Resumen capitulo 8 de Lowenfeld

LOWENFELD cap. 8: EL ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA

Características

Lo importante es el proceso y actitudes artísticas, no la producción: esta puede ir en detrimento del proceso mental, sentimientos y percepción del alumno.

Arte: modo de elevar y refinar nuestra sensibilidad hacia las experiencias.

Dentro de la curricula escolar, es el único terreno que desarrolla sentimientos y emociones, para lo cual es necesario el interés personal.

El niño preadolescente ya no realiza producciones espontaneas, pues es más consciente de su obra, de sí mismo y de todo lo que lo rodea y no puede cambiar (conciencia crítica).

Se siente inseguro en su infantil aproximación al arte, por lo cual la mayoría abandona lo artístico.

Tarea del arte en la escuela secundaria: proporcionar los medios para que el joven pueda continuar utilizando el arte y conserve la autoconfianza en los propios medios de expresión.

La forma de representación cambia: desde el egocentrismo (niño), hasta una forma de representación que intenta reproducir la realidad con la mayor semejanza posible a una fotografía: para el estudiante secundario, el éxito o el fracaso está determinado por la semejanza con la realidad (en la mayoría de los casos).

El periodo de la escuela secundaria es la época en que el joven se encuentra a sí mismo.

El arte en el secundario puede proveer los medios para la autoidentificacion.

El programa de arte en la secundaria debe centrarse en el estudiante, sus problemas, deseos, necesidades, etc., y no en las particularidades técnicas.

La identificación con y apropiación de las producciones propias, así como poder plantearse problemas, establecer objetivos y ser responsable de la dirección y método de expresión, deberían ser la base del desarrollo de los programas de educación artística.

En cuanto a la identificación con obras ajenas o análisis de las mismas, lo importante no es analizar u observar el trabajo artístico en sí, en términos abstractos u objetivos, sino identificarse con el creador y con los problemas y relaciones emocionales que tenga en el momento de completar su obra La imposición de moldes o reglas de aprendizaje para discutir el arte, puede resultar inaplicable para el estudiante secundario. Identificarse con el artista cuando este observa su ambiente y trata de transportar algunas de sus formas a expresiones tangibles, hace de la apreciación del arte una parte de la experiencia del observador.

El arte no se puede limitar a retratar la belleza del pasado, y el arte de los estudiantes de secundaria no tiene por qué ser hermoso en la actualidad.

Al parecer, el tener la oportunidad de poder expresarse en forma creadora proporciona algunos medios para reaccionar frente al medio social en forma aceptable para esta sociedad. Aquellos q descubren q no son capaces de crear, que no encuentran satisfacción en construir, pueden reaccionar en forma negativa. Incapaces de contribuir en forma positiva, destruyen todo lo q otros han construido. El papel del arte debe ser la canalización de energías en medios productivos y la oportunidad de lograr la autoidentificacion a nivel de la escuela secundaria.

Tipos creadores

Se refieren al modo de organización perceptiva y a la categorización conceptual del medio externo.

Creador tipo visual: se relaciona con el medio a través de sus ojos, es observador, juzga las cosas por su apariencia. Parte de lo general hacia lo particular, percibe las diferencias de luz, sombra, color, distancia, etc., sobre las formas. Puede traducir lo táctil en visual.

Creador tipo háptico: (del griego “haptos”, asir, prender). Se preocupa por las sensaciones corporales y las experiencias subjetivas, q lo afectan emocionalmente. Utiliza todas las sensaciones musculares, kinestésicas, táctiles, y todas las experiencias del yo para establecer una relación con el mundo exterior. Aprecia las texturas, pero no tiene intenciones de reproducirlas visualmente. Sus elecciones de color, tamaño, forma, etc. son subjetivas.

Motivación

Experiencias personales, cualidades humanas, luchas de la humanidad. Es importante proveer al alumno de estímulos q fomenten una conciencia de los problemas de la expresión artística.

Métodos de aprendizaje en el arte

Métodos a través de los cuales los jóvenes intentan experiencias artísticas.

Método espontáneo: comienzan con un conjunto desprovisto de detalles, experimentan con la forma, y aprovechan los accidentes. Suelen realizar obras libres de naturaleza no visual.

Método divergente: los estudiantes generalmente empiezan con finos dibujos de detalles y los complementan con elementos simples, desarrollando una cierta organización.

Es ventajoso señalar al alumno otras formas o métodos de trabajo, una vez q hayan comprendido cual método los representa. No se debe imponer el método del maestro al alumno, ni perpetuar el uso de un solo método que lleve a la rutina y aburrimiento.

La preocupación del profesor debe ser enriquecer las posibilidades del trabajo artístico y brindar al estudiante la oportunidad de evaluar su propio camino. En una verdadera experiencia artística, el artista expone su yo, y la forma en q él ve, piensa y siente queda al descubierto. El objetivo del profesor de secundaria es crear un ambiente en el cual estos pensamientos y expresiones puedan exponerse libremente y  sean tratados con sensibilidad y  respeto.

En la escuela secundaria, el desarrollo del pensamiento creador debe estar contemplado en un programa planificado, en el cual la flexibilidad, la fluidez, la originalidad y la facultad de pensar en forma independiente e imaginativa no se dejen de lado. El profesor de arte debe planificar las experiencias que desarrollen la capacidad del pensamiento creador. Los individuos son muy sensibles a la presión de sus compañeros; sin embargo, el grupo puede contribuir, estimular y apoyar el pensamiento innovador.

El profesor no debe olvidar que el desarrollo de la capacidad creadora es una de las razones básicas de la existencia del arte en la escuela secundaria. El método parte de la aceptación de que el estudiante es un individuo digno, con pensamientos e ideas propias. Algunos programas de la escuela secundaria están orientados solo al uso de diferentes materiales, lo cual es un error.

El docente

El estudiante rechaza al profesor como una persona capaz de evaluar su trabajo o fijar normas para su desempeño. El joven decide por sí mismo si tiene éxito o no sobre la base de sus propios sentimientos. Rechaza las ideas del profesor sobre lo que es importante hacer en el terreno artístico.

Los individuos de los cuales se esperan realizaciones creadoras, y son conscientes de esta esperanza, actúan mucho mejor q un grupo de gente no preparada de este modo. La actitud del maestro es vital en la clase. El hecho de que el maestro espere de sus alumnos lo mejor hace que ello suceda. Es esencial que el maestro sepa escuchar tan bien como hablar.

Etapa pseudonaturalista 12 a 14 años

Esta etapa del desarrollo marca el fin del arte como actividad espontánea y señala el comienzo de un periodo de razonamiento en el que el niño se hace cada vez más critico de sus propias producciones. La representación de la figura humana sufre variaciones acordes a la etapa evolutiva del sujeto. Hay interés en dibujas en cuadernos, forros de libros, etc. Notamos mayor conciencia en los detalles, la ropa, el peinado y los rasgos faciales. Otro descubrimiento es la representación del espacio, ya que el tamaño de los objetos distantes se reduce. Suelen diseñar sus nombres con letras de fantasía. En esta etapa comienzan a romper numerosas ataduras con su familia, a cuestionar la autoridad de los adultos y esto se ve reflejado en los dibujos.

• Búsqueda de la profundidad y las proporciones.
• razonamiento y autocrítica.
• esconde y rompe los dibujos que no quiere que vean los demás.
• más detalles en la figura humana.

Etapa de la decisión 14 a 17 años

El dibujo se ha convertido en esta etapa en un producto de un esfuerzo consciente. El joven de 15 a 17 años es autocritico, introspectivo, idealista y tiene una creciente preocupación por sus relaciones con la sociedad.

CAPÍTULO IX: EL ARTE DEL ADOLESCENTE:

La expresión “arte infantil” está cargada de significación para el maestro, padre o psicólogo. Puede afirmarse que es por intermedio del arte que se nos revela la imaginación inconsciente del niño, libre de todo freno crítico. La adolescencia es un período de desenvolvimiento humano tan definido como la infancia. Podemos distinguir en nuestras escuelas tres tendencias, la primera se interesa por la conservación de los preciosos atributos del arte infantil. Los maestros son los encargados de salvaguardar la frescura y el enfoque artístico inconsciente del niño, para lo cual tratan de crear una artificial “atmósfera infantil” para adolescentes que ya no se sienten orgullosos de ser niños. La segunda tendencia que se observa en las escuelas secundarias, se basa en la perfección del trabajo. Cuanto más se acerquen los resultados a las normas consideradas “profesionales”, tanto mejor será, a juicio de los maestros. La tercera tendencia es la que acepta a la adolescencia tal como es. Ni se la mantiene artificialmente en una “atmósfera parecida a la infancia”, ni se la empuja tampoco a una perfección de adultos. Con el objeto de comprender la naturaleza del arte de la adolescencia y cuál es el lugar que ocupa en nuestro sistema educativo, habrá que aclarar previamente dos problemas. Uno de ellos es el del análisis y el significado de la adolescencia como atapa del desarrollo, en cuanto al crecimiento de la capacidad creadora; el otro se refiere al papel de la educación artística en las escuelas secundarias. La adolescencia puede ser considerada como el período del desarrollo humano que se encuentra entre la infancia y la adultez. Comienza con el cambio funcional de los órganos sexuales, lo que por lo común va acompañado por una mayor conciencia del significado de la maduración del cuerpo y de la mente. Se pueden decir cinco conclusiones respecto de la adecuada estimulación que tienda a crear en los jóvenes la debida confianza en sí mismos, de manera que la expresión plástica sea un medio común por el que todos puedan manifestarse: 1- el cambio de un acercamiento inconsciente al tema motivo del trabajo de creación a otro de conocimiento crítico; 2-el cambio de los conceptos imaginativos; 3-la reconsideración de la clase de temas de trabajo; 4-el significado de las habilidades y las técnicas; 5-la cristalización de dos tipos de conceptos o de creaciones. Un método de enseñanza de las artes plásticas es bueno si permite manifestar las cualidades innatas del individuo, desarrollando su autoconfianza y su deseo de seguir adelante.

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