Las Señoritas De Avignon

• Obra : “Les demoiselles d’Avignon (Las señoritas de Avignon)”

• Artista: Pablo Ruiz Picasso.

• Año en que fue realizada: 1907

• Tamaño: 243,9 x 233,7 cm.

• Museo en el que se encuentra: Museo de Arte Moderno de Nueva York.

• Las señoritas de Avignon fue llamada la primera pintura cubista, por la ruptura de la forma natural; cubismo en un estado rudimentario. Pablo Picasso pinto Las señoritas de Avignon en 1907, este fue uno de sus cuadros más famosos y revolucionarios, se convirtió en una de las primeras referencias clave del cubismo, es un cuadro de transición, pero es también un formidable trabajo dinámico y jamás superado por el arte Europeo de la época. El trabajo de Picasso, fue en Gosol en el verano del 1906 cuando Picasso empezó a planear una larga composición de desnudos, pero ninguno se acercaba a lo que sería Las señoritas de Avignon.

El cubismo: Picasso pasaría en pocos años de las formas expresivas al nivel de las formas simbólicas. La revolución se inició con Les demoiselles d'Avignon (1907), manifiesto del arte del siglo XX, cuya gestación exigió a Picasso un trabajo de meses. Varios cuadernos de apuntes y cambios en las figuras y la composición desembocaron en el grupo de mujeres, donde la corporeidad humana y los rostros se intensificaron mediante deformaciones. La influencia del arte africano y la herencia del arte ibérico llevaron a Picasso a ensayar esta nueva anatomía llena de presagios terribles, como si buceara en niveles todavía no explorados

de la realidad humana. Era el manifiesto del cubismo, corriente que ocuparía la actividad del pintor durante una decena de años, aunque sus conquistas geométricas reaparecerían en toda la producción posterior. Clasicismo, surrealismo, expresionismo El drama de las figuras cubistas sintonizaba perfectamente con los desastres de la guerra. Al finalizar la contienda, Picasso, sin abandonar el cubismo (como se percibe en Tres músicos del Museo Metropolitano de Nueva York, de 1923), inicia la etapa denominada clasicista, caracterizada por la representación del movimiento en los decorados para los ballets rusos de Diaghilev.

• El contexto histórico: A comienzos del siglo XX se produce una ruptura radical en la creación artística. Los diversos movimientos que se suceden, desde entonces hasta 1940, se agrupan bajo el nombre de «vanguardias históricas». Se usa el término militar «vanguardias» para aludir a la manera brusca en que estos movimientos se abrieron paso en un contexto artístico que todavía dependía estéticamente de modelos tradicionales, con los que chocaron a causa del radicalismo de sus propuestas. Sin embargo, se califican de «históricas» porque sus hallazgos y alternativas ya forman parte de la cultura occidental, más allá de la controversia que produjeron cuando se dieron a conocer: Picasso, Kandinsky, Mondrian, Duchamp, Dalí o Miró son, hoy, artistas «clásicos», en tanto que sus obras han sido asumidas respetuosamente por los museos.

La causa última de la aparición

de las vanguardias hay que buscarla en la multiplicación de las formas de percibir el mundo y su organización. El arte deja de ser la expresión de un ideal colectivo unitario porque la sociedad no es uniforme. El artista ya no «reproduce» lo que otros consideraron bello, sino que investiga y encuentra. Cada uno de los movimientos de vanguardia obedece a un talante propio, que trata de vincular de manera profunda el arte con la vida, otorgando a aquel una capacidad transformadora, como nunca antes había tenido. Por eso, sus hallazgos estéticos son inseparables de esas actitudes vitales. Sin embargo, terminan por construir un determinado lenguaje artístico que ya forma parte del gusto colectivo. Es decir: los resultados artísticos del cubismo, futurismo, expresionismo, abstracción, dadaísmo o surrealismo, que son los principales movimientos de vanguardia, constituyen referentes estéticos, integrados ya en nuestra manera de apreciar la belleza de la creación.

• Antecedentes inmediatos: Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el impacto que causó en círculos artísticos de París la escultura primitiva africana y la ibérica, de otra , la influencia del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el Fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno

de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y Braque.

• Etapas del Cubismo:

Cubismo analítico: El cubismo analítico, que queda formulado entre 1909 y 1911, consiste en abordar la representación de los objetos a base de una multitud de planos pictóricos, definidos a partir de una maraña de líneas geométricas entrecruzadas, que aluden a la multiplicidad de percepciones físicas y mentales que se pueden tener de un objeto, cuando es considerado en sí mismo. Los cuadros de esta época son, más bien, medianos o pequeños, y están ejecutados con una gama cromática reducida y apagada donde abundan ocres y verdes.

El cubismo sintético: Desde 1911, Picasso y Braque empezaron a pintar en sus cuadros partituras musicales, letras de imprenta, que nombraban el periódico (Journal), o, en el caso de Picasso, a su amante de aquellos años, Eve (Ma jolie), como otra manera fragmentaria de aludir a las cosas. Otra posibilidad era sugerir la textura del papel impreso, la rejilla de las sillas o la madera de la guitarra, que también eran dimensiones de la realidad. En cierto momento, empezaron a pegar en el lienzo estos elementos, como una suma de percepciones, de manera que el cuadro resultaba, más bien, una construcción. Así se originó el cubismo sintético, desarrollado hasta 1914, y muy distinto del analítico; el sentido de cada uno de los planos aparece mejor delimitado, pero la autonomía de las percepciones visuales, táctiles

y mentales es absoluta. Se da la paradoja de que la dimensión material es más evidente, con expresas referencias a lo real, y, sin embargo, el objeto artístico resultante exige una comprensión intelectual.

• Características generales de la producción artística: A. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños.

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