Las vanguardias y el impacto en el diseño

Las vanguardias y el impacto en el diseño

“Las dos primeras décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana”(Meggs, 1983, pág. 301) esto también tuvo impacto directo con las artes visuales una revolución creativa la cual se cuestionaron sus valores, sistemas de organización y funciones sociales. No todas las vanguardias fueron influidas con la misma fuerza por ejemplo: el fauvismo y el expresionismo alemán tuvo un impacto muy escaso como menciona Meggs, mientras que “el futurismo, el dada, el surrealismo, la escuela de De Stijl, El suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje grafico de la forma y la comunicación visual de este siglo””(Meggs, 1983, pág. 301)

La evolución llego a tal punto en el tema del diseño que la tipografía del siglo XX esta relacionado con la poesía, pintura y la arquitectura moderna, se podría decir que la pintura cubista y la poesía futurista dio origen al diseño grafico del siglo XX.

CUBISMO

El cubismo empezó una totalmente nueva tradición artística con un enfoque diferente, que concluyó con 400 años de predominación renacentista en el arte pictórico. En los años siguientes, Picasso y su íntimo colaborador, Georges Braque (1881-1963) desarrollaron el cubismo como un desplazamiento artístico que sustituía la representación de las apariencias con maneras infinitas de maneras inventadas. A lo largo de este lapso, dichos artistas analizaron los planos del asunto a partir de diferentes puntos y usaron estas percepciones para llevar a cabo una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos.

En el año 1912, Picasso y Braque introdujeron recursos del collage de papel en su trabajo. La textura de los recursos del collage podía significar objetos ,ejemplificando, “para representar una silla Picasso pegó, en un cuadro, una tela ahulada decorada con una silla de caña”(Meggs 1983 Pag.302). Comunmente, incorporaban letras y palabras de los periódicos como maneras visuales y para entablar significados por asociacion. En el año 1913, el cubismo evolucionó hacia lo cual ha recibido el nombre de cubismo sintético. Basado en visualizaciones pasadas, el cubismo había inventado maneras que eran signos, más que representaciones del tema.

Juan Gris (1887-1927) ha sido uno de los más importantes artistas plásticos en el desarrollo del cubismo sintético, una de sus obras mas reconocidas es, el Retrato de Picasso del año 1912, la cual combinaban la composición del natural con un diseño estructural sin dependencia del espacio pictórico.

 Otro gran influyenete fue Fernand Léger (1881-1955) apartó al cubismo de los impulsos iniciales de sus fundadores. Léger ha podido haber evolucionado hacia un arte de color puro e interrelaciones de manera, sin embargo sus 4 años de servicio militar entre habitantes franceses de la clase trabajadora y la profunda percepción visual que desarrolló a lo largo de la guerra lo hicieron volver los ojos hacia un estilo más accesible, sencillo y populista todo esto contribuyo a conceptualizar la sensibilidad del diseño moderno luego de la Primera Guerra Mundial.

FUTURISMO

“Proponemos celebrar el amor al peligro, la costumbre de la energía y la intrepidez(…) Ningún trabajo carente de un carácter agresivo puede ser una obra de arte.”( Meggs 1983 Pag.303)

Una vez que esto del Manifiesto del futurismo se publicado en Le Figaro en París, el 20 de febrero de 1909, el poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944) fundó el futurismo como un desplazamiento revolucionario en cada una de las artes para situar a prueba sus ideas y sus maneras contra las realidades novedosas de la sociedad científica e industrial. El manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la época de las máquinas, la Velocidad y la vida moderna o actualizada.

 La armonía ha sido rechazada como una cualidad del diseño pues contradecía "los saltos y estallidos de estilo que fluían durante la página". En una cuartilla, la conjunción de tres o cuatro colores de tinta y 20 tipos de letra (itálica para impresiones rápidas, negritas para ruidos y sonidos violentos) podían redoblar el poder expresivo del texto.

En la página impresa había nacido un diseño tipográfico nuevo e íntimamente referente con la pintura, denominado "tipografía libre" y "palabras en libertad ".

A partir de el invento del tipo móvil de Gutenberg, la mayoría del diseño gráfico había tenido una vigorosa composición horizontal y vertical. Los poetas futuristas ignoraban estas limitaciones. Liberados de la tradición, animaron sus páginas con una estructura dinámica, no lineal, desarrollada mediante palabras y letras pegadas en vez de la reproducción fotográfica.

 Para Antonio Sant'Elia gran arquitecto del futurismo (1888-1916), consideraba ilógica la decoracion y uso lineas dinamicas diagonales y elipticas pues su fuerza emocional es más grande que la de las horizontales y las verticales. Desgraciadamente, Sant'Elia murio en el campo de lucha, de igual forma sus ideas y sus dibujos visionarios influyeron en la corriente del diseño moderno, en particular en el art deco.

 Las tecnicas violentas, revolucionarias de los futuristas fueron adoptadas por los dadaistas, los constructivistas y la escuela de De Stijl. Los futuristas comenzaron la publicacion de manifiestos, la experimentacion tipografica y las maniobras publicitarias. El término futurista de transformar la escritura, la tipografia o las dos en maneras visuales específicas y expresivas era una preocupacien en ciertos poetas de la antiguedad y se remonta, al menos, al poeta griego Simias de Rodas(alrededor de 33 a. de C.), que en uno de sus libros llamado poesía modelo, las palabras a menudo tomaban forma de objetos o símbolos religioso y en el siglo XIX, un poeta alemán llamado Arno Holz (1863-1929) extendió los efectos de estas formas, usando trucos como la el salto de mayusculas y de la puntuación, variación en el espaciado de las palabras para representar o significar pausa y escribir mas signos de puntuación para dar énfasis.

Podemos notar en la obra de Lewis Carroll, Alicia en el pais de las maravillas, se usaron tipos de tamaños descendentes y maneras pictoricas para edificar una forma similar a la cola de un ratón, como parte del relato que narraba una historia sobre el. Por otro lado el poeta frances Guillaume Apollinaire (1880-1918) Su contribución al diseño gráfico, exclusiva en su género, ha sido la publicación en el año 1918 de su libro titulado Caligramas, poemas en los que las letras permanecen dispuestas para conformar un diseño, una figura o una pictografía visual. En dichos poemas, explora la fusión potencial de la poesía y la pintura.

...