Arte Procesual Historia Del Arte

ARTE PROCESUAL.-

"El término refleja el trabajo de aquellos artistas que, más que el objeto o el proceso creativo, pretenden evidenciar el quehacer puramente pragmático del arte. La obra no es tanto resultado de una organización formal de los materiales como presentación directa de los mismos, a fin de celebrar sus cualidades de tensión y energía.

El arte se convierte en el lugar en que el artista (a través de su quehacer) obtiene un conocimiento del mundo gracias a una identidad entre pensamiento y acción. En este caso lo importante no es el resultado, la obra terminada, sino el proceso adecuado para propiciarla.

El espacio del artista está constituido por todos los materiales naturales que pueden permitir crear obras efímeras tanto por su duración como por su consistencia.

En última instancia existe una mentalidad espontaneísta que, a la dura solidez de la historia, opone el gesto individual y pragmático."

(Textos: Germano Celant Arte povera, 1969.

Citado en G.C.Argán; El arte moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80)

ARTE CONCEPTUAL

"Nace con la intención de desplazar el discurso artístico respecto de sus objetos y materiales tradicionales. Hasta los años 60, el arte nos había acostumbrado a objetos y formas concretas. En cambio el arte conceptual se plantea como objetivo la búsqueda de su propia noción y de su propio significado.

La obra de arte consiste en analizar e investigar el lenguaje artístico específico y el sistema que lo acoge. Llega así a un arte desmaterializado, entendido como empleo de formas y materiales duraderos. Los materiales pueden ser hojas de papel, discursos verbales sobre el arte o reflexiones sobre el sistema artístico. El arte pasa de un método de intuición y de síntesis a un método de análisis científico, característico de la actividad científica y filosófica. Si el arte nos tenía acostumbrados a la ambigüedad intencional de los significados, el arte conceptual integra los datos de la ciencia y la necesidad de exactitud y de un significado unívoco.

Textos: Catherine Millet, Art Conceptuel, 1972.

Citado en G.C.Argán; El arte moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80

BODY ART

La definición designa a aquellos artistas que utilizan su propio cuerpo como producción artística. Dicho movimiento constituye una reducción del arte del comportamiento puesto que éste ya había indicado el uso del cuerpo entre sus primeros instrumentos. El cuerpo se convierte en un sistema de signos y también en espacio privilegiado mediante el cual el artista se celebra a sí mismo y a su propia soledad narcisista. El yo es el lugar que el artista opone frente a la realidad, consciente de que todo su aparato psicosomático (como ya había descubierto Duchamp) vive dentro del lenguaje y, por tanto, de su situación, en la medida en que la sociedad tiende a definir como artístico cualquier gesto que haya sido producido por quien detesta la etiqueta de artista.

En Europa la Escuela de Viena (Rainer, Brus, Nitsch, Rot, Schzarzkogler) ha operado desde hace muchos años mediante el uso ajeno y dramatizado del cuerpo.

Texto: Tommaso Trini, Nuovo Agabeto per il anpo, 1972.

Citado en G.C.Argán; El arte moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80.

COMPORTAMIENTO

El arte del comportamiento tiene sus precedentes históricos en la obra de Marcel Duchamp, artista que dejó de crear obras en su sentido tradicional para dedicarse a una actividad inédita como era el juego de ajedrez. Duchamp, hasta su muerte, jugó su envenenada partida de ajedrez contra la vida, a fin de establecer una igualdad entre el arte y la vida. Si la vida es un continuo fluir de instantes que se suceden y se contradicen entre sí, tampoco el arte puede ser un compromiso formal y basarse en una falsa coherencia, sino que debe abrirse para asumir las temáticas reales y las contradicciones mismas de la vida.

El comportamiento significa asumir la realidad como campo de referencia de todos los materiales posibles, para reformularlos en términos de lenguaje artístico. El artista pasa rápidamente del objeto a la acción, del empleo de materiales duraderos a la experimentación de acontecimientos y situaciones efimeras. Si el comportamiento significa la vuelta a la vida, esto no indica la desaparición del arte, sino una vuelta a los contenidos entendida como recuperación de temáticas que pertenecen más al conjunto de la sociedad que a cada artista individual.

Textos: Achille Bonito Oliva, Il territorio magico.

Comportamenti alternativi dell arte, 1971.

Citado en G.C.Argán; El arte moderno.

Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80

HAPPENING

El término designa a la obra que no mira al objeto sino al evento. El artista parte de un proyecto de acción en la que implica activamente la presencia del público, que es así sustraído de su papel pasivo y situado en activa relación con el evento artístico. En general la acción no tiene lugar en el espacio cerrado de una galería, sino frecuentemente en distintos espacios de la ciudad, en los que imprevistamente irrumpe el artista con su gesto.

En efecto, el happening es un gesto de irruppción en el espacio cotidiano, planteado según ritmos y en lugares en los que no está prevista la presencia de la producción artística. Por tanto, el evento se desarrolla de acuerdo con una improvisación que rompe los hábitos mentales del espectador. Este parte de un entramado simple sobre el cual se sobreponen una serie de gestos breves y cotidianos, que consiguen implicar al público gracias a su sencillez. De este modo el tiempo, en tanto que duración real, entra en el arte. En efecto, la acción tiene lugar en un espacio y un tiempo definidos, en los que el resultado está constituido por la experiencia colectiva, y los signos que de ella quedan, las fotografias, son documentos de un tiempo vivido realmente.

El happening nace de la actitud interdisciplinar hacia

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