“El cortejo de los reyes magos” (1461)

Historia del Arte Moderno

ÍNDICE

Eje diacrónico de las obras……….. pág. 3

Eje diacrónico de fechas………...…pág. 4

Análisis de las obras….….………...pág. 5

Relato..…………………………...pág. 19

Glosario…………………….…….pág. 23

Bibliografía……………………….pág. 26

Eje diacrónico de las obras                        [pic 1]

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Nombre y apellidos: Benozzo di Lesse (Florencia,1420- Pistoia,1497)

Título: “El cortejo de los reyes magos” (1461)

Técnica: Fresco

Ubicación: Palacio Médici-Riccardi, Florencia

Análisis formal:

En esta obra, Benozzo representa, a través de un pasaje bíblico, a la familia Médici en un espacio que llega a ser artificial, similar al espacio creado en los tapices. Esta composición está rica en detalles pequeños, pero de gran valor visual y muestra el uso de elementos que aparentemente son contradictorios como el paisaje que está representado según los convencionalismos del Gótico internacional. Innova con los escorzos de los caballos y algunas figuras, el uso de actores reales dentro de una escena bíblica, la introducción del retrato colectivo con abundancia de figuras, algo muy poco frecuente anteriormente.

La estructura que estableció en el conjunto pictórico sigue un orden establecido, pues el grupo del cortejo avanza hacia otra pintura situada en la cuarta pared, que constituye el eje de toda la obra. La realizó en con una composición serpentina ya que esta se adapta perfectamente a la forma de la procesión del cortejo por su ritmo compositivo, ayudando a dar sensación de perspectiva.

La escena que creó el artista está basada en un desfile que se celebraba todos los años en la ciudad-estado de Florencia y en el que participaba todo el pueblo. Este servía para distraer a los habitantes del lugar de los problemas que había, ya que la preparación de este evento necesitaba varias semanas, e incluso meses.

En la obra se puede apreciar el parecido de los personajes con algunos miembros de la familia. Lorenzo de Medici está representado por el joven Rey; a la izquierda está su padre, Cósimo de Medici, representado por un hombre mayor con un traje oscuro y discreto, rodeado por algunos de sus hijos. También se puede ver que el propio Benozzo se integró en la obra, ya que es el personaje más identificable con seguridad, y en su gorro aparece “obra de Benozzo”.

Contexto en la trayectoria del autor:

Benozzo di Lesse terminó su formación en los años 40 del siglo XV junto a Fray Angélico, con el que colaboraría directamente en varias de sus obras. A mediados de los 40 termina su formación en la orfebrería junto a Lorenzo Ghiberti ya que le ayudó a realizar “Las puertas del paraíso” del baptisterio florentino. Más tarde creó su propio taller independiente, con el cual le reclamaron en varias ciudades sobre todo en la Toscana y la Umbría, para encargos tanto de particulares como proyectos comunales. Este artista destacó sobre todo en la pintura mural al fresco.

Contesto sociohistórico:

El Renacimiento es un movimiento que se sitúa a mediados del siglo XV con la invención de la imprenta y la conquista de Constantinopla. Es la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna en la historia, por ello fue un cambio profundo y complejo ya que con este movimiento se pasó de una sociedad feudal de actividad agraria a una sociedad mercantil apoyada por la Nación.

En esta época se buscó entender cómo funcionaba el mundo, la belleza y la perfección plasmada en el arte, y se destacan los valores éticos más profundos.

Nombre y apellidos: Andrea Mantegna (Véneto, 1431- Mantua, 1506)

Título: “Lamentación sobre Cristo muerto” (1474)

Técnica: Óleo sobre tabla, 68x81 cm

Ubicación: Pinacoteca di Brera, Milán

Análisis formal:

Esta obra de Andrea Mantegna es toda una revolución en cuanto a perspectiva ya que este escorzo extremo nunca se había realizado anteriormente.

En la imagen apreciamos la figura de Cristo tendido sobre una losa de mármol con los pies llagados en primer plano, las manos con las heridas de la pasión y los brazos rígidos por el rigor mortis. Todo esto junto con los colores apagados, el juego de luces y sombras de fuerte contraste, y la atmósfera de sufrimiento y desolación creada por el artista, representada en las figuras de la izquierda, crean una escena trágica y dramática.

Contexto de la trayectoria del autor:

Comenzó su aprendizaje con Francesco Squarcione, pero por la mala relación entre ambos, Andrea decide crear su carrera de forma más autodidacta. Se traslada a la ciudad de Mantua en la cual la familia Gonzaga lo patrocina y gracias a ella nunca tendrá falta de encargos.

No solo fue pintor, sino que realizó obras de los campos de la arquitectura, escultura, grabador e incluso dibujante y en todas ellas destacó.

Este artista revolucionó la perspectiva en la pintura, llegando a decir algunos críticos que esta es una de las obras más difíciles de ejecutar que existen.

Contexto sociohistórico:

El Renacimiento es un movimiento que se sitúa a mediados del siglo XV con la invención de la imprenta y la conquista de Constantinopla. Es la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna en la historia, por ello fue un cambio profundo y complejo ya que con este movimiento se pasó de una sociedad feudal de actividad agraria a una sociedad mercantil apoyada por la Nación.

En esta época se buscó entender cómo funcionaba el mundo, la belleza y la perfección plasmada en el arte, y se destacan los valores éticos más profundos.

Nombre y apellidos: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599- Madrid,1660)

Título: “La fragua de Vulcano” (1630)

Técnica: Óleo sobre lienzo 223x290cm

Ubicación: Museo del prado, Madrid

Análisis formal:

Esta obra de Diego Velázquez representa una escena de la mitología romana, en la que el dios Apolo irrumpe en el taller del dios Vulcano para comunicarle la infidelidad de su esposa la diosa Venus con el dios Marte. La realizó en su primer viaje a Italia y, a pesar de no ser ningún encargo real, formó parte de la colección de Felipe IV muy pronto.

En esta escena nos encontramos antes unas características propias en la pintura barroca: la expresividad de los personajes, el interés del artista por querer captar un instante, la teatralidad de la escena y la naturalidad con la que están tratados los personajes.

Apolo parece ser el foco de atención ya que es el que más destaca en la escena de colores terrosos propios del Naturalismo, que corresponden a la vida del dios del fuego y de los volcanes, con la túnica rojiza y la brillante aureola. El resto de la estructura de la obra está compuesto por tres personajes más, además de Vulcano, y de estos tres lo que más destaca es el fragmento de estilo académico del herrero que está de espaldas, que recuerda a las estatuas que representaban a héroes clásicos.

Contexto en la trayectoria del autor:

Estudió y practicó la pintura en Sevilla con el maestro Pacheco con el que aprende a ser un gran dibujante, hasta los veinticuatro años que se trasladó con su familia a Madrid donde entró a la corte del rey Felipe IV y en la que estuvo toda su vida como pintor de cámara; en esta etapa de su vida conoce al genio flamenco Rubens.

Se convirtió en el pintor español más importante del Barroco ya que trabajó excelentemente con todos los géneros pictóricos.

Contexto sociohistórico:

El Barroco es un movimiento que se sitúa a mediados del siglo XVI y se dice que surgió a partir de la Contrarreforma de la Iglesia para luchar contra la reforma protestante, y por ello mandó edificar diversos templos y exigió a los artistas que no hicieran obras paganas.

En esta época, Nicolás Copérnico afirma que la tierra gira alrededor del Sol, al igual que más planetas, y que tarda un día en hacerlo. También sucede la “Guerra de los treinta años”; se establece una crisis demográfica principalmente por la emigración a América, por las diferentes epidemias que había y por la crisis económica.  

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