Aspectos generales de la pintura prerrenacentista

Aspectos generales de la pintura prerrenacentista

La pintura renacentista de comienzos del siglo X recibe el nombre de prerrenacentista ya que se encuentra asociada al último periodo del gótico. Se aplico considerablemente en la ornamentación de capillas, iglesias, altares y libros de horas. Los temas eran religiosos y presentan una indiscutible influencia bizantina en su acabado: las composiciones simétricas con paralelismo de las figuras, fondos dorados, detalles lineales en vestidos y expresiones. Sin embargo, a fines del siglo XV varios fueron los pintores que modificaron estas características al sustituir el fondo dorado por paisajes, el paralelismo compositivo por disposiciones más asimétricas y el hieratismo por gestos más expresivos y humanos. Entre los pintores mas importantes están: Giotto, Fra Angélico, Bonticelli y Masaccio.

La pintura prerrenacentista ofrece un modelo de representación que no se preocupa por la construcción de un espacio homogéneo (y en un sentido, realista) sino sobre todo por el sentido y la claridad de lo representado.

Características generales de la pintura renacentista

Como consecuencia de la tendencia al naturalismo. Los pintores renacentistas se plantean el problema de la representación de espacio, de la profundidad y de la tercera dimensión. En la pintura anterior las figuras se movían en un espacio indefinido y no producían efecto de tridimensionalidad. Para lograr esa representación los pintores se valen de la perspectiva, cuya normas y leyes sistematizaron y, por medio del claroscuro, que expresa el relieve

Además de la perspectiva, para los pintores de Renacimiento, fue de gran ayuda el descubrimiento de la pintura al óleo. Esta fue traída desde los países bajos a Italia en la segunda mitad del quattrocento. Hasta entonces habían utilizado el temple que tiene muchas limitaciones. Del mismo modo, se introdujo también el uso de la tela como soporte, en lugar de la tabla y se perfeccionado la técnica de la pintura al fresco.

Otra conquista especial de la pintura del renacimiento fue la composición y el empleo de esquemas geométricos, como la composición en pirámide que organiza la obra de una forma clara y le da cohesión a todos los elementos plásticos.

Pintores importantes del renacimiento y sus obras

Masaccio (1401 ? 1428):

Es el primer representante de la corriente realista del renacimiento. Murió joven, a los 27 años; sin embargo, es uno de los pintores que ha tenido mas influencia en la pintura posterior. Logra volumen, profundidad y relieve con la perspectiva y el claroscuro. Sus figuras, que tienen un aspecto casi escultórico, están colocadas en espacio bien definido y en evidente relación con los personajes. Su principal obra, es el conjunto de frescos en la Capilla Brancacci de la iglesia del Carmen de Florencia. Entre ellos, el mas famoso es: "El pago del tributo"

Beato Angélico (1387 ? 1455):

Fue fraile dominico, y después de su muerte fue declarado "Beato" por la santidad de su vida.

Su pintura es de un naturalismo místico. Su dibujo es refinado y tiene un dominio especial del color. Lo que Masaccio obtuvo con el claroscuro él lo obtiene por medio del color. Rosados, azules, nácar, oro, son sus colores preferidos. Sus obras mas importantes están en el convento de San Marcos de Florencia.

Botticelli (1444 ? 1510):

Fue el pintor de los Médicis, los famosos "mecenas" de los artistas de Florencia. En ese ambiente intelectual y entusiasta de la cultura clásica pinta temas de procedencias greco-romana, como ¡"la calumnia", restauración imaginaria de un cuadro del pintor griego Apeles, y temas mitológicos y paganos como "El nacimiento de Venus" y "la primavera. Pero, al mismo tiempo pinta temas religiosos como: "La virgen del Magnificat" y "la adoración de los magos".

Su estilo es inconfundible por el linealismo, el ritmo, gracia y elegancia de sus figuras. El color es liquido, transparente, sin sombras densas.

Hacia el final de su vida, ante las predicaciones del fraile Savonaarola contra el paganismo del Renacimiento, abandona los temas paganos y su pintura se hace dramática y melancólica

Leonardo Da Vinci (1452 ? 1519)

Fue un genio enciclopédico y universal; pintor, escultor, ingeniero, científico, inventor, músico, filosofo, escritor, y se adelanto varios siglos a su tiempo con sus descubrimientos.

El estimaba en especial, el arte de la pintura y en su "tratado sobre la pintura" escribió que ella es la reina de las artes; sin embargo, su condición de sabio y sus otras tareas no le permitieron dejar muchas obras pictóricas. Tanto mas que procuraba hacerlo todo perfecto y dedicaba largos meses a bocetos y estudios y la misma realización definitiva era lenta. No obstante las pocas obras que dejo terminadas, (unas doce) son todas obras maestras.

Tal vez el aporte mas importante de Leonardo a la pintura es el llamado "sfumato". Este se basa en el claroscuro aplicado tan delicadamente y difuminado, tan imperceptible, que le da un carácter particular como si la pintura se viera a través de la niebla o de ligerísimo velo.

A el también se debe la disposición piramidal de las figuras que sera luego imitada por la mayoría de los pintores que le siguieron.

Algunas de las obras mas famosas de Leonardo Da Vinci fueron:

La Gioconda o Monna lisa: Es el retrato mas famoso de la tierra y de él, se han escrito innumerables comentarios e interpretaciones.

Esta pintado al óleo sobre una tabla de madera, sobre la cual se extendió una delgadísima capa de pintura, con tanta maestría que ni aun con rayos X se advierten las huellas del pincel.

Representa una dama, cuya identidad no ha podido ser determinada, y un paisaje extraño, vaporoso, casi irreal al fondo.

La expresión del rostro es risueña, pero con una sonrisa enigmática.

En la composición se observa un ritmo envolvente acentuado por el ovalo del rostro que se repite en la línea formada por la cabellera y las manos.

-La virgen de las rocas: Los personajes que la integran en primer termino son cuatro: la Virgen, Jesús y san Juan bautista niños, y un ángel.

El ambiente es una gruta formada por rocas puntiagudas, arbustos y florecillas. En el fondo otras rocas, un lago y montañas el lontanaza.

La composición es un riguroso juego geométrico, un repetirse de pirámides desde el primer grupo de figuras hasta las rocas lejanas de fondo. La luz es difusa y los contornos, atenuados

La ultima cena: Es una obra que expresa variedad al mismo tiempo unidad. Variedad de actitudes y expresiones de los apóstoles ante el anuncio de cristo de que uno de ellos lo va a traicionar.

Unidad de la composición: Los apóstoles están repartidos en grupos de a tres, sin rigidez. Cristo esta en el centro de la composición y las líneas convergentes de la perspectiva llevan la mirada hacia el. La pintura se encuentra muy deteriorada y es casi imposible restaurarla, debido a que es desconocida la técnica nueva que experimento Leonardo para ejecutarla en el muro.

Miguel Ángel Buonarroti:

En Florencia, Miguel Ángel cuando niño, fue aprendiz del pintor Ghirlandaio. Antes de ir a Roma, donde se realizara sus obras mas importantes, pinto un medallón redondo con la sagrada Familia.

En roma, el papa Julio II, estimulado por Bramante (quien esperaba un fracaso de Miguel Ángel a quien conocía solo como escultor) le encarga la decoración de la capilla sixtina. Allí Miguel Ángel emprende esa obra descomunal: una de las creaciones más extraordinarias del genero humano.

La capilla es una gran sala rectangular de 40m. de largo, 13 de ancho, y 21 de altura.

Miguel Ángel, completamente solo enfrentándose a mil fatigas pinto en la inmensa bóveda escenas del génesis y otras figuras.

20 años mas tarde, por encargo de otro papa, Paulo II, decora también la pared de fondo de la misma capilla sextina con la impresionante escena del juicio final. En el centro0 de la parte superior esta la figura amenazante de cristo rodeado de santos, mártires, beatos y ángeles. A la derecha los réprobos son arrastrados al infierno y a la izquierda los elegidos suben al cielo.

En la bóveda de la capilla sextina son 343 las figuras, en cuadradas en elementos arquitectónicos fingidos, y el Juicio Final, es toda una muchedumbre de 391 figuras.

En todas estas obras Miguel Ángel, que prefiere la escultura destaca con fuerza el relieve y el volumen. Pone en evidencia la musculatura de las agigantadas figuras, llenas de energía.

El fresco del "Juicio Final" ocupa la pared de fondo de la capilla sextina y mide 13 m. de ancho y 17 m. de alto. Miguel Ángel distribuyo las 391 figuras, en una composición libremente dividida en registros horizontales y líneas de fuerza, que convergen en la mano levantada de Cristo Juez.

Rafael Sanzio (1483 ? 1520)

Según algunos acreditados autores, el arte pictórico se divide en dos fases: antes de Rafael y después de él. Antes no se había logrado esa perfección tan absoluta, después comienza la decadencia.

Sus obras principales, como las de miguel ángel, están en el vaticano, Roma. Antes había trabajado en Umbria su tierra natal y en Florencia. Aquí pudo conocer a Miguel Ángel y a Leonardo. De este último aprende la composición piramidal que aplica en muchas de las Madonnas (vírgenes) que pintó en su período florentino, como "La Bella Jardinera", "La Virgen de la Pradera", "La virgen del Jilguero" y otras.

A los 25 años paso a Roma. El papa Julio II le encarga la decoración de las estancias del vaticano. Son tres alas donde pinta 17 grandes frescos murales. Los más nombrados son: "La Disputa del Santísimo Sacramento" y "La escuela de Atenas".

Son composiciones magistrales, que presentan siempre un conjunto equilibrado, a pesar de la multitud de personajes.

Después de las Estancias, el Papa le encarga las hoy llamadas "Logias de Rafael", unos largos pórticos que decora con escenas de la Biblia.

También sigue con la pintura de las Vírgenes que tanta fama le habían dando en Florencia. De éste período son: "La Virgen de la Silla", "La Virgen de Foligno" y "La Virgen de San Sixto".

De no menor importancia son la serie de retratos que, por sí solos, ya lo acreditarían como gran pintor; como el retrato de Julio II, el de León X, de la Fornarina y varios más.

Su última obra fue "La transfiguración del Señor".

Como cualidades esenciales de este pintor se citan: el don para componer; su magnifico sentido de la agrupación de las figuras; la corrección del dibujo; la distribución armónica de los colores, y la serenidad de estilo.

Tiziano (1477-1576):

Es el principal pintor de la Escuela Veneciana.

Tiziano tuvo una larga vida y bien aprovechada con respecto a la pintura y abordó todos los temas de manera magistral.

En los temas religiosos se muestra libre y natural. Algunos son cuadros de grandes proporciones como "La presentación de María Santísima al Templo" (8 metros de largo); "La virgen de Pesaro", "La Asunción".

En los temas mitológicos o profanos rinden culto a la belleza de la mujer. "La Venus de Urbino", "Amor Sagrado y Amor Profano", "La Bacanal".

Pintó los retratos de los reyes, papas, y personas importantes de su tiempo: dos retratos de Carlos V (uno a caballo y otro, en un sillón); "Francisco I Rey de Francia"; "Felipe II, Rey de España"; "El Papa Paolo III"; "El Hombre del Guante"; y su autorretrato, cuando tenía 90 años.

Características generales de la arquitectura renacentista.

La arquitectura Renacimiento Italiano presenta las siguientes modalidades:

Como material constructivo se emplea el ladrillo, sillares de piedra y mármoles como revestimiento.

Se adoptan las formas de la arquitectura clásica, especialmente de la romana.

Regresa los estilos greco-romanos dórico, toscazo, jónico, corintio compuesto, y la superposición de ordenes. Se crea el llamado orden colosal o gigante que consiste en alargadas columnas de un orden único que abarcan diversos pisos.

Continúa la arquitectura religiosa, pero también comienza a imponerse la arquitectura civil con los palacios residenciales.

Arquitectura Religiosa.

Se sigue el plan basilical de tres naves y aparece las grandes cúpulas como elemento característico. En efecto, la historia de la arquitectura renacentista italiana comienza por la construcción de la cúpula de la Catedral de Florencia y termina con la cúpula romana de San Pedro en el Vaticano.

Arquitectura Civil.

Los palacios residenciales son como un bloque cúbico o un paralelepípedo con tres pisos de diferente altura. Constan de un patio central, rodeado de galerías, que se repiten en los pisos superiores. Los muros de la fachada son almohadillados (revestidos de grandes piedras labradas que sobresalen). Las ventanas son simétricas, están decoradas con arcos de medio punto y rematan en tímpanos triangulares o curvos. En la parte superior (el techo) sobresale una gran cornisa en voladizo.

Principales arquitectos que sobresalen en la arquitectura renacentista.

Siglo XV.

Felipe Brunelleschi (1377-1446):

Florentino, fue el arquitecto iniciador del Renacimiento Italiano. Su obra maestra es la cúpula de Santa María de la Flor, la Catedral de Florencia. Ésta Catedral, de estilo gótico, había quedado inconclusa. Faltada cubrir el crucero y se había proyectado una cúpula; pero ningún arquitecto se sentía capaz de construirla por sus enormes dimensiones (más de 40 metro de diámetro). Que ejercía un empuje muy difícil de contrarrestar. Brunelleschi resolvió la dificultad de un modo muy hábil. Sobre un tambor octogonal levantó una cúpula doble encajada una en la otra. La cúpula interna más baja, en forma de casquete esférico y la externa, en forma de perfil de ovija. En esas cúpulas, debido a sus diversas formas, la interior ejerce presión hacia fuera y la exterior hacia adentro. Al encajarlas, se anulan las presiones, disminuye el empuje y queda asegurada la estabilidad.

Entre otras varias obras y proyectos de Brunelleschi se pueden citar: La Capilla de los Pazzi, del Palacio Pitti, todas en Florencia.

León Bautista Alberti (1402-1472)

Es el segundo de los grandes arquitectos renacentistas del quattrocento. Escribió un tratado sobre la arquitectura con teorías y normas prácticas. De él es la idea de que el proyecto más que la realización es la esencia de una obra de arte y que al arquitecto corresponde sólo el proyecto de construcción. Fue también él quien llevó el nuevo estilo del Renacimiento fuera de Florencia.

Principales obras:

-El Palacio Ruccellai, en Florencia.

- La Iglesia de San Andrés, en Mantua.

- El Templo de Malatesta, en Rimini.

Siglo XVI.

Donato Bramante (1444-1514).

Trabajó primero en Milán, donde levantó la cúpula de "Santa María de las Gracias". El Papa Julio II lo llamó a Roma para que se encargara de la nueva construcción de la "Basílica de San Pedro".

Bramante la proyecta con plata de cruz griega y, en cada uno de los brazos, señala ábsides semicirculares terminados en pórticos exteriores. En el centro, una gran cúpula, y otras cuatro menores en los ángulos formados por las naves; más el exterior, cuatro torres.

Este proyecto fue modificado por los varios arquitectos que se encargaron de la obra.

Otra obra de Bramante en Roma fue el "Templete circular de San Pietro in Montorio". Es una iglesia pequeña, pero de gran armonía.

Miguel Angel Buonarroti (1475-1564).

Es uno de los grandes genios del Renacimiento. Sobresale como arquitecto, escultor y pintor. Aunque protesta cuando el Papa Paulo III le encarga la obra de la Basílica de San Bramante, para darle mayor desarrollo a la cúpula central. Es ésta su obra maestra como arquitecto. La grandiosa cúpula es similar a la de Brunelleschi. Se levanta sobre un tambor, con doble cúpula y linterna; y mide 42 metros de diámetro. El cambio está en la decoración: la rodean ventanas con tímpanos, columnas dobles y un friso con guirnaldas. Además, se eleva a mayor altura, hasta 131 metros (la de Florencia llega a 114 metros).

A Miguel Ángel, como arquitecto, se deben también, al menos, otras siente obras y proyectos, entre los cuales están: la escalera de la Biblioteca Laurenciana, la Sacristía Nueva de San Lorenzo, ambas en Florencia y el proyecto para la plaza de Capitolio en Roma.

Características generales de la escultura renacentista

La transición de la escultura gótica a la del Renacimiento fue menos brusca que la de la arquitectura; se continúa la búsqueda del naturalismo. Los aspectos nuevos son los propios del Renacimiento. Se muestra un interés especial por el hombre, por la forma de su cuerpo, por su expresión. Se estudia la anatomía, el cuerpo humano como conjunto de huesos y músculos, el desnudo.

Se profundizan y perfeccionan los conocimientos y medios técnicos. Los artistas emplean cualquier material: mármol, piedra, bronce, madera, terracota y con excelentes resultados.

Ya las esculturas no se destinan a completar un marco arquitectónico sino que adquieren interés por sí mismas.

Principales escultores de la escultura Renacentista

Siglo XV

Lorenzo Ghiberti (1378-1455):

Fue quien introdujo el bajorrelieve pictórico en la escultura que consiste en la disposición de las figuras en diversos planos de perspectiva; y fondos arquitectónicos y paisajísticos. Sus obras más importante fueron: La Puerta Norte del Baptisterio de Florencia y la Puerta Este del mismo Baptisterio. Estas puertas de bronce están divididas en panales con relieves, en los cuales hay escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Las del Este son llamadas "Las puertas del Paraíso" quizá por una frase atribuida a Miguel Ángel: "Son tan hermosas que serían apropiadas para la entrada del Paraíso).

Donatello (1386-1466)

Escultor Florentino. Su principal mérito es el haber sabido unir la grandiosidad del clasicismo con la expresión del naturalismo. Entre sus obras principales se destacan: "San Jorge", "David", "La Cantoría ecuestre de Erasmo Gattamelata" en la plaza de Papua, la primera estatua ecuestre del Renacimiento.

Lucca Della Robbia (1400-1482.

Escultor y ceramista florentino. Esculpió, como Donatello una cantoría o tribuna de cantores para la Catedral de Florencia. Pero su mayor notoriedad se debe a sus terracotas policromas barnizadas. Sus terracotas de fondo azul, adornan numerosas iglesias.

Su sobrino Andrea Della Robbia continuó la producción de terracota. La decoración de la "logia de los Inocentes" es su obra más conocida.

Andrea del Cerrocchio (1435-1488)

Alumno y ayudante de Donatello: al igual que él realiza una estatua de David adolescente y una escultura ecuestre: la del "Bartolomeo Colleoni", en Venecia. Se las comparamos, sus esculturas del mismo tema expresan más movimientos y energía que las de Donatello.

Siglo XVI

Miguel Angel Buonarroti (1475-1564).

Es el más grande escultor del Cinquencento y uno de los más grandes escultores de todos los tiempos. Refleja, en su escultura, toda su recia personalidad y su profunda de cristiana. Su estilo es personal y dramático. Gran arquitecto y pintor, sin embargo, se firmaba y protestaba no ser más que escultor.

Miguel Ángel, desde muy joven, frecuentó el jardín del Palacio de los Médicis donde éstos habían reunido estatuas y fragmentos de mármoles antiguos y los jóvenes se ejercitaban en las artes.

A los 20 años va a Roma. De esta época es la "Pietá del Vaticano" en la que la nota trágica está expresada con clásica elegancia y compostura.

Regresa a Florencia y esculpe la gigantesca estatua (5 metros) del "David" en un trozo de mármol abandonado por otro escultor.

El Papa Julio II lo llama a Roma y le encarga la obra que será una ilusión y al mismo tiempo, una tragedia en su vida: "La Tumba del Papa Julio II", que no pudo realizar por completo. Del grandioso proyecto solo acabó enteramente "El moisés", ejemplo típico de la terribilidad de Miguel Ángel.

Para los Médicis, Julián y Lorenzo, ejecuta los "Monumentos Sepulcrales". A los pies de Julián yacen reclinadas dos escultoras alegóricas del "Día" y de la "Noche", y a los pies de Lorenzo "La Aurora" y "El Crepúsculo".

En sus últimos años esculpe otros tres grupos escultóricos de la Pietá, esta vez de expresión atormentada; la "Pietá de Palestrina", la del "Palacio Rondanini" y la de la "Catedral de Florencia". Éstas dos últimas inconclusas.

Otros escultores.

Si bien la escultura del Renacimiento Italiano en el Siglo XVI gira alrededor del gran genio Miguel Ángel, no faltaron otros extraordinarios escultores dignos de citarse, como Benvenuto Cellini y Giambologna.

Cellini se destacó también como orfebre y a él se debe el célebre "Salero de Francisco I" trabajando el oro y esmalte. Su obra maestra como escultor fue el "Perseo", estatua monumental colocada en la "Logia del Lanzi" frente al Palacio Municipal de Florencia.

Giambologna, de origen Francés, se forma y trabaja como escultor en Italia. Una de sus obras más famosas es el "Rapto de las Sabinas", grupo escultórico formado por tres figuras que se encuentran cerca del Perseo de Cellini en la Logia del Lanzi".

...