Desmaterializacion Del Arte

La desmaterialización del arte [1968]

Lucy R. Lippard, John Chandler

Ed. Tracey Warrs, Jones Estudio Amelia. Cuerpos Gesticulando. Phaidon. Ldn. Reino Unido.

Durante la década de 1960 los procesos para elaborar un arte emocional, intuitivo y anti-intelectual, característico de las últimas dos décadas ha empezado a dar paso a un arte ultra conceptual que hace hincapié casi exclusivamente en el proceso de pensamiento. Como más y más trabajo es diseñado en el estudio pero es ejecutado en otros lugares por artesanos profesionales, el objeto es transformado simplemente en el producto final, y se encuentra que un gran número de artistas están perdiendo el interés en la evolución física de la obra de arte. El estudio vuelve a convertirse en un estudio. Esta tendencia parece estar provocando una profunda desmaterialización del arte, especialmente del arte como objeto, y si sigue prevaleciendo, puede resultar en como los objetos irán siendo totalmente obsoletos.

En el momento parece que las artes visuales flotan en una encrucijada que puede llegar a ser dos caminos a un lugar, aunque parecen provenir de dos fuentes: el arte como idea y el arte como acción.

Un arte muy conceptual, un arte extremadamente rechazado o un arte aparente aleatorio, trastorna a sus detractores porque ‘no es para ser suficientemente visto’, o mejor dicho no lo suficiente de lo que están acostumbrados a buscar. De pintura monótonal y de apariencia extremadamente simple además de ser total ‘vertedero' de objetos que existen en el tiempo, así como en el espacio debido a dos aspectos de la experiencia visual. En primer lugar, la demanda de una mayor participación por parte del espectador, a pesar de su aparente hostilidad (que no es tanto hostilidad como aislamiento y auto-contención). Un mayor tiempo se gasta en el mínimo-detalle de la experiencia inmediata del trabajo, porqué el espectador está empleado a concentrarse en los detalles y en la absorción de una impresión de la pieza con la ayuda de estos detalles. En segundo lugar, el tiempo dedicado a mirar una obra «vacía», o a una con un mínimo de acción, se parece infinitamente más a la acción en-completo-detalle-del tiempo. Este elemento tiempo es, por supuesto, psicológico, pero permite al artista una alternativa o extensión del método serial. La película ‘Longitud de onda’ [1967] del pintor-escultor Michael Snow, por ejemplo, es largamente tortuosa en sus cuarenta-y-cinco minutos de extensión. Por medio de la cámara, el tiempo se reduce muy lentamente a cero desde el fondo de un gran loft, luego llega a una serie de ventanas y, finalmente, una fotografía de la superficie del agua, o las olas, y entre estos dos, a través del tiempo la fotografía poco a poco llena la pantalla, el espectador es consciente de una anticipación casi insoportable que parece ser el resultado de una longitud igual de insoportable de tiempo extendido a un ritmo menor de ver lo normal, la intensidad es reforzada por el sonido, que durante la mayor parte de la película es monótonal, subiendo de tono y en volumen hasta que al final es un zumbido agudo, ambos emocionante y doloroso.

Joseph Schillinger, un cubista menor estadounidense que escribió, durante un periodo de veinticinco años, un libro llamado La Base Matemática de las Artes, dividió la evolución histórica del arte en cinco "zonas", que se reemplazarían una a la otra con una aceleración cada vez mayor: 1) Pre-estética, etapa biológica de mímica/mimesis, 2) Estética-tradicional, magica, ritualista del arte religioso; 3) Estética-emocional, de expresión artística de las emociones, auto-expresión, el arte por el arte, 4) Estética-racional, se caracteriza por el empirismo, arte experimental, novela del arte, 5) Científico, post-estético, lo que hará posible la fabricación, distribución y consumo de un perfecto producto de arte

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