MITAD DEL SIGLO XIX: NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO

MITAD DEL SIGLO XIX: NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO

En Paris, en 1874, un grupo de pintores, que serian llamado despectivamente impresionistas porque sus cuadros se interpretaron como meras <> inconsistentes, expusieron por primera vez sus cuadros en el local del fotógrafo Nadar. Treinta años después, en el Salón de Otoño en 1905, uno de los varios lugares alternativos al salón oficial, se dieron a conocer los fauves, es decir los <>, así llamados por la agresividad que parecía tener sus colores, aunque resultaba un apelativo impropio, que denotaba la incomprensión inicial de sus intenciones, es entre estas dos fechas donde la ciudad de parís se convirtió en el escenario del nacimiento del arte moderno.

Dicho nacimiento no puede entenderse más que como culminación de experiencias anteriores, no hubiese sido posible sin la existencia de numerosas corrientes críticas, acostumbradas a debatir sobre el sentido de la creación artística y su relación con la vida, y a un incipiente mercado artístico al margen del estado y los salones oficiales, donde galeristas, marchantes y coleccionistas privados se embarcan en la promoción de artistas y grupos que, solo con el tiempo, contaran con apoyos mayoritarios.

En París, la recepción publica de estos grupos, que marcan una ruptura con la tradición, se produce sucesivamente; los impresionistas exponen ocho veces entre 1874 y 1886 y algunos de ellos recapacitan en distintas direcciones sobre las consecuencias del impresionismo, es lo que se llama postimpresionismo.

El nacimiento del arte moderno se percibe como un fenómeno general de modernización pictórica, que cada artista recoge e interpreta de manera personal. Esta modernización implica la pérdida de los valores narrativos, de carácter externo, frente a la importancia de los elementos propios de la pintura, sobre todo la sugestión que por sí mismo produce el color, así como una percepción intimista y subjetiva que se aleja de toda la retorica que había tenido hasta entonces.

IMPRESIONISMO

El impresionismo es una escuela pictórica desarrollada en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX, que trata de captar la impresión inmediata que producen la visión del natural, generalmente al aire libre, por medio de una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y colores puros. La aparición de esta escuela estuvo acompañada por una serie de circunstancias:

•  Una reacción contra los contenidos narrativos de la pintura de los salones oficiales que defendían la aplicación de un recetario histórico-artístico, frente a los verdaderos valores de la creación y del lenguaje plástico.
• La conciencia de fugacidad de la vida moderna, que parece un perpetuo devenir dominado por sensaciones.
• Diversas experiencias ópticas, que los pintores aplicaron intuitivamente, como la influencia que producen determinados colores al lado de otros o la llamada mezcla óptica, es decir, la combinación de pinceladas de distintos colores al ser contempladas en la distancia.
• Innovaciones técnicas en los útiles del pintor, como los lienzos industriales y los tubos de colores, que produjeron una fascinación por su viveza y contrate, además de fomentar la materialidad de la superficie pictórica.
• El auge de las experiencias fotográficas y en particular de la instantánea, que introdujo múltiples puntos de vista en los encuadres y acabo con la idea de composición ordenada en términos tradicionales.
• La recepción de estampas japonesas, que revelaban un gusto muy distinto del occidental, con colores claros y luminosos y un espacio plano.

Exponentes del impresionismo

Camille Pissarro (1830-1903) considerado como el principal paisajista del impresionismo, es famoso por sus vistas de Paris, aunque estas fueron pintadas en los últimos años de su vida. Si bien en su pintura se pueden encontrar influencias de autores como Corot y Courbet, su obra cobra una especial factura debido a que sus trazos son más desdibujados, completamente inmersos en el espíritu del impresionismo.

Alfred Sisley (1839-1899) caracterizado por ser autor de paisajes apacibles, con una pincelada deshecha y luminosa, se había formado junto a Monet y Renoir en el estudio del clasicitas Gleyre. Alejandose del maestro y junto a sus compañeros, prefirió la luminosidad de la pintura al aire libre, lo que tenía una notable influencia en el resultado final, tanto de sus obras como de las pinturas de sus compañeros.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) aplicó la visión impresionista a la figura humana, con una pincelada pequeña y un acabado oleoso. Se ha dicho que sus inicios como pintor de porcelanas influyeron en su técnica. Mostraba una gran preocupación por los efectos de la luz sobre la piel, las variaciones tonales que se creaban, asi como los brillos que podían resultar. Alejado en un principio del dibujo, creaba por medio de las manchas de color, que se mezclaban en el ojo del vidente, y creaban las formas. En sus últimos años, sin embargo, volvió al dibujo academicista, con una menor importancia del color en la composición.

Claude Monet (1840-1926) después de llevar a cabo en los años setenta, las obras más típicas, evoluciona hacia una pintura que disuelve el motivo. El manifestaba que no había que pintar los objetos, sino fijarse en los colores que los componías.

POST IMPRESIONISMO

El termino post-impresionismo se reserva a aquellos pintores vinculados al grupo impresionista que, en un momento dado de su evolución, hacia los años ochenta del siglo XIX, emprenden un camino de radicalización formal, que lleva la pintura hacia metas completamente distintas.

George Seurat (1859-1891)

La obra pictórica y teórica de Seurat constituye el punto de partida de una corriente pictórica denominada divisionismo o puntillismo, que pretendió hacer del impresionismo un procedimiento de representación científica, basado en el análisis de cómo son percibidos los colores por el ojo humano. Se trata de une técnica que reproduce las cosas mediante pequeños puntos de colores yuxtapuestos, cada uno de los cuales traduce los distintos tonos de color que vemos.

Paul Cézanne (1839-1906)

Es el resultado de una búsqueda individual, que aspira a devolver a la pintura la solidez y monumentalidad que había perdido con el impresionismo. Se fijaba siempre en los mismos motivos, bodegones o paisajes con figuras, que repite con objeto de explorar su dimensión volumétrica, pero sin recurrir al claroscuro. De este modo yuxtapone tintas de color, por medio de pinceladas con toques uniformes y paralelos, que generan una estructura armónica de planos, en la que se basa a composición del cuadro, que cobra sentido propio al margen del motivo.

Además, empieza a representar las cosas, dentro del mismo cuadro, como si fueran vistas independientes una de otras, de manera que produce imágenes incongruentes con la perspectiva tradicional.

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Dada su condición de artista no profesional, plasmó en su pintura una necesidad creativa salida de lo más hondo de su personalidad. Nacido en Holanda, entró en contacto con las novedades impresionistas a partir de su instalación en París en 1886, en concreto el toque puntillista y la claridad de la estampa japonesa. Pero fue en el soleado sur de Francia donde realizó su obra más característica.

Allí, la pincelada se hace más gruesa, se agita y ondula como si estuviera arrastrada por un torbellino que va definiendo la forma de las cosas, más alla incluso de ellas mismas. Los colores son planos, pero fuertemente empastados, dados con energía, reflejo de la intensidad que emana del alma del artista.

Paul Gauguin (1848-1903)

Representa un esfuerzo creciente y continuado por hallar en el mundo primitivo lo esencial de la condición humana. Gauguin se estableció en Bretaña donde configura un estilo pictórico denominado sintetismo, inspirado en las vidrieras y esmaltes del arte medieval, donde las figuras ya definidas por líneas que componen un ritmo ondulante en una superficie plana rellena de colores brillantes e irreales producen un efecto mágico. Luego descubre las posibilidades de la pintura para expresar contenidos simbólicos y en 1891 se instala en Tahití donde funde símbolos religiosos de oriente y occidente, idílicamente armonizados, fruto de una pureza ancestral.

Uniéndose de ese modo a la corriente artística del simbolismo trata de evocar ideas inmateriales o suscitar emociones espirituales, a través de imágenes, colores y formas alejadas de toda descripción física o real. Sus temas inspirados en la religión, la mitología o en ritos o actitudes misteriosas, adquieren valores simbólicos. Los simbolistas recuperan el interés hacia lo místico frente a lo natural, de lo enigmático frente a lo comprensible, y sobre todo de lo intelectual frente a lo sensorial.

INICIO DEL SIGLO XX: LAS VANGUARDIAS

Se usa el término vanguardia para aludir a la manera brusca en que estos movimientos se abrieron paso en un contexto artístico que todavía dependía estéticamente de modelos tradicionales, con los que chocaron a causa del radicalismo de sus propuestas. Sin embargo, se califican de históricas porque sus hallazgos y alternativas ya forman parte de la cultura occidental.

La causa de la aparición de las vanguardias hay que buscarla en la multiplicación de las formas de percibir el mundo y su organización. El arte deja de ser la expresión de un ideal colectivo unitario porque la sociedad no es uniforme. El artista ya no reproduce lo que otros consideran bellos, sino que investiga y encuentra.

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