EL RENACIMIENTO GUIA DE ESTUDIO: EL ARTISTA

HISTORIA DEL ARTE

PRO: MERCEDES PÉREZ CAZAL

ALUMNA: MARÍA DE LOS ÁNGELES MARTÍNEZ ORTÍZ

EL RENACIMIENTO

GUIA DE ESTUDIO: EL ARTISTA

1. ¿La palabra artista, existía en esta época? ¿Que se valoraba? No existe. La palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Se valoraba la atención hacia el trabajo de los patricios, el interés por los técnicos, la exaltación de los recursos del oficio y la profundización del carácter operativo de esta actividad.

1. ¿Cómo un artífice llega a la maestría? ¿Cómo era el esquema de evolución? El artífice no tiene que pasar por la escuela sino por un estudio organizado para ser aprendiz y ganar poco a poco los galones, es decir, la maestría. El esquema de evolución se repite constantemente. Una formación especial larga y continua, lo que le da ánimos y a veces el salto delante del genio que nunca pierde contacto con el oficio.

1. Contratos: lee las formas jurídicas. ¿Cómo se otorga la “pro manu sua”? Las formas jurídicas contaban mucho. El estudio de estos documentos evidencia ante todo un formalismo precavido, precisiones materiales y financieras, advertencias en caso de retrasos o de una obra mal hecha. Estos contratos se basan en el modelo de locatio operarum que implica merces y no pretium. A menudo se le da al pintor un modelo a seguir, reservándose el derecho a rechazar la obra. La pro manu sua se otorga al tiempo de ejecución de la obra. Estos contratos parecen tanto más estrictos cuanto más menos se cumplían.

1. Explica el reparto de trabajo dentro de la bottega, firma de la obra y certificación. Lugar del ayudante. El reparto de trabajo dentro de la bottega es fundamental. Se trata siempre de un trabajo de equipo dirigido por el maestro. No se realizan frescos sin ayudantes ni retablos sin colaboradores, ni esculturas monumentales sin asistentes. Se trata de una práctica generalizada que atañe tanto al equipo como al maestro. En cuanto llega el éxito la bottega se amplía y los colaboradores, fieles ejecutores de los cartones del maestro intervienen cada vez mas. En un considerable numero de casos, el artista es la firma. Lo que cuenta es la marca de origen, la procedencia. De aquí viene la aparición de la firma, especialmente en las obras que se exportan y muy a menudo la obra certificada conlleva una importante colaboración de los ayudantes.

1. ¿Formas de pago al artifex: entre todas las formas ¿Cuál sería cuando la retribución se fija en moneda de oro? Muchas veces los contratos proveen el pago de honorarios en especie: Sacos de granos, barricas de vino, etc. Si se trata de efectivo se paga al artifex monedas de plata u oro. Cuando las diferencias de salarios pueden ser considerables: el favor, el renombre, juegan un importante papel. El momento que sanciona la consecución de una posición social similar a la del mercader de las artes mayores, es cuando la retribución se fija en monedas de oro.

1. ¿El artifex politechnes: Cuál sería su alcance? Nombre común que se le daba a los fenómenos nuevos. El principio es el mismo: un joven entra a un taller de pintura y en muy poco tiempo aventaja a todos. El impulso que lo anima es la búsqueda de una obra maestra. Al imponerse en un oficio es raro no tener éxito en otro. Una de las características más frecuentes e interesantes de la época es la incitación al talento a desarrollarse en varios e incluso en todos los terrenos. Este fenómeno bastante nuevo en el cual se expresa la unidad de la actividad artística.

1. ¿“Arti del disegno”, a que se le definía? Su formulación original se atribuye al pintor, arquitecto, urbanista y teórico Giorgio Vasari que señala el parentesco entre las tres artes visuales (arquitectura, escultura y pintura) por medio de un origen común, y en la práctica. Para Vasari, las tres artes están interrelacionadas porque, al menos en parte, brotan de la misma fuente, insiste sobre la imagen del disegno como progenitor de las tres artes visuales.

Ambiente artístico renacentista: Los ambientes artísticos no tenían buena prensa. Las discusiones de dinero, las trivialidades llevadas hasta la difamación, hasta el crimen, el vino, los escándalos, el libertinaje, todo esto constituye un abundante material formado por informes policiales en lo que no todo es leyenda, donde los bullicioso artífices constituían una pequeña sociedad dentro de la sociedad con costumbres y fantasías que ha hecho las delicias de los cronistas.

1. ¿Que era la botegue y qué función cumplía? Cofradías. La botegue no solo eran pequeños hogares de vida comunitarias sino también a veces una especie de cenáculo.  Se discutía de todo, de política y de arte. Las cofradías, fueron lugares en la que sus miembros se divertían mucho. Sus diversiones consistían fundamentalmente en cenas organizadas con extraordinaria fantasía, con grandiosos entremeses. Estas Sodalitates paródicas y de algunas maneras rabelecianas se desarrollaron durante el siglo XVI.

Incidentes en Venecia: Es el momento en que el artista se distancia del comitente, fue el rasgo más inesperado y en definitiva el más revelador de esta evolución.

1. ¿Cómo trabajaba el artista en el Renacimiento? La acrecida demanda de arte en el Renacimiento hace que el artista deje de ser el artesano pequeño-burgués que antes era y se convierta en una clase de trabajadores intelectuales libres que antes sólo existía en algunos desarraigados, pero que ahora comienza a formar un estrado económicamente asegurado y socialmente consolidado, aunque no puede decirse que como grupo social esté en modo alguno unificado. El artista siempre trabaja por encargo, sin embargo dentro del programa fijado por el contrato puede moverse a su antojo sin restricciones y además tiene medios para librarse de ciertos compromisos. No todos tenían la actitud independiente y desenvuelta de algunos grandes maestros del arte, respecto a sus obligaciones.

 Un lugar en la cultura: comenzó una evolución decisiva para la iglesia con Nicolás V y Pio II el arte moderno se convierte en el arte de la iglesia, donde se produjo un breve pero significativo reinado de Adriano VI, que quiso acabar con todo esto. Los Medici adquirieron fama de proteger el arte, dicho de otro modo, la corriente general hacia una producción incluso una superproducción  artística  no carecía de resistencias y oposiciones.

1. ¿Cuál era la opinión de Leonardo, Miguel Ángel y Botticelli, sobre la intelectualidad de un artista? Leonardo decía que la pintura es una cosa mental, mientras que Miguel Ángel simplemente afirmaba que el artista merecía un status de intelectual y decía que no se pinta con las manos sino con el cerebro. Boticelli se creía capacitado para ilustrar a Dante, a pesar de ser una persona sofisticada.

1. ¿Qué trayecto tuvieron que andar para lograr que los arquitectos fueran reconocidos y los tratados fueran concebidos como los buenos métodos? En primer lugar un discurso en forma de manifiesto que expone las intenciones culturales del príncipe expresa que la  arquitectura es el arte mayor y no debe surgir de la práctica. Su razón de ser, su virtud, es la base matemática a través de la cual adquirió la dignidad de las artes liberales. Los términos elogioso que acompañan habitualmente a los contratos, se han convertido en un manifiesto y en un programa. En un segundo plano se puede apreciar una voluntad de descompartimentación de las disciplinas. El universitario ya no tiene monopolio del saber. Este descansa en determinados portadores de ingenio y de la virtud necesaria para la modernidad. La arquitectura  es el interlocutor privilegiado del poder. La condena de la construcción sin regla a la que de manera simplificada, significa que se esperaba todo de un saber elevado el de las matemáticas indiscutibles y en principio accesible a todos.

1. ¿Porque la arquitectura y la música reflejaban las artes liberales? Porque disponían de una teoría que el tratado de Gafurius: tehorica musicae, 1492,  ayudaba por ejemplo a comprender su alcance

Audendi Potestas: Palabras tomadas de un verso de Quinto Horacio Flaco, (65-8 A.C.). Donde dice que los pintores y los poetas han tenido siempre con equidad, el derecho de atreverse a todo.

1. ¿El artista y su intelecto eran libres, en los temas a pintar, en la creación? Los artistas, grandes o pequeños, estaban en todas partes, en contacto o al servicio de las autoridades eclesiásticas o de las organizaciones piadosas.  En la iglesia existía una corriente rigorista a la que le preocupaba, no solamente la inmortalidad de los hombres sino también la conveniencia de las obras. Esta corriente se expresaba periódicamente a través de censores que deploraban una evolución descontrolada. Las historias de la Biblia eran tratadas libremente por los pintores. Lo que legitima estas Potestas son las dotes personales, el ingenio, lo que hace el artista. Ya no se trata al principio de una gentil princesa sino que es un artista en el sentido moderno del término que pretende que se respete su ingenium. Claro está, no todo el mundo se encontraba en esta situación, sin embargo la idea de que existía una cierta distancia entre el programa o el encargo y lo que posteriormente será la obra realizada tras su elaboración, sitúa al artifex a mitad de camino entre el artesano y el poeta. En esta situación de hecho dejaba en manos de las autoridades locales, de las órdenes y de las cofradías, la tarea de decidir en estas cuestiones.  La indulgencia que se tenía respecto a la vida independiente, tiene una especie de paralelismo en la libertad dejada a su imaginación. El pintor o el escultor se encuentran lejos de estar controlados por la autoridad religiosa mediante normas precisas. En los muros de las capillas y en los altares se supone que la obra debe responder a las necesidades de la devoción pero su autor también pretende y cada vez más, ser apreciado por sus propias cualidades por el oficio de pintor o de escultor.

Virtud y gloria de los artistas: Hacia 1456 a la fuerza literaria responde la del arte. Época en el que se mencionaron dos pintores, Guiotto y de Cimabue, en el canto 11 del purgatorio. La mención de los dos pintores tuvo enormes consecuencias debido al peso de los comentarios que no hacían referencia al arte sino a la personalidad de Guiotto: se admiraba después de Dante, y con él, el hecho de que un simple artesano pueda acceder a la gloria.

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