Remedios Varo

Biografía - Remedios Varo (1908 – 1963)

Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España. Mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.

En 1930 se casó con su compañero de estudios Gerardo Lizarrageside y en 1932, después de una estancia en París, pasó a Barcelona y compartió taller con el pintor Esteve Francés, con quien se introdujo en la estética de la vanguardia y se interesó por el surrealismo.

En 1936 participó en la Exposición Logicofobista realizada en Barcelona y, desde entonces, se acercó a los componentes del surrealismo francés. Durante la Guerra Civil (1936-1939) conoció al escritor francés Benjamin Péret y, tras un tiempo de vida en común en España, marcharon a París. En la capital francesa participó en las reuniones y exposiciones surrealistas. Tras la invasión del ejército alemán, abandonó París y se instaló en México (1941). En nuestro país empezó a trabajar como artesana, pero enseguida pasó a formar parte del grupo surrealista y a relacionarse otra vez con Esteve Francés y, sobre todo, con la pintora británica Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente artístico fue definitivo en la concepción estética de la creadora española. También formaron parte del grupo al que era asidua Octavio Paz, César Moro, Eva Sulzer, Gunther Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre otros.

Varo participó en las exposiciones First Papers of Surrealism de Nueva York (1942) y Le Surrealisme de la Galería Maeght de París. En 1956 presentó su primera gran exposición de carácter individual en Ciudad de México; a partir de ese momento se convirtió en uno de los nombres más reconocidos de la pintura del país. De hecho, no fue hasta la década de 1950 cuando se dedicó por completo a la creación pictórica, persuadida por Walter Gruen, su último marido. Su obra anterior a la Guerra Civil es poco conocida, pero lo que se ha conservado indica la dirección que iba a seguir en los años posteriores

Poco conocida, es su obra escultórica. Se trata de una colección de piezas elaboradas a partir de huesos, espinas de pescado y toda suerte de restos orgánicos, alambres, cuerdas, etc. Muchas de ellas presentan apariencias de fósil fantástico, esqueleto animal o tótem tribal. La obra de la pintora es vasta y compleja. Puede mencionarse que la obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno.

Obra pictórica y comentario analítico.

Título: Papilla estelar

Autor: María de los Remedios Varo y Uranga (1908-1963).

Fecha: 1958

Medidas: 92 x 62 cm.

Categoría: Pintura.

Técnica: Óleo sobre masonite.

Ubicación actual: Museo Soumaya (Plaza Carso), Distrito Federal, México

Comentario (análisis): En la obra de Varo podemos vislumbrar en la composición un juego de tonos fríos, un verde oscuro, teniendo igual la presencia de un azul claro, gris y ocre, por otro lado la presencia de luz se ve en los tonos blanco de la pintura, tenemos igual un manejo de sombras por partiendo de la luz arrojada por el astro presente en la pintura, aunque en el interior de la torre igual hay otra presencia de luz. En las líneas que componen el cuadro podemos notar en el interior de la torre líneas radiales que focalizan la acción del cuadro y que sin embargo no desequilibran la composición de este. Tenemos además líneas estructurales bien delimitadas en la concepción de la torre.

Podemos considerar que la pintura denota un sentimiento de aislamiento muy fuerte, debido a que la imagen que se puede observar del interior de la torre es gracias un corte transversal pero que de no existir éste nos sería imposible, además tenemos la imagen de la luna enjaulada. La torre se alza en el firmamento oscuro de nubes suaves que dejan espacio a la idea del infinito, de lo trascendente. La luna enjaulado podría representar los ideales que no se dejan ir que se nutren de estrellas, símbolo de lo lejano y esperanzador, la forma en que se nutre a la luna es por medio de un molino que transforma a las estrellas en el alimento de la luna, podríamos tomar esta acción como una forma de nutrir a la luna de esperanzas representadas llevadas a hechos o posibilidades en esa transmutación de las estrellas en alimento. La acción de la figura femenina es la de alimentar a la luna por medio de la transformación de las estrellas en alimento, en esta acción podríamos intuir un lazo de amistad. Regresando al estado hermético de la torre podemos señalar las escalinatas que se muestran en la pintura pues estas nacen de la nada y no conducen a nada porque hay que recordar que la torre está cerrada o eso podemos entender y que la visión que tenemos del interior es gracias a un corte en su figura. Tenemos en las escalinatas como una incertidumbre por su naturaleza incierta en cuanto a la dirección y procedencia de éstas.

Título: Armonía

Autor: María de los Remedios Varo y Uranga (1908-1963).

Fecha: 1956

Medida: 76 x 94 cm.

Técnica: Óleo sobre masonite.

Categoría: Pintura

Localización: Colección Privada.

Comentario (análisis): En la presente pintura encontramos un contraste de colores cálidos con colores fríos, bien distribuidos en la pintura, podemos apreciar en la composición del cuadro como los colores cálidos resaltan en la pintura como aquel baúl, silla y sábanas. Sobre el librero del fondo podemos observar una estructura de madera que vista de cerca parece una litera forma parte de un rostro compuesto por las ventanas que se encuentran encima. En la obra podemos apreciar igual unas figuras humanoides surgiendo de las paredes de la habitación de color azul- índigo que parecen ayudar a la figura humana andrógina que se encuentra sentada a la mesa. En la habitación se describe una escena que podríamos intuir como la composición de una pieza musical y es curioso observar como el cuarto se encuentra descuidado y con objetos desperdigados por el piso.

La idea de componer una melodía, que sería el conjunto armónico de elementos sonoros que produzcan en el oyente una sensación placentera, entra oposición al “orden” en el que se encuentra la sala, desacomodada, desordenada. Entonces en la escena presentada se nos deja la impresión de dos ideas opuestas que sin embargo convergen en la creación del arte, de la armonía. Retomando a las figuras que salen de las paredes, es pertinente agregar que el color que presentan podría estar ligado a su simbolismo en la escena, la tonalidad azul que presentan se podría ligar a la simpatía, la armonía, la confianza, entre otros. Como observamos por la connotación del color podemos pensar que aquellas figuras podrían o no ser las musas del compositor que lo guían en su creación musical, la armonía en el pentagrama; además destacar que el azul representa de igual modo la razón, que tiene un aspecto fundamental en la creación y es uno de los puntos principales en la obra de Remedios.

Otro detalle que podemos destacar es el ave que vuela fuera de la habitación, el ave símbolo de la libertad al batir sus alas y alzar vuelo, además las aves cantan, lo cual se asocia con la idea del cuadro con la creación de música, de una armonía musical y podríamos pensar en esto, como con otras artes, una forma de liberar al espíritu, una forma de satisfacer una de las necesidades más sensibles del genero humano.

Título: La Despedida

Artista: María de los Remedios Varo y Uranga (1908-1963).

Año: 1958

Medidas: 34 x 24 centímetros

Técnica: Óleo sobre lienzo

Categoría: Pintura

Ubicación: -

Comentario (análisis): En este cuadro de la pintora Remedios Varo podemos apreciar un juego con tonalidades cálidas, encontramos rojo ocre, algunos naranjas y amarillo; además de los estos tonos en la pintura, encontramos el manejo del color negro en las sombras de la estructura de apariencia colonial y en las sombras de los seres que se alejan hacia la luz de los extremos. Gracias al manejo del rojo y sus múltiples significados es posible que captemos la energía de pasión en el cuadro apagada por el negro con lo que el significado del color podría transformarse en dolor. Dolor que podemos entender en la escena, tal vez más una veta de tristeza y melancolía en dos personas que se han visto en la necesidad de partir, que pudieron compartir un pasado ameno juntos, pero que, ahora se marchan, caminan hacia una luz en senderos opuestos y sin embargo sus alma, por decirlo de algún modo, siempre estarán enlazadas, encontradas en el instante que compartieron aún después del adiós, lo anterior podría ser una forma de explicar las sombras alargadas que se encuentran y se juntan, que entornan sus caras y sus labios se encuentran sin tocarse. En esa escena el sentido de pertenencia y alejamiento se hace presente, ese alejamiento en los rostros que se miran y no se tocan y no se tocan tal vez por designios de un orden superior o los cuerpos de las almas han decidido nuevos caminos.

En la pintura advertimos la presencia de un gato gris, el gato podría ser el símbolo de la mala suerte y la desgracia pero su color gris nos llama a la indecisión, que podría ser la indecisión de los seres a partir del otro o la inseguridad ante su porvenir.

Título:

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