Prepa Abierta

PINTURA

2 SEMESTRE APUNTES

APRECIACIÓN ESTETICA

¿QUÉ ES PINTURA?

Es una capa de pigmentos aplicada a una superficie.

Es un arreglo de formas y de colores.

Es una proyección de la personalidad del hombre que la pintó, una manifestación de la filosofía de la época que la produjo y puede tener un significado que sobrepase la concerniente a un hombre o a un solo espacio de tiempo.

SUJETO.

Una fotografía de algo –una hermosa mujer, un paisaje, una marina, la vista de una ciudad, un tazón con frutas, una pradera con vacas- lo que se ve o aprecia.

Juzgar los méritos de una pintura con tal criterio es cosa fácil, el cuadro es bueno, en primer lugar por el grado en que los objetos representados “se ven reales” y, en segundo lugar, por el grado en que el cuadro se conforma con las ideas establecidas de lo que es divertido (niño robando galletas) bello (el vaso con flores) o elevado (la virgen) o simplemente informativo.

TEMA

Toda pintura principia ciertamente por el tema, pero el tema ha de ser sólo el punto de partida, o sea el conjunto de lo que se ve y comunica el autor.

COMPOSICIÓN

La realización de las formas y colores que el autor decide usar, la relación que establece entre ellos siendo el factor individual más importante en el carácter expresivo de una pintura. Todo ello para expresar algún estado de animo (tranquilidad, serenidad, dulzura).

Pintura: Autor:

Arreglo en Gris y Negro James Whistler (1834 – 1903)

De acuerdo al sujeto, la pintura puede despertarnos de inmediato la noble reverencia que sentimos por la maternidad y por la ansiedad.

Sin embargo de acuerdo a su titulo su verdadero estado de ánimo es el tema principal en donde hay una mezcla de nobleza, dignidad, reflexión y resignación. Tal estado de ánimo puede estar sugerido por el tema, pero esta realizado por las formas y colores. La relación que establece entre ellos se llama composición que es el verdadero carácter expresivo de la pintura.

Pintura: Autor:

Madame Leblanc Jean Ingres (1780 – 1867)

Pintura creada por un gran Académico francés. (Aprendió y perfecciono en escuela). Esta obra se entiende más fácilmente que en la anterior ya que pretende mostrarnos con una impecable técnica a una guapa modelo. (La dama está más embellecida aún por la presencia del mantón exquisitamente pintado, por las joyas y por las sugerencias de la elegante decoración.)

Sin duda el autor magnifico sus cualidades y minimizo sus defectos.

Este excelente académico francés crea en su composición una suave disposición de formas diseñados como deleites lineales. (El cuadro tiene una virtud propia de toda buena pintura – armonía entre lo que el pintor quiere hacer y los medios que usa para hacerlo. Elegancia, gracia y refinamiento disciplinado por un dibujo exquisito y gobernado por un artista con genio para la creación de una hermosa línea – tal es la formula de un cuadro de Ingres.)

Pintura: Autor:

Madame Renoir Pierre Auguste Renoir (1841 –1919)

Expresionismo.

Debajo de su aparente simplicidad, se encuentra ese amor que tenía por su esposa y la vida. (Renoir es un gran pintor porque tuvo una gozosa adoración por la vida y la habilidad para traducirla en términos visuales al grado de que todos nosotros podemos compartirla.)

Su arte brota de su firme convicción, en la bondad del mundo. (Ve la dicha en su más hondo sentido, como el estado natural de la especie humana. La encuentra por doquier en el mundo que lo rodea..)

Para Renoir, estos valores se materializan y concentran en la mujer, pero no como valores individuales sino como universales. Ve a la mujer como un símbolo básico universal que esta llena de vida. (La naturaleza fundamental de un símbolo está en cierta forma de armonía con la finalidad de una simple forma geométrica, estas formas, son mucho más simples de una reproducción literal de la apariencia que la modelo pudo haber tenido. Tal como Renoir los dibujó, el rostro y la copa del sombrero describen un sólido óvalo regular y la masa de la figura, si seguimos una línea a lo largo de los hombros y de los brazos, se aproxima a medio óvalo de la misma forma, aunque más grande y poco irregular. En consecuencia, pone la figura ligeramente fuera de balance –a nuestra derecha– para destacar y acentuar la estabilidad de las formas principales, y como una especie de toque de gracia, combina con éstas el ramito de rosas y de hojas con una silueta más abierta, aunque lo hace, al mismo tiempo, eco de las formas óvales.

Pintura: Autor:

En la Pradera Pierre Auguste Renoir (1841 –1919)

Aquí el lienzo esta en color todo se enciende en una florida belleza en el que todo es vida. Pinta con la convicción de que los más altos valores de la vida son, verdaderamente, también los más simples.

(Resume su sentido de la dicha en una particularmente fresca y deliciosa pintura. El lienzo estalla en color. Todo se enciende en una florida fertilidad.

El pasto, los árboles, el paisaje en la distancia, las jóvenes muchachas, aun la luz y el aire que pasan en el cuadro.)

Pintura: Autor:

Mujer con Crisantemas Edgar Degas (1834 – 1917)

Contemporáneo de Renoir, pintura monocromática (4 colores) impresionista (impresión de momentos = fotografía)

En este autor se revela a un hombre esencialmente pesimista. No tiene la certidumbre de conocer el significado de la vida, ni siquiera de que este significado exista. Duda de todo, excepto de la fascinación de la vida como un continuo, aunque azaroso espectáculo que el capta sin la menor duda.

Mujer con crisantemos, es una brillante composición excéntrica en donde el retratado no ocupa el centro del lienzo y tampoco mira hacia el centro, sino hacia fuera.

Para el autor la vida se presenta en fragmentos en cambio en Renoir, la compuso para crear una expresión de sensibilidad eterna.

(Normalmente, el retratado mira directamente al observador o ve algún objeto dentro del marco, o, a lo sumo, mira soñadamente al espacio. Esta mujer mira hacia fuera algo lejano que le es aparentemente familiar, pero que resulta imposible identificar.

Degas no sólo coloca en el centro de su cuadro una brillante explosión de flores sino que arrincona a su personaje contra el marco. Asimismo, pinta a la mujer en una monocromía virtual y deja parte de su rostro oculto por una de sus manos. Mujer con crisantemas enfatiza deliberadamente lo transitorio, lo casual, lo cotidiano.)

Pintura: La Mona Lisa

Autor: Leonardo da Vinci

Técnica: Sfumato

Ideal femenino y valores universales del Renacimiento.

Leonardo quiso hacer una Monna Lisa símbolo de misterios intemporales, el paisaje del fondo juega un papel importantísimo en esta expresión. (Invento un paisaje mitad fantástico y mitad lógico, en que tanto el tiempo como el lugar son misteriosos.)

En la obra de Degas se enfatiza deliberadamente lo transitorio, lo casual, mientras que Leonardo nos presenta los enigmático de la mujer, buscando el ideal que era el orden en donde el hombre del renacimiento se niega a aceptar sus accidentes.

CLASICO Y ROMANTICO

Pintura: Autor:

Paisaje Imaginario Asher Brown Durand

Obra de carácter romántico.

Romanticismo (lo que se siente, lo imaginativo, emocional, libre sin restricciones, pintar todo. Llega a ser exótico (resulta extraño, lejano), subjetivo (imagina con la emoción), tridimensional (alto, ancho, fondo).

Pintura: Autor:

Monte de Santa Victoria Paul Cézanne

Obra de carácter clásico.

Clásico (expresionista), pinta lo que ve de una sola vista se ve el escenario. Cuenta con orden, emoción controlada, estático, abstracto (se toma lo esencial del objeto para que nuestro intelecto lo analice), imagen (es la que representa algo – tiene símbolos – )

Los términos “romántico” y “clásico” tienen tantos significados que se hace necesario definir el modo como los usaremos aquí: “romántica” designará a la pintura que pone primordialmente en movimiento a las emociones o la imaginación, no importa cuánto cálculo lleve consigo; “clásica” hará referencia a aquella que apela sobre todo a la inteligencia, sin importar las implicaciones emocionales que presente.

Paisaje Imaginario, pintura romántica de Durand, tiene un atractivo general más rápido que Monte de Santa Victoria de Cézanne, debido a que la mayoría de la gente tiene una visión romántica del paisaje de la gente en Inglaterra y los Estado Unidos de América.

El Paisaje Imaginario está pintado en un estilo tradicional, bueno, sólido, que hace sentirse seguro observador profano. Sin las trabas que implica la necesidad de allegarse a la visión de una escena verdadera, Durand en su Paisaje Imaginario está en libertad de reunir todos estos aderezos, y la pintura se convierte en una especie de sumario de todos los artificios que él y sus colegas emplearon para dar a la naturaleza un aire de misteriosa grandeza.

Pero lo misterioso y lo umbrío son exactamente lo opuesto a las cualidades que Cézanne

Busca, y logra, en su Monte de Santa Victoria. Frente a las Montañas Rocallosas, este buen francés se hubiese simplemente aterrorizado ante el prospecto de ponerlas en

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