueden nunca escaparse de sí mismos. El momento

...