Swing gitano - Bebop

Swing.

Cuando hablamos de swing hay que diferenciar el swing como estilo musical del swing como una de las características de la música de jazz. Como ésta característica nos referimos a una relación entre la acentuación y la duración de las notas distinta de la que tenemos en la música clásica, un ejemplo de esto sería la corchea tresillada (lo que sería una negra más una corchea ambas tresilladas).

Como estilo musical tiene algunas características. Para modo de estilo hay una corrimiento hacia la ciudad de Nueva York, ya que ésta ciudad era a las radios lo que Hollywood es al cine, con propagadoras que van de costa a costa llevando los programas con la música del momento, haciéndola popular en todo EEUU. Esto no significa que sea el único lugar donde aparece el swing, pero si es un centro de emisión. Por ejemplo la orquesta de Count Basie viene de Kansas City, con características propias.

Su apogeo se encuentra entre los años 30 y 40, en plena gran depresión, coincidiendo con una reformulación de la sociedad estadounidense a partir de la presidencia de Roosvelt con el New Deal que le da un nuevo impulso a la economía. De todas maneras el swing comienza antes de los 30 y termina mucho después o aun no termina.

Qué hace que éste estilo se destaque de los anteriores: la formación llamada Big Band. En los salones de baile la gente no quería escuchar un sexteto sino que buscaba una sonoridad lujosa, lo que no significa que no halla combos (coinciden con parte del personal de las mismas big bands, por ej. el cuarteto o sexteto de Benny Goodman).

Cómo afecta a la sonoridad el tener varios instrumentos tocando simultáneamente? Empieza a ver una visión de instrumentos en familias, dentro de las orquestas son familias de vientos, de cuerdas y de percusión representados: cuerda: piano y guitarra; percusión: batería, y algo más; y en vientos: distinción entre metales y madera, es decir instrumentos que tienen una boquilla e instrumentos que tienen una lengüeta que vibra. La sonoridad entre uno y otro va a ser distinto. Un caso especial sería la flauta, que sin contar con una lengüeta vibratoria, por su sonoridad se encuentra entre las maderas. También a veces podemos encontrar cuerdas o algún instrumentista que deje de tocar su saxo y toque un violín. También no menos importante es la aparición fuerte de los cantantes que habían empezado a tallar en la era de Chicago, por ej. Bessie Smith, Louis Armstrong, aparece Sinatra, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Tony Bennett (por ej. con una orquesta de cuerdas). Los límites temporales 30-40 son ficticios y se extienden en el tiempo. El swing de alguna manera es la corriente principal del jazz y entonces va a superponerse con diversos estilos  que van a ir apareciendo.

La gran figura que empieza a vislumbrarse a partir de 1925 es Fletcher Henderson, quien tendría probablemente la mejor orquesta de la época, es el primero que empieza con las divisiones de instrumentos por familias. Por supuesto tener varios instrumentos tocando lo mismo empieza dando una sonoridad lujosa y es razonable suponer que en los primeros experimentos que hicieran optarían por el unísono, para lo cual era necesaria la escrituración, lo que significaría que no pasaría mucho tiempo para que pasemos de un unísono a la coordinación de voces distintas (Jelly Roll Morton y Fletcher Henderson eran pianistas y ellos tienen una forma de integrar la melodía con la armonía y la traspasan al resto de los instrumentos, casi de una manera visual). Al repartir la armonía entre los distintos instrumentistas va a pasar que las orquestas se van a definir por su forma de encarar el ritmo.

En esta nueva etapa del swing, transcurrida una década de la era de Chicago, aquella época en la que el solista quedaba bastante expuesto para bien o para mal, y el nivel técnico había vuelto a levantar la vara, surge la necesidad de tocar en conjunto, cuando no de leer música, partes arregladas para 4 o 5 instrumentos y no podes tocar cualquier nota. Es muy evidente cuando un instrumentista de una sección se equivoca, entones nadie quiere perder su trabajo porque alguien tocó mal, por lo que hay más presión. De todas maneras no se requería una gran destreza técnica para formar parte de una big band. El lugar de los solistas se ha reducido, no es que cada persona tiene la posibilidad de hacer un solo por tema.

Duke Ellington.

Se puede considerar que durante su carrera, Ellington tuvo tres importantes etapas. La primera empezó a fines de 1927, cuando obtuvo la seguridad del empleo y el prestigio de ser la banda en residencia del famoso Cotton Club en Harlem, lugar donde los mejores artistas negros entretenían a la elite neoyorquina, como también a gangsters de la época. Para deleitar a su público, que era exclusivamente blanco, el Cotton Club le exigía a Ellington que presentara shows con escenas cuasi-africanas. Para esto Ellington compuso música que llamó Jungle Music, o música de la selva.

A principios de los treinta desaparecen los ritmos típicos de sus bandas más primitivas, Ellington comenzaba a experimentar y a desarrollarse como compositor y arreglador, teniendo ya varios Hits a su haber. Durante esta época, comenzó a escribir composiciones que se transformaron en estándares del repertorio popular estadounidense, tales como “Mood Indigo”, “Sophisticated Lady”, “In a Sentimental Mood”, “Solitude”, “Prelude to a Kiss”. Muchas otras vendrían durante las próximás décadas.

En los años 40 Duke inició una serie de conciertos anuales en el Carnegie Hall, donde aprovechó la ocasión para estrenar su primera obra de larga duración, “Black, Brown and Beige” que en su forma original duraba cerca de una hora. Fue su obra más ambiciosa, espectacular y exitosa hasta ese momento, lo cual le cual le permitió dedicarse de lleno a ese tipo de composiciones por el resto de su carrera, llamadas también obras de largo aliento, que podían ser religiosas (por ej. El concierto sagrado) o suites dedicadas a una personalidad en particular. Composiciones como ‘Such Sweet Thunder’, Deep South Suite’ o ‘New Orleans Suite’ son obras épicas muy importantes para Ellington, quien pasó gran parte de su carrera tratando de extender el jazz más alla de la composición de tres minutos con improvisaciones simples, hacia un ámbito de composiciones más serias y de mayor peso.

La contribución de Ellington al arte y a la cultura musical del mundo es enorme, especialmente si además de sus miles de composiciones se le suman sus varias operas, un par de ballets, y más de diez shows musicales. Su estilo fue único. Es imposible categorizarlo, ya que nunca se adhirió a un tipo especifico de música. Ellington creó un tipo de jazz que era propiamente suyo. Su banda no solo tenía un repertorio que era tan rico como diverso, sino que mantuvo su energía creativa al más alto nivel durante más de cinco décadas. La influencia de Ellington es evidente en otras bandas y músicos prácticamente desde los años treinta, desde las bandas de la era del swing hasta los compositores del avant-garde. Como pianista, su estilo influenció a músicos del calibre de Thelonious Monk y Cecil Taylor.

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