Claves Para La Escritura De Un Buen Guion

. INTRODUCCIÓN.

El cine es un medio mixto que podríamos situar, metafóricamente, entre lo novelístico y lo teatral, entre lo diegético (es decir lo narrativo) y lo mimético (lo imitativo). Con el teatro, el cine comparte la representación de los personajes por actores y la “puesta en escena” de acciones. Con la novela, comparte la construcción de un “punto de vista” que ubica al lector en una posición con respecto a los acontecimientos que se narran, tal como lo describe Yuri Lotman:

A pesar de que tanto en la sala teatral como en la cinematográfica tenemos ante nosotros un espectador (el que mira) y de que este espectador se halla en una misma posición fija a todo lo largo del espectáculo, la actitud de ambos espectadores hacia la categoría estética que en la teoría estructural del arte se denomina “punto de vista”, es profundamente distinta. El espectador teatral mantiene un punto de vista natural hacia el espectáculo, determinado por la relación óptica de su ojo con la escena, y a lo largo de todo el espectáculo esta posición permanece invariable. Entre el ojo del espectador del cine y la representación en la pantalla, por el contrario, existe un intermediario: el objetivo de la cámara dirigido por el operador. Es como si el espectador le entregara su punto de vista. Pero la cámara es movíl: puede aproximarse hasta muy cerca del objeto, alejarse a gran distancia, mirar desde arriba y desde abajo, observar al héroe desde afuera y mirar el mundo con los ojos de éste. Como resultado, el plano y el ángulo de toma devienen elementos activos de la expresión fílmica, realizando un punto de vista móvil. La diferencia entre teatro y cine puede compararse con la que existe entre el drama y la novela. El drama también mantiene un punto de vista “natural”, mientras que, en la novela, entre el lector y el acontecimiento aparece el autor-narrador, que tiene la posibilidad de colocar al lector en cualquier posición espacial, psicológica, etc., con respecto al acontecimiento.

El guión tiene que habérselas con esta dualidad: es un texto concebido para narrar una historia mediante el despliegue sucesivo de escenas sometidas a un punto de vista (y en ese sentido funciona como una narración) en las que personajes representados por actores despliegan acciones significativas (lo cual lo acerca a la puesta en escena del teatro). Pero, por sobre todo, un guión es un texto destinado a convertirse, por la gracia del cine, en imágenes y sonidos: los guiones nacieron de la necesidad práctica de formular con palabras lo que luego se convertirá en una película y, por tal razón, se escriben de acuerdo con indicaciones formales y de estilo muy particulares. Lo más importante, sin embargo, y que diferencia sustancialmente a los guiones de otros escritos, es que están sometidos a la dinámica del drama, es decir son textos que cuentan historias por medio de acciones.

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2. MOSTRAR Y RELATAR

La distinción entre mostrar y relatar proviene de una vieja oposición entre dos términos: mimesis y diégesis, acuñada por Platón en su obra La República y referida, con una acepción algo distinta, por Aristóteles en su Poética. La mimesis se refiere a la imitación, la diégesis a la narración. Para Platón, la diégesis se produce cuando el poeta habla por sí mismo, mientras que la mimesis tiene lugar cuando el poeta cede su voz a los personajes y toma la palabra como si los personajes hablaran por su boca. El texto de un guión es mimético por partida doble: imita lo que hablan los personajes e imita a la cámara en su actividad narrativa. Veamos cómo se refleja esta distinción, con mayor precisión, en la escritura del guión de cine, acudiendo a otros dos términos tomados de la crítica literaria: el showing y el telling.

La distinción entre las técnicas literarias llamadas showing y telling, formulada por el gran novelista Henry James (1843-1916), sirve para comprender la diferencia que existe entre el relato escrito (la novela o el artículo de periódico) y el guión de cine. Para James, la narración cuenta básicamente con dos modalidades que funcionan de manera distinta. La primera de estas modalidades corresponde a lo que el crítico llamó la narración, que es la técnica que consiste en referir los acontecimientos desde la subjetividad de un narrador. La narración, en realidad, es la modalidad que utilizamos todos los días para "echar los cuentos" y con ella interpretamos, tanto la exterioridad de cada uno de los personajes que pueblan nuestros discursos, como la intimidad que —casi de manera automática— les suponemos, es decir, tanto las acciones de los personajes, como sus pensamientos, sus motivaciones y sus sentimientos. Cuando un escritor como Giovanni Boccaccio (1313-1375) escribía hace muchos años, textos como:

Hace ya tiempo, vivía en Florencia un joven llamado Federico Alberighi, hijo de micer Felipe Alberighi, con el que ningún otro doncel de la nobleza toscana podría rivalizar en porte y gentil cortesía. El cual, como suele ocurrir con los jóvenes de su edad y condición, se enamoró de una noble dama llamada Juana, que por esos tiempos era tenida por una de las mujeres más hermosas y amables de Florencia…

no hacía otra cosa que practicar la narración, en el sentido que Henry James le da a este término. La otra modalidad narrativa es la que Henry James llama el showing y que podríamos traducir con el término de mostración. Cuando el escritor escribe “mostrando”, renuncia al

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poder omnisciente del que todos los humanos disponen gracias al lenguaje y se limita a mostrar el mundo como si lo registrara “objetivamente”, como si se convirtiera en observador, y pudiera referir solamente lo visible, lo perceptible, lo observable y nunca los procesos internos de los personajes, es decir, cuando el escritor se convierte “en cámara” que registra los acontecimientos. Si la narración es el arte de contar sin restricciones las cosas que suceden en el mundo, la mostración es la técnica de exponerlo como si contempláramos ese mundo externamente y, en cierta forma, de manera ingenua. Es esto lo que buscaba, por dar un ejemplo, el escritor Ernest Hemingway (1899-1961) en “Los asesinos”, un relato que lo hizo famoso, como se ve en este fragmento traducido por Carlos Foresti:

La puerta del salón comedor Henry se abrió y entraron dos hombres, que se sentaron al mostrador. — ¿Qué les sirvo? –preguntó George. — No sé— contestó uno de ellos. ¿Qué quieres comer, Al? — No sé— dijo Al—. No sé qué quiero comer. Fuera aumentaba la oscuridad. Las luces de la calle se veían por la ventana. Los hombres sentados, frente al menú. Desde el otro lado del mostrador, Nick Adams los miraba. Estaba hablando con George cuando entraron.

Claramente, es en el ejercicio de esta segunda modalidad literaria —y aún con más restricciones que las que exhibe el relato de Hemingway — donde se inscribe el guionista de cine, de quien se supone que observa las cosas del mundo externamente y "detrás de una cámara". He aquí un fragmento del guión del filme Double Indemnity, escrito por Billy Wilder y Raymond Chandler, que muestra el uso del showing, característico del guión:

Neff entra, enciende la lámpara de mesa. Mira hacia el dictáfono, se dirige resueltamente hacia el aparato y lo despoja de la funda. Se sostiene con firmeza sobre su base, como si se sintiera desfallecer. Se aleja del dictáfono, da algunos pasos inseguros y se deja caer pesadamente en la mecedora. Su cabeza cae hacia atrás, cierra los ojos, gotas de sudor frío aparecen en su frente.

3. EL CONTENIDO DEL GUIÓN AUDIOVISUAL Un guión, como cualquier otro discurso escrito o audiovisual, es un tipo de texto que se utiliza para significar algo. Para hablar de esta relación entre el texto y su significación se habla comúnmente de la “forma” y el “contenido”, como si se hablara de dos aspectos separados de un objeto que pueden ser analizados independientemente (como si el

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“contenido” correspondiera al líquido de un recipiente y la “forma” fuera el envase que contiene dicho líquido). “Forma” y “contenido”, sin embargo, son dos aspectos de un todo complejo en el que lo que importa es la estructura. Para comprenderlo basta observar el lenguaje cotidiano: el “contenido” de nuestras palabras nunca es el mismo en cada contexto (un “sí” puede ser afirmativo, irónico e incluso negativo, dependiendo del énfasis y el tono con el que lo digamos). Para entender cómo se construye el “contenido” de una película es indispensable comenzar a comprender en qué consiste la estructura de un relato audiovisual y cómo se relaciona el lenguaje en el cual dicho relato se expresa con la realidad que nos rodea. Y, para eso, es importante explorar lo que significan términos como “veracidad” y “verosimilitud”.

Revisemos las definiciones de estos dos términos que están involucrados en cualquier discusión sobre la ficción. Para ello, recurramos al Diccionario de la Real Academia en busca de las respectivas definiciones. Veracidad es la “cualidad de veraz” y lo veraz es:

veraz. (Del lat. verax, -ācis). adj. Que dice, usa o profesa siempre la verdad.

Lo verosímil, por su parte, puede definirse por:

verosímil. adj. Que tiene apariencia de verdadero. adj. Creíble por no ofrecer carácter alguno de falsedad.

Aristóteles sostiene

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