Las vanguardias y el impacto en el diseño

Las vanguardias y el impacto en el diseño

“Las dos primeras décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana”(Meggs, 1983, pág. 301) esto también tuvo impacto directo con las artes visuales una revolución creativa la cual se cuestionaron sus valores, sistemas de organización y funciones sociales. No todas las vanguardias fueron influidas con la misma fuerza por ejemplo: el fauvismo y el expresionismo alemán tuvo un impacto muy escaso como menciona Meggs, mientras que “el futurismo, el dada, el surrealismo, la escuela de De Stijl, El suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje grafico de la forma y la comunicación visual de este siglo””(Meggs, 1983, pág. 301)

La evolución llego a tal punto en el tema del diseño que la tipografía del siglo XX esta relacionado con la poesía, pintura y la arquitectura moderna, se podría decir que la pintura cubista y la poesía futurista dio origen al diseño grafico del siglo XX.

CUBISMO

El cubismo empezó una totalmente nueva tradición artística con un enfoque diferente, que concluyó con 400 años de predominación renacentista en el arte pictórico. En los años siguientes, Picasso y su íntimo colaborador, Georges Braque (1881-1963) desarrollaron el cubismo como un desplazamiento artístico que sustituía la representación de las apariencias con maneras infinitas de maneras inventadas. A lo largo de este lapso, dichos artistas analizaron los planos del asunto a partir de diferentes puntos y usaron estas percepciones para llevar a cabo una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos.

En el año 1912, Picasso y Braque introdujeron recursos del collage de papel en su trabajo. La textura de los recursos del collage podía significar objetos ,ejemplificando, “para representar una silla Picasso pegó, en un cuadro, una tela ahulada decorada con una silla de caña”(Meggs 1983 Pag.302). Comunmente, incorporaban letras y palabras de los periódicos como maneras visuales y para entablar significados por asociacion. En el año 1913, el cubismo evolucionó hacia lo cual ha recibido el nombre de cubismo sintético. Basado en visualizaciones pasadas, el cubismo había inventado maneras que eran signos, más que representaciones del tema.

Juan Gris (1887-1927) ha sido uno de los más importantes artistas plásticos en el desarrollo del cubismo sintético, una de sus obras mas reconocidas es, el Retrato de Picasso del año 1912, la cual combinaban la composición del natural con un diseño estructural sin dependencia del espacio pictórico.

 Otro gran influyenete fue Fernand Léger (1881-1955) apartó al cubismo de los impulsos iniciales de sus fundadores. Léger ha podido haber evolucionado hacia un arte de color puro e interrelaciones de manera, sin embargo sus 4 años de servicio militar entre habitantes franceses de la clase trabajadora y la profunda percepción visual que desarrolló a lo largo de la guerra lo hicieron volver los ojos hacia un estilo más accesible, sencillo y populista todo esto contribuyo a conceptualizar la sensibilidad del diseño moderno luego de la Primera Guerra Mundial.

FUTURISMO

“Proponemos celebrar el amor al peligro, la costumbre de la energía y la intrepidez(…) Ningún trabajo carente de un carácter agresivo puede ser una obra de arte.”( Meggs 1983 Pag.303)

Una vez que esto del Manifiesto del futurismo se publicado en Le Figaro en París, el 20 de febrero de 1909, el poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944) fundó el futurismo como un desplazamiento revolucionario en cada una de las artes para situar a prueba sus ideas y sus maneras contra las realidades novedosas de la sociedad científica e industrial. El manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la época de las máquinas, la Velocidad y la vida moderna o actualizada.

 La armonía ha sido rechazada como una cualidad del diseño pues contradecía "los saltos y estallidos de estilo que fluían durante la página". En una cuartilla, la conjunción de tres o cuatro colores de tinta y 20 tipos de letra (itálica para impresiones rápidas, negritas para ruidos y sonidos violentos) podían redoblar el poder expresivo del texto.

En la página impresa había nacido un diseño tipográfico nuevo e íntimamente referente con la pintura, denominado "tipografía libre" y "palabras en libertad ".

A partir de el invento del tipo móvil de Gutenberg, la mayoría del diseño gráfico había tenido una vigorosa composición horizontal y vertical. Los poetas futuristas ignoraban estas limitaciones. Liberados de la tradición, animaron sus páginas con una estructura dinámica, no lineal, desarrollada mediante palabras y letras pegadas en vez de la reproducción fotográfica.

 Para Antonio Sant'Elia gran arquitecto del futurismo (1888-1916), consideraba ilógica la decoracion y uso lineas dinamicas diagonales y elipticas pues su fuerza emocional es más grande que la de las horizontales y las verticales. Desgraciadamente, Sant'Elia murio en el campo de lucha, de igual forma sus ideas y sus dibujos visionarios influyeron en la corriente del diseño moderno, en particular en el art deco.

 Las tecnicas violentas, revolucionarias de los futuristas fueron adoptadas por los dadaistas, los constructivistas y la escuela de De Stijl. Los futuristas comenzaron la publicacion de manifiestos, la experimentacion tipografica y las maniobras publicitarias. El término futurista de transformar la escritura, la tipografia o las dos en maneras visuales específicas y expresivas era una preocupacien en ciertos poetas de la antiguedad y se remonta, al menos, al poeta griego Simias de Rodas(alrededor de 33 a. de C.), que en uno de sus libros llamado poesía modelo, las palabras a menudo tomaban forma de objetos o símbolos religioso y en el siglo XIX, un poeta alemán llamado Arno Holz (1863-1929) extendió los efectos de estas formas, usando trucos como la el salto de mayusculas y de la puntuación, variación en el espaciado de las palabras para representar o significar pausa y escribir mas signos de puntuación para dar énfasis.

Podemos notar en la obra de Lewis Carroll, Alicia en el pais de las maravillas, se usaron tipos de tamaños descendentes y maneras pictoricas para edificar una forma similar a la cola de un ratón, como parte del relato que narraba una historia sobre el. Por otro lado el poeta frances Guillaume Apollinaire (1880-1918) Su contribución al diseño gráfico, exclusiva en su género, ha sido la publicación en el año 1918 de su libro titulado Caligramas, poemas en los que las letras permanecen dispuestas para conformar un diseño, una figura o una pictografía visual. En dichos poemas, explora la fusión potencial de la poesía y la pintura.

EL DADAÍSMO

El movimiento dadaísmo se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario luego de que el poeta Hugo Ball abrió el Cabaret Voltaire en Zurich, Suiza, como un espacio de junta para poetas, pintores y músicos adolescentes independientes. un joven poeta húngaro, Tristán Tzara redactó un torrente de manifiestos y contribuyó en cada una de las publicaciones y eventos dadaístas más relevantes. Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto demente, el dadaísmo aseguraba ser el antiarte y gozaba un intenso componente destructivo y negativo. Rechazando toda tradición, buscando la independencia total. Los dadaístas ni siquiera estaban de consenso en sus inicios con el nombre de dadá, tal era la anarquía de este movimiento. Dichos escritores y artistas estaban interesados en el escándalo, la protesta y lo absurdo. Se rebelaron violentamente contra los horrores de la Guerra Mundial, Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. Su síntesis de ocupaciones espontáneas al azar con elecciones planeadas les han permitido deshacerse de los preceptos clásicos del diseño tipográfico. Asimismo, el dadaísmo mantuvo el término del cubismo sobre las letras como maneras visuales específicas, no solamente como símbolos fonéticos. El pintor Marcel Duchamp (1887-1968) se juntó al movimmiento dadaísta y se ha convertido en su artista visual más prominente, para Duchamp, el portavoz más claro del dadaísmo, tanto el arte como la vida eran procesos del azar y de la votación deliberada. Esta filosofía de absoluta independencia permitió a Duchamp producir una escultura "ya elaborada", como su rueda de bicicleta montada en un banco de madera, y enseñar como arte "objetos convencionales" como su exitoso orinal. El público se escandalizó una vez que Duchamp pintó un bigote sobre una reproducción de la Mona Lisa. No obstante, este acto no era un atentado contra la Mona Lisa. Más bien, era un ataque ingenioso contra la tiranía de la tradición y de un público que había perdido el espíritu humanístico del Renacimiento. El dadaísmo se propagó velozmente a partir de Zurich hacia otras localidades europeas. Apezar de que ellos no estaban construyendo arte, sino burlándose y difamando a una sociedad que se había vuelto loca, diversos dadaístas produjeron un arte visual relevante que ha sido una aportación para el diseño gráfico. Una enorme aportación al diseño ha sido que ciertos dadaístas confirman haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas fusionadas para llevar a cabo yuxtaposiciones estremecedoras y asociaciones al azar. Iniciadas en el año 1919, sus pinturas merz eran composiciones de collage en las que empleaba anuncios impresos, desechos y materiales fusionados, para componer color contra color, forma contra forma y textura contra textura. Sus complicados diseños combinaban recursos del absurdo y del azar tomados del dadaísmo con características acentuadas del diseño. Una vez que intentó unirse al Club Dadá fue rechazado por ser bastante burgués. La poesía que recreaba la lógica contra lo absurdo era un asunto fundamental. Schwitters definió a la poesía como la relación de recursos: letras, sílabal, palabras, oraciones. A inicios de los años veinte, el constructivismo se retornó una predominación adicional en el trabajo de Schwitters, luego de ponerse en contacto con El Lissitzky y Théo van Doesburg, quienes invitaron a Schwitters a Holanda para impulsar el dadaísmo. A partir del año 1923 hasta el año 1932, Schwitters editó 24 números del periódico Merz. En contraste con los intereses artísticos y constructivistas de Kurt Schwitters, los dadaístas berlineses John Heartfield (1891-1968), Wieland Herzfelde (18961988) y George Grosz (1893-1959) asumieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias y orientaron parte importante de sus ocupaciones artísticas hacia la comunicación visual, para elevar la conciencia pública y fomentar el cambio social. John Heartfield es el nombre inglés adoptado por Helmut Herzfelde como protesta contra el militarismo alemán y su batallón, a cuyo servicio estuvo del año 1914 al año 1916. Integrante fundador del conjunto dadaísta de Berlín en el año 1919, Heartfield usó disyunciones rígidas del fotomontaje como una potente arma de propaganda e innovó la preparación del arte mecánico para la impresión en offset. La República de Weimar y la extensión del partido nazi eran el blanco de sus ataques en los carteles, las portadas para libros, ilustraciones políticas y caricaturas. Sus montajes son los más imperiosos en la narración de la técnica. Heredero de la retórica y los ataques de Marinetti contra cada una de las tradiciones artísticas y sociales, el dadaísmo ha sido el movimiento liberador de mayor relevancia de su tiempo, y aún actualmente es viable mirar su predominación. El dadaísmo surgió como una protesta contra la guerra, sin embargo sus ocupaciones destructoras y exhibicionistas se volvieron más absurdas y extremas al concluir el problema armado. En los años 1921 y 1922, la disputa y el desacuerdo se dejaron ver entre sus miembros y el movimiento se separó en facciones. Para André Breton (1896-1966), que se había incorporado al movimiento, el dadaísmo había perdido su relevancia y él nació como el nuevo jefe de un movimiento que habría de tomar direcciones novedosas. Al final, el dadaísmo, llevó sus ocupaciones negativas hasta el límite, carecía de un liderazgo unido y varios de sus miembros empezaron a desarrollar los planteamientos que proveerían origen al surrealismo; el dadaísmo decayó y abandonó de existir como un movimiento coherente a fines del año 1922. Los dadaístas como Schwitters y Fleartfield continuaron evolucionando y produjeron su obra más refinada luego de la ruptura del movimiento.

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