Pinturas De Frida Kalho

Las dos Fridas 1939

Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completó este autorretrato de dos diferentes personalidades. En su diario, Frida escribe que el origen de este cuadro está en sus recuerdos de un amigo imaginario de la niñez. Más tarde, ella admitió que refleja las emociones que rodearon a su separación y crisis marital. A la derecha, la parte de su persona que era respetada y amada por Diego es la Frida mexicana vestida de tehuana. En su mano sostiene un amuleto con el retrato de Diego cuando era un niño. A la izquierda, una Frida bastante más europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandonó. Los corazones de las dos mujeres están a la vista, un símbolo que Frida usaba a menudo para expresar su dolor. El corazón de la Frida desdeñada está roto, mientras que el de la otra Frida está entero. Del amuleto que Frida sostiene sale una vena que viaja a través del corazón de las dos mujeres y es finalmente cortado por las tijeras quirúrgicas que están en el regazo de la Frida desdeñada. Desesperada, Frida trata de parar el flujo de sangre que viene de Diego, pero sigue goteando…Frida esta en peligro de desangrarse. El cielo tormentoso, lleno de nubes agitadas podría reflejar el caos interno de Frida. Sujetando su propia mano, ella es su única compañera.

En 1947, este cuadro fue comprado por el Instituto Nacional de Bellas Artes de México. E precio de compra fue de 4.000 pesos ($1,000 USD) por la pintura y 36 pesos adicionales por el marco. Esta fue la cifra más alta pagada a Frida por uno de sus trabajos durante toda su vida.

Una reproducción de esta pintura se exhibe en el Museo Frida Kahlo en Coyoacán, México

La columna rota 1944

Este autorretrato es un gran contraste con otros autorretratos de Frida ya que ella se pintó sola… no monos, no gatos, no pericos y no fondo de hojas protectoras y plantas En lugar de eso, Frida está sola, llorando en una vasta llanura bajo un cielo tormentoso. Quizás es su manera de decir que tiene que manejar su dolor físico y emocional por si misma.

En 1944, cuando Frida pintó este autorretrato, su salud se había deteriorado hasta el punto de tener que llevar un corsé de acero para sujetar su columna vertebral durante cinco meses. Lo describió como un "castigo". Las correas del corsé parecen ser lo único que aguanta el cuerpo roto de la artista en una pieza y erecto. Una columna jónica, rota en varias partes, representa su columna dañada. La dramática abertura en su cuerpo y las fisuras del seco paisaje se convierten en símbolos del dolor y la soledad de la artista. Este sentimiento se ve acentuado por el poderoso símbolo de los clavos atravesando su cara y cuerpo. El clavo más largo agujereando su corazón indica la fuente del dolor emocional causado por Diego.

Cuando Arturo García Bustos, un estudiante de arte y amigo de Frida durante mucho tiempo, vio el cuadro acabado, estaba terriblemente angustiado por el mensaje que ofrecía. Aunque el cuadro es obviamente un reflejo de su estado emocional y físico actual en ese momento, también lleva un mensaje humorístico. "Tienes que reírte de la vida..." Frida dijo. "Mira los ojos muy de cerca... las pupilas son palomas de la paz. Esta es mi bromita sobre el dolor y el sufrimiento..."

Frida originalmente se pintó completamente desnuda pero más tarde decidió que el desnudo integral distraía del tema central y foco del cuadro

La cama volando 1932

El 4 de Julio de 1932 Frida sufrió un aborto natural en el hospital Henry Ford en Detroit. En este turbador trabajo, Kahlo se pinta a si misma acostada en una cama de hospital después del aborto. La figura en el retrato está desnuda, las sábanas que se ven detrás de ella están ensangrentadas y una gran lagrima cae de su ojo izquierdo. La cama y su triste habitante flotan en un espacio abstracto, rodeado por seis imágenes en círculo relacionadas con el aborto. Todas las imágenes están ligadas a filamentos de color rojo-sangre que ella aguanta contra su estómago, como si fueran cordones umbilicales. La imagen principal es un feto masculino perfectamente formado, el pequeño "Dieguito" que ella deseaba tanto tener. La orquídea fue un regalo de Diego. "Cuando yo lo pinté, tenia la idea de una cosa sexual mezclada con lo sentimental". El caracol, explicó, alude al lento aborto. El torso femenino de yeso color salmón, Frida explicó que era su "idea de cómo explicar el interior de una mujer". La máquina de aspecto cruel que ella inventó "para explicar la parte mecánica de todo el asunto". Finalmente, en la esquina inferior derecha está su pelvis.

“Henry Ford Hospital " fue el primer pintura de Kahlo pintado sobre estaño. Esta pintura contiene todos los elementos básicos de un ex-voto (retablo) "estilo Frida": pequeño, pintado sobre estaño, muestra un evento trágico y una inscripción. El único elemento que no es tan obvio es el "Santo" o "Salvador". En este caso, es el hospital Henry Ford el cual salvó su vida.

En Noviembre de 1938, este cuadro se mostró en la primera exposición de Kahlo en solitario en la Galería Julien Levy de Nueva York. Se mostró con el título: "The Lost Desire" (El deseo perdido).

Esta fue la primera pintura de Frida en metal. Cuando la pintura estuvo acabada, Lola Álvarez Bravo la fotografió. Después de ver la fotografía, Frida decidió pintar la cara de nuevo y corregir el nombre del hospital en el lado de la cama.

Diego en mi pensamiento 1943

Este autorretrato también se conoce como “Diego en mis pensamientos” y “Pensando en Diego”. El marido de Frida, Diego Rivera, continuaba con sus infidelidades y el deseo de Frida de poseerlo en exclusiva se refleja en este retrato. La miniatura del retrato de Diego en su propia frente indica el amor obsesivo que Frida sentía por el pintor de frescos…él está constantemente en su pensamientos. Frida lleva el vestido tradicional Tehuana que Diego admiraba tanto. Se pintó llevando este vestido par atraer a Diego a su lado. Las raíces de la hojas que lleva en el pelo, sugieren una tela de araña en la cual

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