Proyecto animado

INTRODUCCIÓN

El presenta trabajo esta destinado a presentar al cine animado como un género interactivo y, más que todo, creativo, capaz de llegar al inconsciente de las personas y capturar su atención, logrando abarcar un amplio lugar en la industria cinematográfica.

Me centrare en describir las técnicas para elaborar una animación, puesto que es sumamente importante para aquellos que, como yo, estudiamos Comunicaciones, el conocer de diferentes métodos para producir todo tipo de películas, y más aun utilizando las nuevas tecnologías.

En el primer capitulo describiré los conceptos básicos, definiendo en primer lugar lo que es Animación, para finalmente concebir el concepto de Cine animado. Asimismo, presento las técnicas más representativas y los principios básicos para lograr una buena animación.

Luego, se hará una breve descripción de los antecedentes y un poco de historia para observar como va evolucionando este género cinematográfico.

Finalmente, abordare los filmes que han sido los representativos de las ultimas dos décadas, que han logrado cautivar a millones en todo el mundo y los Festivales de cine animado que se desarrollan desde hace unos años y que reconocen la calidad y creatividad del cine animado.

CAPITULO I Marco teórico

1. ¿Que es el cine animado?

La palabra animación ´proviene del latín anima, que significa Alma. Por lo tanto, Animar se traduce como “dotar de alma” aquello que no la tenga.

De acuerdo con el animador norteamericano Gene Deitch, “animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.”

Por lo tanto, animar es construir movimientos. Cada dibujo o movimiento carece de valor tratado en forma aislada, deben ser vistos en conjunto y ordenados secuencialmente. Debe verse todo el movimiento en términos de su continuidad.

Pero no podemos encontrar una definición exacta, puesto que el cine “se ve envuelto en un cambio tecnológico en donde la calidad y verosimilitud de las imágenes ya no dependen de una cámara y una película, sino de toda una aplicación de tecnología de punta; en donde se crean imágenes con vanguardia tecnológica más sofisticada del momento […]”[1] En realidad, el concepto va cambiando con el tiempo, puesto que la tecnología crea la necesidad de hacerlo. Se habla de animación tradicional y de animación por computadora, encontramos animadores que no saben lo que puede hacer una computadora, o animadores que nunca han dibujado con un lápiz. Con todo esto, podemos ponernos a pensar en cómo será la animación dentro de algunos años, o en cómo será el cine mismo. Llegamos a la conclusión de que el cine seguirá siendo cine mientras sea proyectado en salas cinematográficas, de la misma manera el cine animado, utilice o no utilice cuantas técnicas se inventen.

A pesar de que la animación suponga un cierto grado de estilización grafica, no quiere decir que se deba copiar con exactitud la realidad, sino que se trata de recrearla, utilizándola y modificándola a nuestro antojo, buscando la simplificación de los detalles. En la animación se rompen y se exageran todas las reglas físicas de tiempo, espacio y movimiento. No sólo es necesario conocer las técnicas, el lenguaje y el arte cinematográfico, ver y comprender el movimiento es fundamental para hacer animación, por eso es que la animación es a veces considerada como el Octavo Arte.

No obstante, para hablar sobre cine animado se necesitan conocer ciertas técnicas. Se sabe que el cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un cierto número de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.

2. Técnicas más utilizadas para la animación

Como señalamos antes, la animación requiere de ciertas técnicas que permitan representar la realidad de una manera creativa y creíble. Se ha dado por sentado que los dibujos animados son los únicos que producen animaciones, a pesar de que son solo una de las técnicas de la animación cinematográfica. Debido al desarrollo que con los años gano el cine animado, se necesito de formas de expresión y producción que, junto con manifestaciones estéticas, propiciaron la aparición o adaptación de técnicas para crear la ilusión de movimiento. Por lo tanto, presentaremos primero, los integrantes de un equipo de animación y a continuación un listado de las más utilizadas y representativas para entender de forma práctica esta rama de la cinematografía.

1. Equipo

Director y productor son los primeros en conformar el equipo, puesto que para realizar una película se necesitan primero que todo una idea y un capital.

Luego viene el guionista, parte importante sin el que no podría haber una historia estructurada en personajes, acciones, diálogos, etc. Estos son los integrantes básicos de un equipo, pero no pueden hacer bien su trabajo sin el resto de personas que también lo conforman:

Creativo: Diseña los personajes bajo las indicaciones del director. Generalmente es el animador principal.

Animadores: ejecutan los dibujos clave de cada movimiento completo.

Intercaladores: realizan los dibujos intermedios, los que complementan la acción principal (dibujos clave).

Fondistas: siguiendo las indicaciones del director, realizan los fondos o decorados.

Pintores de celuloide: pintan por el revés los acetatos una vez que están dibujados en su totalidad.

Especialistas de chequeo: supervisan los acetatos que se van realizando, para detectar posibles errores y tratar de corregirlos antes del rodaje fotograma a fotograma.[2]

2. Animación tradicional

Antes que todo, debemos saber que la proyección sonorizada corre a 24 cuadros por segundo, lo que impone sobre el animador una gran cantidad de trabajo, es por eso que se han hecho necesarias tantas técnicas a lo largo de los años.

Ahora, la técnica de animación tradicional consiste en dibujar a mano cada uno de los cuadros. Por lo general se hace interponiendo varias imágenes, así al dar un movimiento continuo dará vida a un personaje animado. Es la técnica más antigua y utilizada, en especial en televisión, aunque poco a poco ha sido desplazada por la animación digital.

Se empieza dibujando en hojas de papel (o calcos) perforados, para que encajen unos con otros en la base. Generalmente, se dibujan los cuadros clave de una escena, aquellos más importantes y necesarios para describir la acción de la escena.

Para que los cuadros coincidan con el audio, el animador primario (Key animator o lead animator) prepara una prueba a lápiz, es decir, una versión preliminar. Así se puede previsualizar la animación completa y puede corregirse si algo salió mal o mejorar algunos detalles. Luego, los asistentes de animación se encargaran de añadir los últimos detalles y agregar cuadros intermedios entre clave y clave. Finalmente, el animador primario poda aprobar o volver a corregir el conjunto.

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1. PROCESO

Storyboard

Todo proceso de animación empieza con el Storyboard. Se trata de “una etapa donde se evalua si un proyecto es viable o no, y se ofrece entonces oportunidad al animador de orientar su personalidad y los sentimientos que quiere comunicar: la etapa es esencial para toda película, pero para una película de animación es indispensable” [3]

Para filmar o producir una película, es necesario tener una guía para tener en cuenta lo que se debe y no se debe hacer durante el trabajo. Esta guía es el storyboard, un desglose gráfico de lo que será la película o vídeo final pero dibujado y con las anotaciones necesarias para cada escena. Servirá como un tipo de prueba, similar a una tira cómica gigante. Los dibujos son hechos a mano alzada y de forma rápida (como si fueran notas o apuntes).

El storyboard facilita el trabajo a cada miembro del equipo de animación. Permite planificar la acción de los personajes, decidir qué pintar y en dónde dejar espacios para que se sitúen los personajes, etc. Un ejemplo claro lo tenemos en la producción de James y el durazno gigante (1996) de Henry Selick, quienes gracias al trabajo de storyboard, pudieron realizar un excelente y preprogramado trabajo de iluminación para las distintas escenas.

Animatic

Originalmente llamado Leica reel, debido a que la marca de lente que se usaba para esto era la alemana Leica. Se trata de una previsualizacion, que se hace antes de que el proceso de rosaje inicie. El animatic es una pieza audiovisual que reúne las imágenes del storyboard con la pista de audio preliminar para sincronizarlas. Asi,. Si se encontraran fallos durante la reproducción, se procedería recomponer las escenas o el guión, es decir, puede corregirse

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