La música En El Cine

Hace 118 años surgió el cine como espectáculo en París, Francia el 25 de diciembre de 1895. De ahí a la fecha ha ido evolucionando y con ello todos sus componentes como: la música.

Este complemento es sin duda parte esencial de cualquier producción, a la par de las actuaciones y otros aspectos. A través de la música y la combinación de imágenes, el director puede transmitir al espectador emociones tales como, alegría, tristeza, miedo, horror, angustia; sentimientos que en conjunto pueden logar que “se enchine la piel”.

Georg Wilhelm Friedrich Hegel, en su libro “Lecciones de Estética”, señala que la música interacciona directamente con el sentimiento sin otra mediación que ella misma.

Con esta pauta se intentará mostrar cómo la música prepara las emociones del espectador, se adelanta a la imagen y prepara anticipadamente la percepción de una historia o de un mensaje.

Al respecto Herminia Arredondo y Francisco García Huelva en el libro “Los sonidos del cine”, detallan que las relaciones entre el sonido y la imagen visual en el cine pueden interpretarse como una simple adición. La dimensión sonora (palabra, música, sonidos, ruidos, silencios), con su significación propia, puede llegar a constituirse en imagen de pleno derecho haciendo al cine “audiovisual”.

Mientras tanto Lauro Zavala, en su artículo “El cine clásico, moderno y postmoderno”, afirma que el sonido cumple una función didáctica, de tal manera que acompaña la imagen y refuerza, intensifica y corrobora su sentido evidente, en ocasiones anunciando algún sentido que el personaje ignora en ese momento, pero que está definido por las reglas del género al que pertenece la historia. En otras palabras, el uso del sonido crea consonancias simultáneas o resonancias diferidas con el sentido que tienen las imágenes visuales.

Lauro Zavala, agrega que el uso del sonido tiene la intención de crear disonancias simultáneas o resonancias sinestésicas en relación con las imágenes visuales.

Al respecto Roberto Amaba, en su artículo “El melodrama de Hollywood en los años 20”, explica que las melodías ejercen de nudo o resolución argumental y sobre todo, de elemento de unión entre personajes.

En tanto Henry Frescourt en “Mantel”, detallaba que: “Gracias a la unión entre los ritmos visuales y los auditivos, que coinciden los unos con los otros, daba la impresión de que el ruido saltaba sobre uno desde la pantalla. No era para nada un intento de imitación musical, sino una música que sugería, que imponía al oído el mismo efecto que la catástrofe inminente ejercía sobre los nervios. La conmoción sonora traducía la turbulencia, el trabajo de la locomotora, a notas desgarradoras, explosiones de percusión, cadencias jadeantes. El complejo imagen-sonido creaba una sensación de unidad total”.

Charlie Watkins, en “La importancia de la música en las películas”, refuerza esta información al explicar: “Al comienzo de una película o escena, la música es generalmente usada (junto con el establecimiento de las tomas) para ayudar a establecer un tono, antes de que la acción dramática ocurra. Al comienzo de una película de terror, las tomas de una calle desolada, vacía pueden tener una música siniestra de presagios ominosos que la acompaña para establecer que la acción a punto de ocurrir es muy espantosa”.

Contrario a estas expresiones Joaquín Gutiérrez Heras, en el libro “La música en el cine”, consideró que “la música en el cine, es por decirlo así, un “gesto” del director. Si únicamente subraya el contenido evidente de una escena, es una redundancia que puede llegar a ser molesta y caso siempre revela la inseguridad de aquél respecto de la edición, la dirección de actores, etc”.

Sin embargo, detalla que también puede cambiar el significado de una escena o hasta desvirtuarla por completo, en este sentido ejemplificó con dos películas su teoría; “Odisea del espacio” (1968) y “Naranja

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