Resumen cine
Enviado por Santiago Ramírez Camarena • 5 de Septiembre de 2016 • Apuntes • 2.089 Palabras (9 Páginas) • 262 Visitas
Periodo: El cine que nunca fue mudo (1895 – 1926) Chaplin, Buster Keaton. The Kid la música acompaña por momentos, sin saturar. En Luces de la Ciudad hay música todo el tiempo (Leit motiv, “La violetera”) | Periodo: De los inicios del cine sonoro al sinfonismo (1926-1930) Alan Crosland, cineasta nacido en 1894, en Nueva York. Desde joven trabajó en diversos oficios para el mundo del cine. Empezó a dirigir cortometrajes en 1917. En 1927 dirigió The jazz Singer, para la Warner Bros. Básicamente una película muda, salvo donde aparece Al Jolson cantando y unas frases sueltas de él, gracias al sistema Vitaphone. El sistema fue probado en 1926 en la película Don Juan, también dirigida por Crosland. En esta película se incorporaban efectos rudimentarios (como el choque de espadas) y música de acompañamiento. Nadie hablaba. Un año después de The jazz Singer, las películas sonoras eran ya muchas. Fox desarrolló Movietone, un sistema mejor que el Vitaphone. | Periodo: Del sinfonismo a la decadencia del sinfonismo (30-60)
Korngold no diferenciaba la música de concierto del resto de la música. A diferencia de Steiner que busca enmarcar la película con la música, Korngold será el precursor de la música con entidad propia, estableciendo un vínculo de unión con las imágenes creando un nuevo significado. Llamado por Hollywood para dar a las producciones el prestigio de la música tardorromántica (Se caracteriza por reunir materiales melódicos, temas y expresiones sinceras de los sentimientos humanos. Es ecléctico. No querían impresionar, estaban en contra de las exageraciones. Se convirtieron en expresionismo). John Williams se influencia de Korngold.
Steiner: Uso del leitmotiv, llegando a superponer uno sobre otro. Para él, la música es un instrumento que pone de relieve las imágenes, es decir, los muestra sin crear significados nuevos. Es la máxima representación del sinfonismo clásico e inspirador de los actuales compositores del sinfonismo autorreferencial. Películas con él: Lo que el viento se llevó. Newman: Romántico, sentimental, refinado, sofisticado y elegante. Película: Cumbres borrascosas.
Música en títulos de crédito, algunos muy populares. Jazz. El sinfonismo culmina su decadencia y cede espacio al uso de motivos folklóricos y populares de diversas zonas geográficas del mundo, al ampliar el cine su radio de acción y su temática. Es el gran triunfo de la música popular. North: Documentales, cortos, piezas de orquesta, teatro y películas antes de Hollywood. Incorporó nuevos elementos a la música cinematográfica: jazz en “Un tranvía llamado deseo” (1951), impresionismo en “Viva Zapata” (1952), fabricación de instrumentos de la época de la Roma Clásica para “Espartaco” (1960), uso de escalas de música antigua en “Cleopatra” (1963), y música popular, electrónica y de vanguardia en muchas otras de sus películas. Bernstein: Estudió piano, luego donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar de jazz de Glenn Miller. Mezcla el estilo jazzístico y el sinfónico, como en “Los siete magníficos” (1960) o “La gran evasión” (1963). 60s: Música popular tuvo efecto en el cine. Evitar fascismo, defender lo nacional y popular. | Periodo: Los nuevos experimentos en el cine (1960 - 1970) Ennio Morricone y la influencia europea. Cine italiano de los 60s es afetado por la derrota en la segunda guerra mundial. Toru Takemitsu y la influencia asiática. Jardín japonés, bomba atómica. Henry Mancini y la revolución de la banda sonora (Duke Ellington, Glenn Miller, Benny Goodman) Breakfast at Tiffanys Maurice Jarre y la performance exacta del sonido. Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago |
Cine EEUU
Sydney Alvin Field: Estructuras dramáticas.
Paradigma de personajes: Analizar o construir personajes (vida interior y vida exterior)
Paradigma del asunto: Ayuda a responder con exactitud el primer cuestionamiento de análisis o escritura de guión ¿De qué trata la historia?
Paradigma de estructura dramática: Estructurar la historia (Acción, confrontación y resolución)
Cine Europeo
Carriére: Construcción del guion por etapas. Redacción de versiones sucesivas. Convivencia entre equipo creativo (Creación colectiva e individual). Improvisación.
Bonitzer: Escritura del guion abarca reflexión e investigación. La representación poseedora de dos sentidos: el sentido de la cosa y el sentido de la ausencia. Cine es ilusión, recrea con verosimilitud la realidad o la trastorna (ilusión de espectáculo real o ilusión de la realidad).
Tratamiento de la música
Paradigma de Syd Field La composición y/o utilización de la música se encuentra atada a la construcción de los paradigmas. Se compone luego de la película o al mismo tiempo pero sin participación en el rodaje del músico. Es la mayor de las veces esquemática, descriptiva, excesivamente emotiva. Está orientada por las tendencias del mercado. | Método de Carriere y/o Bonitzer La composición y/o utilización de la música es entendida como un ejercicio de creación artística, por lo tanto está sujeta a las normas del arte y al mismo tiempo al ejercicio libre de la creatividad. El músico participa de todo el proceso creativo de la concepción y del rodaje. |
El código Hays: Código de producción cinematográfico. Determinaba qué se podía ver en pantalla y qué no. Restrictivo. Creado por la asociación de productores cinematográficos (MPAA) de EEUU. Escrito por un líder del partido republicado, William H. Hays. Establecido en 1930, aplicado del 34 al 67, dio lugar al sistema de Clasificación por edades de la MPAA. Se hizo cine menos abierto a la crudeza social, menos naturalista. Se prohibía la exhibición de la mayoría de películas europeas o independientes.
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