Muerte Del Arte Según Danto

Abstract:

En el presente trabajo se intenta analizar la teoría del fin del arte tal cual ha sido formulada en el trabajo de Danto, determinar su validez y especificar el verdadero alcance para lo que es el desarrollo de lo que es el arte contemporáneo.

¿Qué es el arte? ¿Quién lo denomina y legitima como tal? ¿Existe alguna diferencia sustancial entre los objetos que nos encontramos a diario y lo que presentan artistas como ready made? Fue frente a estas preguntas que el crítico de arte norteamericano en The Nation Arthur Danto, desarrolla una teoría filosófica, a base de las tesis de Hegel acerca de la dialéctica del Espíritu en la historia, declara con dureza el fin del arte.

Esta teoría se ha difundido por diferentes medios, sobrepasando los trabajos académicos y las revistas especializadas en arte lo que ha provocado que se distorsione y se malinterprete. Además de su resolución sobre la narrativa del arte, discierne en una reconsideración de lo que se entiende hoy por modernidad, post modernidad y contemporaneidad, una re interpretación de lo que es el surrealismo, las vanguardias en general, de las acciones artísticas de Duchamp, del arte abstracto, del pop art y por sobre todo una reflexión acerca de las relaciones que existen entre la estética y la crítica del arte. Al ser una teoría de carácter filosófico acerca del desarrollo histórico del arte en la segunda mitad del siglo XX, es posible constituir su autenticidad mediante un análisis, tanto verificando su consistencia interna, como con un contraste empírico con las diversas obras de arte y los distintos materiales artísticos que nos ha donado el siglo pasado.

Desde mediados del siglo XIX, el arte moderno alcanzó cierta autonomía. Según la narración de uno de los más influyentes críticos de arte del siglo pasado, Clement Greenberg, la historia del arte moderno, desde Manet hasta Pollock, habría seguido ese argumento y obras como la Olympia, de Manet o el cuadrado negro sobre fondo blanco, de Malevich, serían hitos en esa historia. Para Greenberg, el arte después de Manet se alejó de la representación de figuras u objetos sobre un fondo para adentrarse en la exploración de ciertas relaciones formales entre colores, forma, formato del lienzo y texturas, llevando así a la abstracción pura.

A lo largo de la historia, el arte a sufrido muchísimos cambios en cuanto a las prácticas y conceptos que lo fundamentaban como tal, es así cómo es posible distinguir y clasificar los diversos momentos, estados y vanguardias que dieron continuidad a su desarrollo. En sus inicios, el arte nace como una mimesis en cuanto se trata de la estética de la representación, ‪imitando la naturaleza, familias, divinidades, hechos históricos entre otras temáticas, por lo que con el fin este arte se acaba la mimesis y se toma la historia como referentes, que apoyan ideas, más que querer imitarlas.

La tesis que sostiene danto, del fin del arte, es una forma dramática de declarar que los grandes relatos legitimadores que definieron primero el arte tradicional, y más tarde el arte modernista, no sólo habían llegado a un final, sino que el arte contemporáneo no se permite mas a sí mismo ser representado por relatos legitimadores. Estos relatos legitimadores excluyen inevitablemente ciertas tradiciones y prácticas artísticas por estar “fuera del linde de la historia” Aun afirmando lo anterior, no es extraño preguntarse que fue lo que detonó tales afirmaciones, cuales fueron los hechos, que dieron sustento a la tesis. En los años ochenta, existieron teóricos y críticos del arte que consideraron factible la muerte de la pintura, y argumentaron sus juicios, con un posible agotamiento interno de la pintura vanguardista, del cual no era posible avanzar. Más tal como Danto da a conocer en su publicación posterior Después del fin del arte, esta frase sólo significó el fin de un relato del arte, más el arte como temática aun no concluía.

Considerando esto, es insostenible afirmar que hacia mediado de los ochenta, y con la aparición de los textos de Danto y Belting que sostenían la muerte del arte, este se terminó abruptamente, más esto marca un hito que da cuenta de la transición en la disciplina, una transformación en su estructura, que aún en la actualidad se intenta comprender.

Para Danto la obra de arte es un signo que se parece mucho a aquello que significa. Si bien es posible manifestar que esta “concepción mimética” en términos generales es bastante antigua, ya que se remonta a Platón y a Aristóteles, a quienes Danto cita ocasionalmente, el filósofo norteamericano no tiene problemas en asumirla como propia. Asumiendo también una de sus consecuencias más tópicas, a saber, que la historia del arte puede contarse como un progreso gracias al cual los artistas van consiguiendo, de siglo en siglo, un parecido cada vez mayor entre las obras de arte y la realidad.

Partiendo de esas premisas, Danto concluye que el grado máximo de mimetismo artístico fue el que alcanzó Warhol con sus cajas Brillo de 1964. Cabe destacar el papel de Warhol como una impronta gestual, entendiendo que pareciese ser algo pero no lo es, simplemente copia la forma, cabe destacar también que no son ready made debido a que aparentan ser un objeto dispuesto en un espacio museal, pero en realidad no lo son ya que existe la intervención de la mano de los artísticas es por esto mismo que se podrían denominar objetos híbridos o sea representaciones o esculturas aparentando ser un ready made. La principal problemática consiste en que, si vinculamos las cajas Brillo a la tradición de los ready made, no habría sido Warhol, sino Duchamp, quien habría llevado el arte a la muerte que describe Danto y este deceso no habría ocurrido en 1964 sino en 1917. Independiente de cuáles fueran sus motivaciones respectivas, el parecido entre lo que hicieron Duchamp y Warhol

...