Como Dar Una Clase De Artes

I.E.S. n°4

Cátedra: Investigación Educativa

Alumno: Néstor Choque.

Ivone Villatarco.

Abel Quispe.

Profesora: Marina Griselda Ramos

Nombre del trabajo: Técnicas innovadoras en el Arte.

Curso y Comisión: 2-C

Fecha: 30/11/2012

INDICE

• PLANTEO DEL PROBLEMA (DIAGNOSTICO)………….…...pág. 3

• JUSTIFICACION…………………………………………….……pág. 4

• OBJETIVOS GENERALES Y ESPECIFICOS……….…….….pág. 4

• MARCO TEORICO………………………………..………págs. 5 al 12

• DISEÑO METODOLOGICO…………………………..………..pág. 12

• TECNICAS E INSTRUMENTOS……………...………..……...pág. 12

• CRONOGRAMA DE TAREAS…………………..…………......pág. 13

• RECURSOS MATERIALES y HUMANOS…………….….…..pág. 13

• CONCLUSION……………………………………………………pag. 13

• BIBLIOGRAFIA…………………………….………………...…..pág. 14

• ANEXO……………………………………………………………pág. 15

Tema: Técnicas innovadoras en arte.

Planteo del Problema

El problema de la investigación, que estamos realizando, es que en el Profesorado de Artes Visuales, es mínima la capacitación, acerca del cómo se debe dar una clase de artes en una escuela primaria de forma creativa, algunas razones pueden ser el poco tiempo que existe en las cátedras pedagógicas en donde nos enseñan cómo debemos expresarnos en el aula, también la falta de preparación y didáctica de algunos profesores de la institución ya que en la mayoría de los casos son docentes que no tienen mucho conocimiento en la área de artes visuales y a la falta de práctica que tenemos nosotros como alumnos en clase.

Todos poseemos una forma única de enseñar, solamente que existen muchos casos en donde se da que el alumno del profesorado de artes visuales tiene dificultad en como transmitir de manera creativa el conocimiento, le cuesta inventar técnicas didácticas de cómo se debe enseñar arte en clase y a raíz de esto recurren a métodos que se utilizan comúnmente, como explicar un procedimiento mediante laminas, fotos, videos, etc., esto lo vemos cuando se expone algún tema en el aula, se espera cumplir al perfil del profesorado de Artes que debe y tiene que ser creativo a la hora de enseñar el saber y tiene que hacer que el alumno asimile el conocimiento para que este luego lo pueda lo pueda transmitir a un tercero.

No poseemos mucha información acerca del tema planteado porque no hay mucha bibliografía del tema en la biblioteca del profesorado, falta conocimiento y dominio de los procedimientos metodológicos y las técnicas necesarias para abordar el tema que elegimos para investigar. Esta investigación nos interesa, ya que se relaciona con la profesión que vamos a ejercer, que es la de profesores de artes visuales y se tiene la intención de mejorar la calidad de enseñanza donde la renovación se adapta a la clase.

Justificación

Para tener más conocimiento sobre el tema nosotros nos proponemos ir a la escuela primaria n°144 a hacer una observación en 2 y 3 grado en la cátedra de Artes Plásticas turno mañana. Esto lo hacemos para que los alumnos del profesorado de Artes Visuales tengan más conocimientos didácticos a la hora de dar una clase. Y para saber si los docentes están enseñando técnicas didácticas innovadoras que les puedan servir a los futuros docentes. Esta información la registraríamos mediante entrevistas, encuestas, videos, registro fotográfico. Mediante este trabajo de investigación los alumnos del profesorado adquirirían experiencia en las nuevas técnicas innovadoras para enseñar ya que esta información no está escrita en los textos y continuamente se va actualizando en este mundo cambiante en que vivimos.

Objetivo General

Averiguar la influencia del uso de distintas técnicas innovadoras

Objetivo Especifico

• Averiguar que son las técnicas innovadoras.

• Indagar con que materiales o herramientas trabaja el docente en el uso de sus distintas técnicas.

• Reconocer el empleo de técnicas innovadoras y su influencia en el proceso de enseñanza aprendizaje.

• Los docentes de artes se están actualizando sobre técnicas innovadoras.

Marco Teórico

Como se debe de dar una clase de artes en una escuela primaria de forma creativa. En nuestro actual sistema de educación asigna mucha importancia el aprobar o no un examen, o un curso, pasar al próximo, o incluso permanecer en la escuela, dependen del dominio o de la memorización de ciertos fragmentos de información, que ya conoce el maestro. De esta manera, la función de la enseñanza parece reducirse a formar gente capaz de coleccionar partes de información y repetirla a una señal dada. Los valores que son significativos en un programa de educación artística son los mismos que pueden ser básicos en el desarrollo de una nueva imagen, e incluso de una estructura totalmente nueva de nuestro sistema educacional, el aprendizaje es un proceso muy complejo; por lo tanto, probablemente no exista un único método “mejor” de enseñanza. La capacidad de preguntar, de hallar respuestas, de descubrir forma y orden, de volver a pensar, reestructurar y encontrar nuevas relaciones, son cualidades que generalmente no se enseñan. Probablemente, una de las habilidades básicas que se debería enseñar en nuestras escuelas sea la capacidad de descubrir y de buscar respuestas, en lugar de esperar pasivamente las contestaciones e indicaciones del maestro. Las experiencias fundamentales de una actividad artística contienen precisamente este factor. Esto es así tanto en el caso de un niño del jardín de infantes que está realizando una construcción llamada “primavera”, con paja, papeles de colores y tapitas de botellas, como en el de un estudiante cuando pinta un cuadro que requiere mezcla de colores e invención de nuevas formas. La educación artística, como parte esencial del proceso educativo, puede ser muy bien la que responda por la diferencia que existe entre un ser humano creador y sensible y otro que no tenga capacidad para aplicar sus conocimientos, que no disponga de recursos espirituales y que encuentre dificultades en sus relaciones con el ambiente. El arte no es lo mismo para un niño que para un adulto. En los niños, el arte es un medio de expresión. Los niños son seres dinámicos; el arte es para ellos un lenguaje del pensamiento. Un niño ve el mundo en forma diferente y a medida que crece, su expresión cambia. La discrepancia entre los gustos del adulto y el modo en que se expresa el niño es la causa de la mayoría de las dificultades que surgen y que impiden que el niño utilice el arte como un verdadero medio de autoexpresión. Si los niños pudieran desenvolverse sin ninguna interferencia del mundo exterior, no sería necesario proporcionarles estímulo alguno para su trabajo creador. Todo niño emplearía sus impulsos creadores, profundamente arraigados, sin inhibición, seguro de sus propios medios de expresión.

El transcurso por la escuela primaria, se convierte en una etapa muy importante en el desarrollo físico, intelectual y sensorial de una persona, en esta etapa el individuo Interactúa con el ambiente y también con sus semejantes, por lo tanto “el maestro de actividades artísticas” (Vicktor Lowenfeld, 2006:91), debe desarrollar ciertas características para cumplir a cabalidad con su labor.

El “comportamiento del maestro al enseñar a los niños” (Vicktor Lowenfeld, 2006:91) es el factor más importante. Si imaginamos un maestro de escuela primaria con muy pocas condiciones para esa tarea, indudablemente nos lamentaremos por la suerte de los niños que tenga a su cargo; sin embargo, nos consolará pensar que, por lo menos, los niños obtendrán algún beneficio del material de lectura y del libro de historia, y que hasta es posible que alcancen cierta competencia en aritmética. En el terreno del arte, en cambio, el daño puede ser serio. El componente básico en el arte proviene del propio niño; esto es incuestionablemente cierto, ya se trate de un niño de la escuela primario o de un joven de la secundaria. Sobre el maestro recae la importante tarea de crear una atmósfera que conduzca a la inventiva, a la exploración y a la producción.

Existen formas apropiadas mediante las cuales el maestro puede proporcionar la atmósfera conveniente para las actividades creadoras. Hay modos de organizar las condiciones ambientales para lograr que sean óptimas, en ese sentido. “El maestro de actividades artísticas” (Vicktor Lowenfeld, 2006:91) debe ser una persona cordial y amistosa, ya que una actitud cordial hacia el estudiante favorece la productividad.

Dado que un trabajo artístico no es la representación de una cosa, sino más bien de las experiencias que tenemos con las cosas. Y puesto que esas experiencias cambian no sólo de año en año, sino de un día para otro, la expresión artística llega a ser un proceso dinámico, en perpetua transformación. También el profesor debe ser una persona flexible, capaz de abandonar sus planes y de capitalizar el entusiasmo y el interés de los niños; su capacidad para ser cordial, amistoso y democrático será la que permita a los niños tener la oportunidad de expresarse libremente, tanto en la expresión verbal como en el terreno del quehacer artístico; pero también es muy importante que el maestro conduzca esa flexibilidad de forma tal que la expresión se traduzca en un producto artístico. En cierto sentido, esto tiene dos facetas, pues no sólo se necesita la atmósfera propicia, sino que la canalización flexible de los sentimientos y emociones del niño y que su destreza perceptiva culmine en una forma artística para que el proceso sea significativo.

“El Profesor se debe identificar con el niño.”(Vicktor Lowenfeld, 2006:93) El niño debe sentir que lo que hace es importante y que esa actividad se ajusta a sus necesidades. Una de las mayores dificultades que el maestro debe enfrentar es la discrepancia entre su propio modo de pensar y el de sus alumnos; ya que lo que puede ser una experiencia interesante o provechosa para un adulto, resulta no satisfacer las necesidades del niño. Por consiguiente, es menester que el maestro se identifique con los alumnos con los cuales está trabajando. Es más importante que la actividad artística les pertenezca a ellos y no al maestro. También es importante para el maestro de actividades artísticas identificarse con los niños que triunfan en sus intentos y que se expresan fácilmente. Es más importante reconocer y compartir con el niño la alegría de poder expresarse y el orgullo de realizar lo que se desea, que señalarle correcciones que deberían hacerse en las proporciones, o que la mano tiene cinco dedos en vez de seis. La autoidentificación de los niños con su propio trabajo solamente puede ser una experiencia significativa cuando el maestro puede identificarse con sus niños, de modo de promover la motivación apropiada y las condiciones ambientales convenientes para que lleven a cabo una expresión exitosa.

Pensar en términos del material que se usa es una parte importante del proceso de creación, especialmente durante los años de la adolescencia. Un maestro que nunca ha pasado por el proceso de creación con algún material artístico específico, no puede comprender el tipo particular de reflexión que se necesita para trabajar con arcilla, pintura o cualquier otro elemento. Esto significa que el maestro tiene que haberse compenetrado en forma total con el proceso de creación con esos materiales; no basta que lo conozca en forma abstracta por haberlo leído o por haber realizado mecánicamente algún proyecto. El material y la expresión deben formar un todo.

Esto no implica que el maestro de la escuela elemental deba necesariamente ser un artista, pero es menester que se haya entregado a alguna experiencia realmente creadora y que se sienta competente en algún aspecto de la expresión. En ciertos casos, la introducción de material nuevo puede dar lugar a una laboriosa tarea en la cual el propio maestro se encuentre envuelto. Ahora bien, a medida que el niño crece, el producto final del trabajo artístico se convierte en parte del proceso de la enseñanza. Resulta entonces imposible para un maestro que nunca ha atravesado por la experiencia de trabajar con alguno de los materiales específicos del arte, comprender el significado del pensamiento referido a ese material, ya sea madera, arcilla, lápiz, pintura, plástico, o cualquier otra cosa.

La mayor parte de los niños de una clase están dispuestos a expresarse en las actividades artísticas. Algunas veces, sin embargo, encontramos un niño que está tan inseguro que tiene temor hasta de trazar una línea en una hoja, a menos que cuente con la aprobación previa del maestro. Generalmente, estos niños afirman que no pueden dibujar o que no saben cómo hacerlo, o quieren que el maestro les enseñe cómo deben hacer; indudablemente, estos son los niños que más necesitan de la experiencia artística. Ahora bien, ignorar el pedido de ayuda o asegurarle a niño que él sí puede dibujar no es, por cierto una forma de motivarlo. Si el niño dice que puede expresar sus sentimientos o emociones en el papel, ésa es una afirmación que no se puede contradecir. Hay niños que viven tan ajenos al mundo que los rodea, que se sienten completamente desorientados, a menos que se les proporcione una guía y una dirección bien precisas. Esta confianza en los adultos puede, en algunas circunstancias, influir de modo muy negativo en el pensamiento del niño, en otros casos, el alumno puede haber sido rechazado por sus intentos de autoconducción y ser ésa la causa por la cual se retraiga a un mundo en el cual su sensibilidad y sus emociones no se sientan heridas nuevamente.

Algunas veces, un niño puede tener dificultades para identificarse con lo que hace. Para ese alumno, el producto mismo de su actividad artística se ha convertido en algo tan importante que procura complacer a otros, pero su propia experiencia es menos importante ante sus ojos que el producto mismo. La pérdida de confianza en la propia habilidad se evidenciará por la forma en que el niño intente la experiencia artística. Si el niño no puede identificarse con sus propias experiencias, el producto final lo demostrará.

Pero, a menudo el problema es mucho más profundo, esto ocurre cuando el niño no quiere dibujar nada; entonces el maestro debe encontrar que experiencias ha tenido que hayan sido significativas para él, o en algunos casos sensibilizarlo hacia experiencias anteriores, de modo que se conviertan en algo con sentido para él. El problema consiste en hacer que el niño tome conocimiento más activo de sí mismo como parte del ambiente y estimular su capacidad para esa toma de conciencia. Algunos alumnos sienten que no han hecho nada interesante y que pueden vivir parcialmente aislados del mundo exterior.

En los últimos años ha habido un aumento del interés demostrado por los educadores en el campo de la capacidad creadora. Se han introducido muchas innovaciones en la enseñanza de los temas de estudio usuales para lograr la respuesta creadora por parte de los estudiantes. Uno de los métodos ha consistido en plantear problemas que los alumnos tienen que analizar y resolver. En el arte, siempre ha existido la impresión de que la creación es una parte esencial de la experiencia, pero a menos que se tenga la precaución de asegurarse que los estudiantes desarrollen una actitud creadora y de que las condiciones ambientales sean tales que alienten el proceso creador, no hay ninguna seguridad de que las experiencias artísticas en sí puedan dar origen a la creación.

La transición de una manera espontánea y natural de trabajar con “materiales artísticos” (Víctor Lowenfeld, 2006:115) a otra forma con conciencia crítica de las propias acciones, exige un plan bien desarrollado para alentar la creación. Con los niños pequeños podemos alentar y proteger el entusiasmo y la libertad que parece ser una parte de la vida. Es de primordial importancia desarrollar pautas de pensamiento creador a esta edad, puesto que las actitudes y valores que desarrollen estos jóvenes en este momento los acompañaran toda la vida.

No es suficiente que los alumnos produzcan, aun cuando estas producciones puedan llamarse arte. Es importante desarrollar la facultad de pensar en forma creadora, de aprender a crear.

El profesor de arte tiene una situación favorable en las escuelas, como el arte se considera como algo un tanto diferente, eso le permite al profesor convertirse en el docente más informal. Así, encontramos que los profesores de arte suelen dar su clase en una forma muy personal, sin atraerse a las críticas de la administración. Aunque el maestro de arte deba consumir horas en preparar y planear su clase, no tiene la pesada carga de corregir pruebas o deberes, entonces se supone que la tarea del profesor de arte es realmente deliciosa. Sin embargo, los alumnos esperan mucho más del maestro de artes, además de todas sus restantes responsabilidades, se exige que el profesor de arte sea un artista creador; los estudiantes son un reflejo de su maestro, entonces, el maestro de arte no puede exigir trabajos creativos si él mismo en su desempeño como docente no puede serlo; el maestro de arte debe tener experiencias creativas personales para estar en mejores condiciones de brindar y propiciar un ambiente creativo.(1) Las clases de plástica suelen tener una apariencia diferente a las de otras disciplinas. Lo que muchas veces puede parecer un desorden, suele ser una situación de intensa producción. Una dinámica suelta ayuda en el proceso creativo. Proporcionar, en cada etapa de desarrollo, experiencias que apunten a los diferentes aspectos de la plástica (línea, color, collage, modelado, construcciones...) y motivaciones que permitan diferentes maneras de encarar el trabajo, nos permite atender a la variedad de temperamentos que se manifiestan en cada grupo. Al “planificar las actividades” (Daiana Diez, 2007:1), debemos prestar mucha atención al objetivo de cada propuesta. Nos compete crear condiciones para que los chicos conozcan las herramientas del lenguaje plástico y puedan usarlas con libertad. Aunque la clase se basé en el descubrir personal, es necesario presentarles gradualmente elementos técnicos concretos para que superen las dificultades que puedan ir apareciendo. El lenguaje plástico es sumamente rico.

Muchas veces resulta difícil acotarnos cuando estamos inmersos en una actividad placentera y viendo el disfrute general. Un buen plan de clase nos permite ordenar las necesidades específicas de la actividad que se va a desarrollar “distribución de espacio, tiempo y materiales” (Daiana Diez, 2007:1), .Tener en cuenta los momentos en que se puede dividir la clase -motivación, desarrollo de la actividad, orden y evaluación- y los tiempos aproximados que destinaremos a cada uno, contribuye al desarrollo de una dinámica fluida.

La “Motivación” (Daiana Diez, 2007:1, Vicktor Lowenfeld,2006:98), es el motor de la actividad. Debe ser rica, intensa, breve y acorde con los intereses de los niños; o sea, capaz de estimular los sentimientos, pensamientos y percepciones. El maestro debe estar entusiasmado con la propuesta y crear un clima lúdico y placentero. Cuentan aquí sus propias artes y la comunicación que establece con el grupo. Acotar el tiempo destinado para la motivación es fundamental, ya que cuando el disparador opera, los chicos deben comenzar a trabajar. Si se extiende demasiado y resta tiempo a la acción, de una clase para otra se pierde su efecto. Los recursos pueden ser diversos: un cuento, una música, una propuesta temática, un juego de representaciones, diapositivas, un video, una charla, una salida, la visita a una exposición o simplemente la presentación de una nueva técnica. Es interesante contar en el aula con libros o láminas de obras de diferentes artistas y también elementos de la naturaleza, tales como caracoles marinos, piedras, plantas, etc.

Una vez planteada la motivación, “desarrollamos la actividad”(Daiana Diez,2007:2) es importante que los materiales estén al alcance de los niños para que rápidamente puedan abocarse a la acción. La música suele ser un acompañamiento ideal para este momento de la clase. Ayuda a la concentración y a crear un clima agradable. Es bueno que puedan dialogar, pero cuidando que esto no les impida concentrarse. En verdad, demasiada articulación verbal no nos permite adentrarnos en un lenguaje más sensorial. En esta etapa de la clase, el maestro puede acercarse un poco más a los chicos en forma individualizada. No hay que interferir cuando están concentrados, simplemente estar a disposición si lo requieren. Es posible establecer un contacto más estrecho con todos. Hay chicos que son muy tímidos y esperan este momento para contar algo personal o consultar por alguna inquietud. No olvidemos que ellos están manifestando nada menos que sus emociones.

“Ordenar los elementos de trabajo”, (Daiana Diez, 2007:2), este suele ser el momento más odioso de la clase, pero es necesario destinar un tiempo adecuado para que las cosas vuelvan a su sitio. Es el momento apropiado para desarrollar una conciencia de cooperación y de cuidado de los materiales y del espacio de trabajo. La posibilidad de nombrar ayudantes rotativos permite que todos tomen conciencia de la necesidad de cooperación. Además, los diferentes materiales que se utilizan implican cuidados específicos que los chicos deben conocer para poder ser más libres en su uso y aprovechamiento. Un ámbito de respeto y colaboración, entre pares y con los adultos, también trasmite confianza para que se entreguen en una actividad expresiva.

El final de la clase puede ser el momento ideal para, periódicamente, reflexionar sobre lo realizado. Se pueden mostrar los trabajos y analizar el curso de la actividad; consultar sobre dificultades e intereses; y establecer nuevos proyectos o enriquecer los que se están realizando con los aportes de los chicos. Es un momento de devolución sumamente importante para visualizar los diferentes modos de expresión y el respeto con que debemos observar las obras de los demás. A mitad y a fin de año, es interesante realizar una “evaluación” (Daiana Diez, 2007:2), (escrita u oral) para saber cómo se sienten en la clase, qué es lo que más y lo que menos les gusta, sus sugerencias de cambios, etc. Esto nos ayuda a analizar el curso de la actividad y a mejorar la comunicación con los chicos.

Es ideal contar en la escuela con un “espacio destinado a la actividad artística”. (Daiana Diez, 2007:3), Esto facilita la tarea y favorece el rápido ingreso del niño a una actitud diferente. Mesas para compartir y poder utilizar hojas de diferentes tamaños, espacio para secar los trabajos, una pileta accesible, lugar donde guardar las obras y los materiales son factores que contribuyen a una dinámica más independiente. Lamentablemente, esto no siempre sucede, y el maestro de plástica se ve obligado a trabajar en la misma aula en que se desarrollan el resto de las materias. En ese caso, es valioso mesas intentar crear un clima especial de integración para la hora de arte, cambiando la disposición de y asientos o utilizando, en caso de ser posible, el piso o las paredes como apoyo para desarrollar algunas actividades. También es interesante, algunas veces al año, buscar nuevos espacios -el patio o algún salón, por ejemplo- o realizar alguna salida que permita otra dinámica de trabajo. Con respecto a los materiales, es importante tener en claro el momento y la forma de proponer su uso. Lo importante es que respondan a las necesidades expresivas de los niños y que ellos puedan conocer y explorar diversas formas de aprovecharlos. La posibilidad de variar los soportes para el trabajo es enriquecedora. Usar hojas de diverso grosor, textura, color y tamaño; dibujar o pintar sobre telas, maderas, telgopor, metal, lija, vidrios, espejos, cuero o muro permiten experimentar sensaciones variadas. También es interesante cambiar de perspectiva y trabajar sobre tableros, contra la pared o sobre el piso para modificar la forma de encuentro con el trabajo. Es real que en la mayoría de las escuelas se cuenta con pocos materiales. En este caso, hay que apelar a la creatividad del maestro, pues es posible encontrar muchos recursos interesantes en la naturaleza y entre elementos que nuestra sociedad desecha. Cuando están entusiasmados con una propuesta, los chicos se convierten en grandes recolectores y descubridores de maravillosos materiales para desarrollar sus obras. (2)

“El desarrollo de la creatividad” (Anacilia Aguirre, 2006:1) constituye una meta prioritaria de la educación. Para lograrla, se requiere que el docente sistematice el desarrollo creativo propio y de sus alumnos, se comprometa a profundizar en la práctica, la investigación y la creación de nuevas herramientas, conozca y comprenda los mecanismos, se familiarice con los métodos, estrategias diseñadas y genere formas propias para estimularla.

En la práctica son muchos los obstáculos que enfrenta la persona creativa y la organización escolar utiliza una serie de “mecanismos que inhiben el desarrollo de la creatividad” (Anacilia Aguirre, 2006:1) como:

La prohibición de hacer preguntas y tener opiniones divergentes. La tendencia natural del hombre a interesarse en el porqué y el cómo de las cosas, bien orientada, es una manera de desarrollar la curiosidad. No se valora la inteligencia que despliegan los estudiantes que preguntan, cuestionan, juegan y repiten las preguntas, frecuentemente se les da respuestas inadecuadas o no se les contesta, frustrando así su curiosidad e imaginación...

La presión al conformismo. Esta actitud tiene mucho que ver con los perjuicios frente al comportamiento creativo al que se equipara con anormalidad y deseo de llamar la atención.

La actitud auditora del adulto, crea un ambiente contrario al que necesita la creatividad para manifestarse que debe ser de aceptación, respeto, tolerancia a los ensayos y errores, no evaluativo, pues inhibe la producción de las ideas y la búsqueda de alternativas divergentes.

Estos mecanismos inhibidores deben ser superados con decisión, a la luz de unas teorías del aprendizaje: activista, constructivista, significativo, en las que el estudiante es el centro del proceso pedagógico y su actividad creativa garantiza sus niveles de apropiación, construcción y transformación del conocimiento.

Se hace urgente convertir los procesos de docencia-aprendizaje en sistemas creativos que transformen la práctica docente, tornándola más interesante, dinámica y útil. La docencia debe generar, fomentar, desarrollar y cimentar una lógica de pensamiento creativo como una estrategia necesaria que haga parte del trabajo cotidiano de los estudiantes que apliquen no sólo en el ámbito académico sino también en diversos escenarios para realizar una intervención renovadora y exitosa. “La Creatividad” (Anacilia Aguirre, 2006:2) es pensamiento en acción, capacidad para pensar de manera diferente, original e innovadora, dando como resultado la solución correcta a determinados problemas, y aportando algo hasta ahora inexistente.

“La institución educativa estimula el desarrollo de la creatividad, a través de la creación de un clima de libertad” ”(Anacilia Aguirre, 2006:4), el desarrollo de la creatividad y la inteligencia, se propicia en un ambiente rico que facilite la posibilidad de las preguntas, cuestionamientos, pensamiento dirigido al logro de un propósito, tener unos parámetros claros de lo que se pide. Y también estimula el desarrollo de la creatividad a través de la educación centrada en problemas, una educación centrada en problemas, exige una actitud de interrogación, de búsqueda, de investigación que está en plena sintonía con la que se requiere para el desarrollo de la creatividad. (3)

“Los peligros de la Educación Artística” (Ingrid Galeano Ruiz, 2006:3) en primer término figura el peligro del esteticismo, vocablo que significa aquí el resultado de unas pretensiones exclusivistas de lo artístico. La escuela no tiene por cometido la especialización de sus alumnos en una rama del arte; su finalidad principal no puede ni debe centrarse en enseñar las técnicas artísticas, sino, y sobre todo, en educar la sensibilidad del niño en la contemplación y ejecución de obras bellas. Se trata de educarle en la misma dimensión práctica y teórica con que la escuela desenvuelve otros aspectos de la vida intelectual y moral del individuo: cálculo, ciencias, historia, geografía, etc. No se trata tampoco de agudizar la sensibilidad del alumno hasta la hiperestesia artística. La idea de cauce, medida, formación, excluye cualquier tentativa desproporcionada en este sentido. También existe el peligro del intelectualismo, es decir, la excesiva racionalización del arte. Entre las tareas docentes que envuelven esta materia debe figurar el respeto de la espontaneidad del niño en su ejecución; que pueda plasmar en su obra los sentimientos e inquietudes que le mueven a realizarla, sin detenerse a considerar si es acertada o no desde la perspectiva lógica. Fijar normas estrictas y mecánicas, obligar a seguir de acuerdo con ellas, en cualquier trabajo artístico, un proceso exclusivamente racional, sería tanto como matar en su mismo origen la espontaneidad de la obra artística. Una de las razones para incluir en los programas escolares la educación artística ha sido precisamente la de descargar a la enseñanza del intelectualismo, riguroso y aburrido, de la escuela tradicional, y se debe cumplir ese papel en la medida en que la escuela pretenda la formación integral de los alumnos. Finalmente, cabe la posibilidad del eruditísimo, un peligro basado en la idea que concibe la educación estética como un puro conocimiento y acumulación de datos, fechas y lugares. Esto que puede estimarse como erudición artística, escasa o ninguna relación guarda con una verdadera educación estética. Más bien habría que considerar esta actitud como un aspecto de la cultura con que se trataría de satisfacer una curiosidad intelectual.

En resumen, una norma general que podría definir con bastante claridad cuál ha de ser la tarea de una educación estética bien entendida sería, en palabras de B. Lark-Horowits, la de «aprender a crear para aprender a captar». Importa, pues, que la educación artística no pretenda inculcar en el niño un amor exagerado y excluyente por lo bello; e importa asimismo no dar a este aspecto educativo un predominio absoluto sobre otras ramas del saber. La educación artística es un complemento indispensable en la educación integrar básica del individuo: éste es su papel dentro de la escuela. (4)

“El maestro es promotor del arte” (Buenas tareas.com:2010:1) desde el momento en que el comienza a fomentar en el niño el gusto propio por el arte, ya sea cualquiera de sus manifestaciones desde un simple dibujo hasta un baile regional o una obra de arte pintada al oleo. El niño debe de reflejar en el aula la expresión artística de acuerdo a los estímulos que reciba en su casa y hasta del propio maestro ya que en determinados momentos el maestro es el que debe de contribuir para que el niño desarrolle las habilidades y el gusto propio por el arte de acuerdo a como ya lo mencione, a los estímulos que reciba el niño y hasta sus propia creatividad al poner en juego con los colores y los trazos. Es importante lograr “estimular la imaginación y la creatividad” (Buenas tareas.com, 2010:1) ya que por medio del arte el niño puede expresarse de manera no verbal pero de igual manera trasmite su sentir y hasta sus propias formas de pensar y de actuar frente a las diversas situaciones de la vida. Los recursos que el maestro puede utilizar no tiene límites ya que el maestro de acuerdo a su propia creatividad él puede desarrollar actividades con el material que tiene a la mano y de una manera más originar le fomenta la niño la creatividad. El maestro se puede valer de los materiales que el niño tienen en la comunidad sin necesidad de comprar materiales costosos que no le favorecen tanto la creatividad el niño puede usar los materiales que él tiene en su casa o comunidad. Los lugares en los cuales el niño se sienta bien y no esté bajo presión y donde él se encuentre relajado para expresar por medio de la artística tantas cosas que el quizás no se aprevén a decir. Una actividad que el maestro puede hacer en la escuela para que los niño se relajen seria sacar a los niños a alguna área verde que se encuentre dentro de la escuela con sus cuaderno y con colores y que te dibujen que observan y que lo coloreen, o hasta un pequeño recorrido por la comunidad y que dibujen lo que observaron. (5)

Diseño Metodológico

El trabajo se sustenta en el Paradigma Interpretativo porque busca comprender los problemas de aprendizaje y capacitación de un alumno de profesorado de Artes Visuales. Para ello toma la realidad e intenta comprenderla. En este sentido, el interraccionismo simbólico sostiene que el propio individuo construye su acción. Ante la situación el individuo interpreta y valora las cosas con las que tiene que contar para decidir su forma de actuar. Además porque usa técnicas como la observación y las entrevistas, encuestas.

Buscando promover una adecuada sistematización y participación de los asistentes. Lograr que las técnicas analizadas sirvan a los alumnos del profesorado de Artes. Se confeccionara una carpeta de técnicas innovadoras.

Técnicas e Instrumentos

Las Técnicas de investigación que se utilizaran son:

La Observación: Se observara atentamente el desarrollo de las clases en el área de artes y se registrara la información para su posterior análisis, la observación será directa, no participante, no estructurada, de campo e individual.

La Entrevista: Se entrevistara a la directora, de la institución, ya que es la que vela por el futuro de la misma y posee conocimiento acerca del tema.

La Encuesta: Se realizara una encuesta a algunos profesores del área artística de la Institución para poder comprender mejor el tema, ya que los profesores son empleados del Instituto. La encuesta será personal e estructurada, el cuestionario será de administración indirecta a base de preguntas abiertas y cerradas de información.

Los Instrumentos: que se utilizaran para realizar la investigación serán: un cuaderno de notas, una grabadora de MP3 y una Cámara Fotográfica.

Cronograma de Tareas

N Actividad Fecha y duración.

1

2

Presentación a autoridades de la Institución Educativa, la nota para realizar las observaciones y las entrevistas.

Se le hará una entrevista a la directora y se encuestara a cuatro docentes del área Artística y se procederá a realizar las observaciones en los talleres de Artes Plásticas y Artes Manuales.

4 de Diciembre de 2012.

10:00 hs.

4 de Diciembre de 2012

13:30 hs. a 17:30 hs.

Recursos, Humanos y Materiales

Recursos humanos:

El personal de la Institución Educativa, 1 personas entrevistadas y 4 encuestadas.

Recursos Materiales:

Computadora, Cámara fotográfica, grabadora de audio y video.

Medios de información, internet, revistas, libros, diarios, videos, fotos, etc.

Conclusión

El fin último de la educación Artística es “la formación integral de la persona”, lo que incluye dotar al alumnado de recursos y habilidades que le permitan tomar decisiones autónomas. El recurso del Arte ofrece esta posibilidad pudiendo proponer al alumnado varias actividades que le “obliguen” a tomar decisiones por el mismo, ofreciéndole elegir su “camino”. Y ya que el alumno es el eje del proceso de enseñanza, consideramos que la mejor forma de aprender es la de “aprender haciendo arte” porque todo el proceso es activo por parte del alumnado.

Así por todo lo anterior, podemos afirmar que el uso de nuevas técnicas o métodos por parte del profesor, en el campo de la educación Artística, ayuda a cumplir los principios de Actividad, Individualización, Socialización, Autonomía ejes fundamentales del proceso de Enseñanza – Aprendizaje.

BIBLIOGRAFIA

(1) DESARROLLO DE LA CAPACIDAD CRADORA;

LOWENFELD VIKTOR, BRITTAIN W. LAMBERT,

EDICIONES KAPELUSZ; octava edición, serie didáctica; Biblioteca de Cultura Pedagógica. Buenos Aires (Argentina) 2006.

(2) Planificando la clase de artes

Por Diana Diez

ESCOLARES.COM.AR 2007

(3)"Aprendizaje creativo: misión central de la docencia"

Anacilia Aguirre, Luz Ángela Gómez y Luz María Espinosa

Copyright © Pereira - Colombia - 2006

(4) Expresarse en el aula – peligros de la educación artística

Web máster: Ingrid Galeano Ruiz

Derechos Reservados Revista de Ciencias Humanas - UTP

Copyright © Pereira - Colombia - 2002

Ultima Modificación, Enero de 2006

(5) El Maestro Promotor Del Arte En La Escuela Primaria

Enviado por jonathan4890, Agosto de 2010 | 2 Páginas (363 Palabras) | 827 Visitas

(2010, 08). El Maestro Promotor Del Arte En La Escuela Primaria. BuenasTareas.com. Recuperado 08, 2010, de http://www.buenastareas.com/ensayos/El-Maestro-Promotor-Del-Arte-En/626293.html

Revistas

(6) Valiosa contención social de los talleres.

Revista Magazín Semanal – sección compartir la vida.

Domingo 15 de Enero de 2006

(7) La Maestra de la Patria.

Revista Magazín Semanal – sección mujer en acción.

Domingo 19 de Mayo de 2006

(8) Tiempo de balance y compromiso.

Revista Magazín Semanal – bajo la lupa.

Domingo 14 de Agosto de 2005

Películas, Documentales y Videos

(9) Una Escuela Innovadora

Documental

Director: Mario Piazza

(10) Capacitación y Actualización Docente 1

Tema: La escritura y la formación investigativa del maestro.

Cursos Educativos – A.M.E – CL@SE

(11) Capacitación y Actualización Docente 2

Tema: El devenir de la Escuela.

Cursos Educativos – A.M.E – CL@SE

(12) Los 7 hábitos de la gente altamente efectiva

Tema: La inteligencia Creativa.

Edición Diamante: Daniel Goleman

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