LENGUAJE Y PLANIFICACIÓN CINEMATOGRÁFICA

República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación Universitaria

Universidad Nacional Experimental Rómulo Gallegos

Programa de Comunicación Social

Lenguaje y Planificación Cinematográfica

Semestre III - Sección 1

Edo. Guárico

LENGUAJE Y PLANIFICACIÓN

CINEMATOGRÁFICA

Profesor:                                                                                   Bachiller:

Dr. Pavel Rojas Bustamante                                                    Gerioska González

                                                                                                 C.I: 28.408.602

San Juan de los Morros; mayo 2020

   El cine es conocido como el arte de contar historias por medio de la proyección de imágenes sucesivas, que producen sensaciones y emociones a quien las observe. Es también conocido como séptimo arte desde finales del siglo XIX, junto con la arquitectura, la escultura, la pintura, la música, la literatura y la danza, abriendo las puertas para la fotografía, la televisión y la publicidad como medios artísticos. El cine ha ido evolucionando con el transcurso de los años, a través de la aparición de las nuevas tecnologías y medios para su producción. Asimismo, para poder contar una historia por medio de presentación de imágenes, el cine posee un lenguaje característico (código) en común que permite que el espectador (el receptor) comprenda y sienta lo que el director (emisor) del filme quiera transmitir. A este lenguaje se le llama lenguaje fílmico, que no es más que el lenguaje enteramente audiovisual para poder explicar el mensaje y la historia que desea. Es un tipo de lenguaje que requiere de estudio y ser trabajado con mucha precisión, cuidando cada detalle.

   El lenguaje fílmico posee diversos elementos para realizar su composición, entre los que están los planos cinematográficos. El plano cinematográfico se conoce como la unidad básica del lenguaje fílmico, este representa todo lo que la cámara captura desde el inicio de una toma hasta su final. El plano cinematográfico le permite al director presentar a los espectadores lo que él quiere que se vea. Debido a que con la forma que se muestre el plano, este es capaz de transmitir sensaciones y poner la atención del público en un elemento, también depende de la angulación que se le dé. En el rodaje de un audiovisual es crucial que se maneje entre el personal de producción que tipo de plano se realizara ya que:

   “El operador de cámara necesitará saber qué tipo de plano debe encuadrar, el director artístico necesitará saber qué se va a ver en el plano para no construir más decorado que el necesario, el sonidista colocará su micrófono en función del plano que se esté rodando”. Alberto Mazueco (2016).  

  Para seleccionar los tipos de planos, los pioneros del cine decidieron tomar el cuerpo humano como muestra para los límites de la toma. Presentando así los siguientes tipos:

“El plano general define todos los elementos que aparecen en una determinada escena: personaje o personajes, decorado, fondos, etc. De esta manera el espectador puede conocer en todo momento qué elementos y circunstancias cuentan en una determinada secuencia. Se trata de un plano complejo de realizar, puesto que hay que prepararlo minuciosamente para que no se escape ningún detalle.”. Carlos Paul (2009)  

  El plano general, en él se centra en mostrar todos los elementos en el espacio y no se centra solo en el personaje, es descriptivo y permite situar al espectador en el ambiente donde se graba, el plano general puede subdividirse en dos, el gran plano general, el abarca más terreno, un escenario o ambiente mucho más amplio y casi no se pueden distinguir a los personajes, por ejemplo; el momento en que Forrest Gump (1994) salta al estanque bajo el Lincoln Memorial para besar a Jenny, y el plano general concreto, el cual muestra un espacio más reducido y a la persona de cuerpo entero, técnicamente al personaje en su tamaño exacto.

   El plano americano el cual muestra al personaje desde la cabeza hasta las rodillas o un poco debajo de estas. “Se utilizó como variación del Plano Medio en las películas norteamericanas del lejano oeste (Western) en la primera mitad del siglo XX, donde lo representado se corresponde aproximadamente con 3/4 del cuerpo humano, el corte se realiza cercano a la altura de las botas. Este tipo de encuadre, denominado "tres-cuartos", permitía a los directores mostrar los cintos con los estuches o cartucheras de las pistolas de los personajes” Matias Molusko (2016). Educarcine. Varios ejemplos de este plano lo encontramos en  Django desencadenado (2012) de Quentin Tarantino.

   El plano medio, muestra al personaje desde la cabeza hacia la cadera, permite que ver con más claridad las expresiones de los personajes y estos puede gesticular con las más con las manos, por otro lado el plano medio corto, va desde la cabeza hasta debajo del pecho a la altura del diafragma y este permite ya darle más enfoque al personaje y no a su entorno, Si hay una película que llame la atención con este tipo de planos es Gladiador (2000) de Ridley Scott… Todas las conversaciones y buena parte de las luchas fueron rodadas así.

   El primer plano se enfoca en el rostro y el cuello, se corta por el nivel de los hombros del personaje, produce cierta sensación de intimidad debido a que se usa más que todo para mostrar emociones o expresiones del personaje. El primerísimo primer plano el cual se ajusta exactamente entre la coronilla del personaje hasta su barbilla, se usa más que todo más mostrar la mínima expresión facial y el plano detalle, este se utiliza para realzar un objeto y mostrarlo más minuciosamente, puede ser algo que está en la mano de la actriz o algún objeto importante a resaltar en una escena, hasta alguna parte del cuerpo del mismo actor.

   Los tipos de planos pueden trasmitir diferentes sensaciones también dependiendo de la angulación que se le dé, la composición y los movimientos de cámara. Los movimientos de cámara se refieren al desplazamiento de la misma tanto de forma física como óptica. “Desde el inicio de la historia del cine, no existían movimientos de cámara, solo eran planos fijos y actores desplazándose frente a la cámara. Al agregarle estos movimientos se le otorgaban una sensación más vivificante y les permitía adentrarse a las imágenes y viajar con ellas” lenguaje fílmico. Media cine.

  Entre los tipos de movimientos de cámara se desglosan:

   La panorámica, este movimiento consiste en la rotación de la cámara sobre su propio eje, puede ser en cualquier dirección, a la izquierda, derecha, en diagonal, horizontal o vertical, y aunque la mayoría de las veces este movimiento se ejecuta apoyando a la cámara sobre un trípode, algunas veces se hacen manualmente. Este movimiento le da un toque descriptivo a la toma y pone en relación elementos, además de que permite seguir al personaje en una trayectoria.

  Por otro lado en los travelling, la cámara se desplaza en conjunto al escenario, la cámara se coloca sobre raíles para que sea más fácil moverla, “Existen diferentes tipos de travelling, como por ejemplo de avance y retroceso, ascendente y descendente. Por ejemplo el lateral permite seguir al personaje o a la expresión del personaje que se mueve en un punto, y el circular donde la cámara se desplaza haciendo un círculo alrededor del personaje, con una finalidad romántica o simbólica de encierro en el cine” Movimientos de cámara en el lenguaje audiovisual. Audiovisual studio.

  El zoom también conocido como travelling óptico, se realiza con el cambio de objetivos variables en las cámaras, no es un movimiento físico, sino que los lentes de la cámara permiten cambiar las dimensiones. Y por último el steadycam que es un movimiento de cámara libre que permite al espectador obtener tomas más directos, reales y dinámicos.

  “Continuidad cinematográfica o raccord hace referencia a la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación, a fin de que no rompan en el receptor o espectador la ilusión de secuencia”. Continuidad cinematográfica. Wikipedia. La continuidad es la fluidez que existe entre los planos para mantener al espectador conforme y no crear confusión.

   Para que una película tenga una claridad narrativa sea entendida perfectamente por los espectadores es necesario no dejar vacíos de tiempo. Por esto la continuidad es sumamente importante, relacionar un plano con el otro evita que el público caiga en  confusión.

   Muchas veces existe tomas que se han grabado en lugares y tiempo distintos pero que en la historia se  representan en mismo espacio temporal, como ejemplo grabar dentro de una casa (supuesta en el campo) pero las grabaciones fueron en un estudio, luego se tiene que grabar al personaje salir de la casa (debe haber un ambiente de campo), se graban en distintas locaciones pero se debe dar la ilusión que están en un mismo lugar, para eso se utilizan diversos elementos: la luz, el decorado, el maquillaje y vestuario de los actores, el movimiento. El encargado de la continuidad en una producción cinematográfica es el secretario de dirección.

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