El Cine Europeo

En Europa el desarrollo del cine se ve dificultado por la Primera Guerra Mundial. El cine se convierte en el máximo exponente del realismo. Su expansión, junto con la fotografía, ayuda a que el resto de las artes se replanteen su existencia obligándoles a buscar nuevas formas de expresión. Como consecuencia, el principio del Siglo XX se convierte en una época de gran experimentación artística; y será en Europa donde el cine comience a adquirir un estatuto artístico. Por lo que, durante la década de los años 20, se produce un movimiento cinematográfico muy importante: las vanguardias. Para intentar clasificar a los autores, se divide de la siguiente forma:

LA ESCUELA IMPRESIONISTA (PRIMERA VANGUARDIA)

Uno de los efectos de la Primera Guerra Mundial fue que Francia perdió su hegemonía en el mundo del cine. El monopolio formado por los productores Phaté y Gaumont no resistió la crisis provocada por la guerra. Sin embargo, durante la década de los años 20, una nueva ola de renovación cinematográfica invadió el cine galo de la mano de un grupo de intelectuales, encabezados principalmente por el novelista Louis Delluc y el teórico Ricciotto Canudo . Este teórico, el primero en el cine, realiza un manifiesto en el que denomina al cine como el séptimo arte. Canudo defiende la idea del cine como epicentro y culminación de todas las artes: arquitectura, pintura, escultura, música, poesía y danza. Esta nueva corriente vanguardista será calificada por Delluc como Impresionista, que rehuirá de los productos comerciales norteamericano. Se caracterizará por otorgar una entidad intelectual al mundo del cine, y se servirá del aspecto estético como medio para expresarse. Lo que más interesaba a los impresionistas era experimentar con la forma, crear un nuevo lenguaje a través de la imagen. Se le llama impresionismo, porque más que contar una historia, lo que hace es darnos impresiones visuales: es tan importante la forma, como el fondo. Estos autores básicamente son de origen francés: Louis Delluc, Marcel L'Herbier, Abel Gance y Jean Epstein.

Louis Delluc comienza como escritor que detestaba el cine. Pero gracias a los westerns de Ince, las películas de Chaplin y el empeño de su mujer, la actriz Eve Francis, termina rodando películas. Se convirtió en ensayista, crítico, guionista y realizador. Fundó el primer Cine-Club de la historia en 1920. Consideró que los elementos creadores del arte cinematográfico eran el decorado, la iluminación, el ritmo y la máscara (o actor). De las siete películas que realizó (la mayor parte perdidas), dos revelan su talento creador poco común: Fiebre (1921) y La Femme de nulle part (1922). Esta última destaca por ser uno de los primeros intentos de cine psicológico. En torno a Delluc, se agrupó una serie de artistas que los historiadores lo catalogan como Escuela impresionista, para distinguirla del expresionismo alemán. Delluc fue el teorizador de los autores Abel Gance, Marcel L'Herbier y Jean Epstein. En Europa, por lo tanto, se empieza a establecer la idea de cine como arte y no sólo como un espectáculo que produce beneficios como era tratado en los EEUU.

Marcel L'Herbier fue poeta simbolista y autor teatral antes de dedicarse al cine. Es uno de los exponentes del impresionismo cinematográfico, busca lo puramente visual más que el desarrollo narrativo. Rodó en España El dorado (1921). En su viaje hacia la realidad interior de los personajes, L'Herbier dio una interpretación técnica que evocaban a los maestros del movimiento impresionista en Phantasmas (1918). Tras la revelación del expresionismo alemán, L'Herbier asimiló su potencial formalista, recurriendo a escenarios futuristas-cubistas en La inhumana (1924).

Abel Gance es el autor más reconocido del cine impresionista francés. A pesar de sus irregularidades, su mal gusto y su pedantería cultural, es quien, después de Griffith, más hizo por investigar los recursos del lenguaje cinematográfico. En su película La Rueda de 1922, entre sus elementos impresionistas recoge el ritmo de Griffith que se acelera con el transcurso de la obra. Su obra más ambiciosa es Napoleón (1927), en la que experimentó con diversas técnicas y utilizó el Tríptico (o pantalla triple) para desplegar horizontalmente sus más grandiosas escenas. Rompe con la unidad espacio-temporal y utiliza una gran movilidad con la cámara.

Jean Epstein fue el autor más maduro de la escuela impresionista. Trabajó el ritmo cinematográfico, el barroquismo, etc... y como rasgos propio le gustaba cultivar el cine psicológico. Escribió el libro Buenos días, cine , que es uno de los primeros textos que se centran en la reflexión del cine. Su película Corazón Fiel (1923), causó sensación en la época, no por el simple relato de un obrero y un chulo rivales por el amor de una mujer, sino por su ejercicio de estilo al utilizar escenarios de feria: tiovivos y columpios a través de primeros planos, cámara subjetiva, encuadres oblicuos, etc. Mientras Hollywood utilizaba un mundo lujoso y sofisticado, algunos vanguardistas franceses demostraron un cariño hacia lo popular: la taberna, el suburbio, el puerto y otros lugares populares, aunque deformado y subjetivista de cierta realidad social. Epstein llevó esta tendencia naturalista en Finis Terrae(1929), mezclando el documental con técnicas cinematográficas. Por otra parte, Epstein experimentó con el expresionismo La caída de la casa Usher (1928). Otra obra importante es La Posada Roja (1923).

LA SEGUNDA VANGUARDIA

Transcurrió entre 1921 y 1925. Este tipo de cine se trata de música visual, no tiene intérpretes ni narran una historia, ya que sus autores lo que buscan es lo que para ellos es el “cine puro”. Mientras que los de la primera era francesa, en esta la mayoría son alemanes, siendo los más importantes Vicking Eggeling, Walter Ruttman, Hans Ritcher y, dos autores franceses, F. Leger y Man Ray.

Su cine consiste en pequeñas piezas animadas con elementos geométricos moviéndose por la pantalla a través de distintos planos. Estas películas son consideradas como los antecedentes del video-clip. Man Ray es un autor americano, instalado en Francia, que fue uno de los más importantes de esta vanguardia, siendo sus principales obras: Retorno a la razón (1923) y La estrella de mar (1929) .

EL SURREALISMO CINEMATOGRÁFICO

El surrealismo fue un movimiento artístico que afectó también al cine. Este movimiento lucha entre la razón y los instintos primarios, los sueños, etc. La escritora Germanie Dulac fue la encargada de inaugurar el capítulo del surrealismo cinematográfico con La coquille et le clergyman (1927), que creó una gran polémica, incluido del autor de la novela en la que se basa.

Luis Buñuel fue un gran autor surrealista español, que no tardó en convertirse en uno de los “monstruos” de la historia del cine. Su niñez guarda la influencia de su ambiente rural en sus películas y su educación religiosa. Vive en Madrid coincidiendo con autores de la Generación del 27 como Federico García Lorca, Rafael Alberti, Ramón de la Serna y Salvador Dalí. En su estancia en Paris conoce la obra de Fritz Lang, que le impulsa a trabajar en el cine. Sus obras más importantes son Un perro andaluz (1928) , que es una traslación de sus sueños en la que colaboró Dalí; y La edad de oro (1930) exalta una historia de amor de forma surrealista y denuncia a la vez todos los mecanismos sociales y psicológicos que entorpecen a la sociedad. La conmoción producida por la primera película no es comparable a la que causó La edad de oro , que llegó a prohibirse debido a unos incidentes públicos en sus proyecciones. Este ruidoso escándalo le abre las puertas en los EEUU, pero solo duró mes y medio.

París y Berlín fueron las dos capitales del vanguardismo cinematográfico mundial. Una buena parte de las vanguardias avanzaron por los senderos de la fantasía sin fronteras, aunque también hubo una cierta tendencia hacia el cine documental.

EL EXPRESIONISMO ALEMÁN

Mientras Griffith operaba su revolución expresiva, los ejércitos alemanes se batían en los campos de batalla de Europa y en las salas de proyección germanas se proyectaban la producción del enemigo (EEUU, Inglaterra y Francia). En 1916, el gobierno alemán decidió resolver esto creando una gran empresa: la UFA. A partir de entonces, el país se convertiría en una de las principales industrias del cine europeo antes de la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Durante el periodo de entreguerras, es de capital mixto, perteneciendo una parte al Estado y otra parte a grandes compañías como Deutsche Bank, Krupp y AEG. La mayoría de sus producciones son películas refinadas y de muy buena calidad. Se invierte mucho en la estética. El autor principal de la UFA es Ernst Lubitsch, que filma La muñeca (1919) de características expresionistas. Después hace películas históricas espectaculares como Una noche en Arabia y La mujer del Fearaón . Juega constantemente con la ironía, pareciendo que es un momento pasa una cosa y termina con otra diferente. Durante la IIGM, la UFA pasará a ser totalmente del Estado y prohibirá aquellas películas que pertenezcan al bando aliado.

La explosión artística del cine alemán llegaría con la irrupción de la escuela expresionista. Más que una escuela, el expresionismo es un actitud estética que pretende mostrar una realidad deformada, distorsionada, alterada, etc. Muestra el universo interno de las cosas, de los personajes y las situaciones. Las obras

...