El nuevo Resumen Burkholder cap 13 a 17

Capítulo 13

1: Contexto

  Luego de la guerra, Europa estaba pasando por diferentes cambios.
 Revolución Científica: Estaba liderada por los nuevos investigadores que se apoyaban en los aspectos matemáticos y lógicos y no en las opiniones de los demás. Entre ellos estaban Johannes Kepler que demostró que la tierra giraba entorno al Sol junto con otros planetas. También estaban Galileo Galilei con sus leyes del movimiento, e  Isaac Newton con su teoría de la Gravedad.
 Esta nueva forma de pensar desarrolló nuevas formas de ver la música. Se produjo un nuevo interés por lo útil y lo práctico.
 Nuevos pensamientos políticos también influyeron. Surgieron personas como Levellers que apoyaban los derechos de todos los hombres. También había gente, como Thomas Hobbes que quería un estado soberano y todopoderoso.
 Loa conflictos religiosos dentro del Sacro Imperio Romano derivaron en la Guerra de los 30 años. La guerra civil Inglesa también tuvo aspectos religiosos.
 Italia siguió siendo enteramente católica, aunque los españoles mantuvieron su dominio sobre el sur.
 Se produjo la expansión ultramarina. Durante este siglo, británicos, franceses, y holandeses establecieron colonias en América del Norte, el Caribe, África y Asia.
 El primer sistema Capitalista fue desarrollado en Inglaterra, donde llegaron a la conclusión de que era más práctico que el dinero perteneciera a los individuos que lo gastaran, a que se mantuviera en manos del estado. Esto fue el gran motor que derivó en el surgimiento de la ópera pública y de los conciertos públicos. También creció la demanda de música publicada, instrumentos musicales, y de música entre la clase alta y clase media.
 Los músicos siguieron dependiendo del patrocinio de la corte y de la iglesia. La misma estaba dividida entre los Cristianos y los Protestantes.
 Comenzaron a usar la música como una forma de competir por el prestigio.
 En Francia, el poder y la riqueza se centraron cada vez más en Luis XIV quien formó una Monarquía Absoluta. Él controló las artes, incluida la música, y las utilizó como medio para afirmar su gloria. Como resultado del crecimiento Francés, la música de este país fue más imitada que todas las demás.

  Con todos estos cambios surgieron las Academias  en diferentes ciudades. Estas eran asociaciones privadas que apoyaban las actividades musicales. También se establecieron teatros de Ópera, siendo Venecia la primera en tener uno, en el año 1637.  En Inglaterra también surgieron, comenzando con Conciertos Públicos, en los que la gente pagaba una entrada para poder asistir.

  2. Barroco Dramático

  El término Barroco se usaba para decir algo anormal, estrambótico, exagerado, o de mal gusto. Deriva de la palabra en Portugués, que significaba “una perla irregular”. Al principio se aplicó a la música de manera degradante por los críticos del siglo XVIII que consideraban a la música como algo poco melodioso o con cambios de compas caprichosos. En el siglo XIX los investigadores comenzaron a apreciar las ornamentaciones o las formas expresivas tanto en la música como en la arquitectura y la pintura, y el término pasó a tener un significado positivo.

  Según los historiadores, la época Barroca va desde el año 1600 hasta el 1750. Fechas aproximadas en las que los compositores y artistas de la época compartieron formas de pensar y expresarse similares. Lo más importante es que valoraron el poder que tenía la música de mover los afectos.

  Lo que más importaba en el barroco era mover mediante el arte los sentimientos. Hubo una concentración del dramatismo. Surgimiento de asociaciones de intelectuales y músicos, generalmente aristócratas que discuten e investigan los textos de la Edad Media (por ejemplo la Camerata Florentina).

  En la Literatura podemos encontrar gran aparición de Dramaturgos, tales como William Shakespeare, Jean Racine, Ben Jonson, y Baptiste Moliere.
 En el Arte podemos ver el David de Bernini, o el Éxtasis de Santa Teresa. También se ve esta representación dramática en la escultura del momento.

  La música se centra en el drama, por eso se mueve en la Ópera. El dramatismo también afectó a la música sacra, y la música instrumental.

3. La teoría de los Afectos.

  Los compositores del Barroco buscaron medios de expresión que movieran los Afectos. Estos serían las emociones como la tristeza, la alegría, la cólera, el amor, el miedo, etc. Ellos sostenían que eran estados que se encontraban adentro del alma y que podían ser alterados desde impulsos externos.

  El equilibrio entre todos estos afectos promovía la salud física y mental. Esta es la causa de que a menudo encontremos obras musicales que presenten una sucesión de estilos contrastantes, buscando así producir efectos de ánimo diferentes.

  Cada compositor no buscaba expresar sus sentimientos mediante su obra, sino por el contrario retratar los Afectos en sentido genérico. En la música vocal, se buscaba transmitir mediante la música lo que se quería decir con el texto.

4. Seconda Práctica

  Monteverdi escribió un Madrigal llamado Cruda Amarilli en el que rompía completamente con las reglas de cómo abordar las disonancias en un coral, impartidas por Zarlino. Los debates al respecto fueron muchos. La discusión más conocida fue la de Artusi, quien criticaba a Monteverdi por el quebrantamiento innecesario de las reglas. Esto derivó en lo que ahora se conoce como “Segunda Práctica”

  La segunda práctica consiste en elaborar una obra en la que la música esté al servicio del texto. Ya no se usan reglas estrictas que limiten los pasajes vocales, sino que la música se adapta a lo que se está cantando. Se puede romper con las reglas de conducción de voces, y las disonancias podían usarse con mayor libertad, lo que lograba que se expresaran mejor los sentimientos evocados por el texto.

 La llamaron Segunda Práctica para diferenciarla de la Primera Práctica, inculcada por Zarlino. Esta práctica no sustituía a la primera, sino que cada una se usaba en el momento adecuado, y en el lugar preciso.

5. Características generales del Barroco.

Polaridad Tiple-Bajo: A diferencia del Renacimiento que consiste en la polifonía de voces independientes, en este periodo se enfatiza más en la homofonía. Se usan dos voces, la más aguda (tiple) y la más grave (bajo) como voces esenciales, y dos voces en el medio, escritas o improvisadas.

El Basso Continuo: El compositor escribía la línea del bajo, pero daba espacio a los compositores de realizar una interpretación variada. Se tocaba con varios instrumentos de continuo (clavicémbalo, el órgano, o el laúd) A finales del siglo XVII la línea del bajo se reforzó a con un instrumento melódico como Viola Da Gamba, o el Fagot. La interpretación era variada. Según la pieza, el intérprete podía añadirle notas de paso, o pequeñas melodías, y no todas las piezas tenían Bajo continuo.

Procedimiento Concertato: Ponerse de acuerdo. Los compositores mezclaban voces con instrumentos para que interpretaran diferentes partes. Todo esto lo indicaban en la partitura. También usaban diferentes timbres combinados.

Temperamento Mesotónico y Temperamento Igual: Con la combinación  de diferentes timbres surgieron los problemas de afinación. Se emplearon diferentes métodos de afinación, como el Mesotónico que consistía en afinaciones complejas con diferencias de tono entre una nota y otra. También se usó la afinación Igual, que es muy similar a la actual. Con el tiempo, los instrumentos se adaptaron a esta forma de afinación.

Acordes, disonancias, y cromatismo: Pasaron a considerar las notas consonantes como acordes sobre el bajo. Las disonancias no se veían como notas sueltas, sino como notas fuera del acorde, por lo que se comenzaron a utilizar más. El cromatismo se usaba en general como modo de expresar emociones fuertes.

Contrapunto conducido armónicamente: Las reglas del contrapunto cambiaron. Las voces se veían obligadas a acoplarse a la sucesión armónica escrita en el bajo, lo que dio lugar a que el contrapunto se conduzca mediante la armonía, y no de forma individual.

Ritmo regular y ritmo flexible: Los compositores de la época usaban diferente tipos de ritmos dependiendo de la obra. La barra de compás se volvió a utilizar para delimitar los Compases. En las obras vocales de Recitativo usaron el ritmo flexible. En las Danzas se usaba el ritmo regular. Ambos estilos se usaban a menudo para generar contraste, poniendo una obra de ritmo regular al lado de otra de ritmo regular.

Los estilos idiomáticos: EL destacado papel del solista hizo que los compositores escribieran una música de un medio concreto, como el violín, o la voz solista. Cada medio poseía su estilo idiomático específico, y los compositores se dedicaban a ello.

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